„Musik ist kein Beruf, sie ist ganz einfach das Leben! Das Musizieren ist nicht die Arbeit von zehn Minuten, zehn Tagen oder einem Monat, sondern das Ergebnis eines ganzen Lebens.“ So spricht einer der größten Pianisten unserer Zeit, Grigory Sokolov. Dieser außergewöhnliche Pianist schläft nicht mehr als drei Stunden pro Nacht und verbringt den größten Teil seiner Zeit damit, nachzudenken und sich fast zwanghaft für alles zu interessieren. Er ist ein Meister in der Kunst, Dinge anders zu machen und sie dabei hervorragend zu meistern. Am vergangenen Sonntag gastierte er in der Philharmonie mit einem Recital, das wie ein Spaziergang in zwei Teilen konzipiert war – genug, um die Stimmungen zu variieren und anschließend Freude am Spiel ihrer Gegenüberstellung zu haben.
Der begnadete Künstler aus Sankt Petersburg ist ebenso selten wie anspruchsvoll, ebenso hochmütig wie aufrichtig, ebenso ein Feind des Marketings wie krankhaft diskret, und seit 2010 zieht er das Solokonzert dem Orchesterkonzert vor, die Andacht eines Saals (den er in Dunkelheit getaucht sehen möchte) der pyrotechnischen Darbietung vorzieht, die die Massen begeistert. Der Mann, der die Bühne betritt, wirkt mürrisch. Kaum mehr als ein Hauch eines Lächelns in Richtung des Publikums, das er kaum grüßt, bevor er sich an sein Arbeitsinstrument setzt und sofort zu spielen beginnt. Mit verschlossenem Gesicht, ganz in sich versunken, sichtlich in anderen Gedanken versunken, thront er auf einem sehr hoch gestellten Hocker; er mag zwar mit seiner kolossalen Statur über dem Klavier thronen : er wirkt völlig in sich versunken, erfüllt von der übernatürlichen Anmut der „musikalischen Momente“, die er gleich zu entfalten im Begriff ist. Und wenn er zu spielen beginnt (nur für sich selbst, könnte man meinen), gibt es weder Publikum noch Saal noch Licht mehr, nur noch die Musik.
Und doch entfaltet sich schon bei den ersten Takten von Henry Purcells „Ground in Gamut“ der Zauber. Aus der heterogenen Sammlung der acht Klavierminiaturen des Erben der Virginalisten, die darauf folgen, stechen die Suiten Nr. 2, 4 und 7 besonders hervor. Das Präludium der Zweiten, eine wunderbare langsame Allemande, eines der bewegendsten Klavierstücke Purcells, ist ein sehr edles Stück, dessen dichte Komposition Bach würdig ist. Die Vierte, ein wenig holprig, aber schön, endet mit einer sehr seltsamen Sarabande, die unruhig und stellenweise dissonant ist. Die Siebte besticht unter anderem durch die reizvollen Anapäste der Hornpipe. Unter den Transkriptionen ist schließlich die interessante Chaconne in g-Moll hervorzuheben, die aus „Timon von Athen“ stammt.
Nach der Pause standen zwei bekanntere Werke auf dem Programm, auch wenn das erste, Beethovens grandiosen „Eroica-Variationen“ op. 35, leider noch recht unbekannt ist, auch wenn das Philharmoniepublikum sichtlich von ihrem epischen Elan und dem außergewöhnlichen Reichtum der Entwicklungen begeistert war, die in das kleine kontrapunktische Wunderwerk „Finale alla Fuga“ münden. Die perfekte Gelegenheit für „Grigory der Große“, neben seinem typisch russischen Gespür für Kontraste, Extreme und bisweilen heftige Gegensätze auch seine stahlharte Technik sowie seine Bühnenpräsenz zu bewundern, die selbst einen Gelähmten auf die Beine bringen würde.
Kraft, Autorität – der Russe weiß, wohin er will. Und man muss sich festhalten, um ihm zu folgen, so sehr sprühen unter seinen pyrotechnischen Fingern die Melodielinien mit strahlendem Elan, so sehr erfindet er die Musik im Laufe des Stücks immer wieder neu und entfaltet dabei eine Klangpalette von schillernder Fülle, vom Unfassbaren bis zum Schrei. Mit geschlossenen Augen verbindet er die Eleganz einer phänomenalen Technik mit einer stilvollen Ausdruckskraft, die zwar von exquisiter, gesanglicher Ausdruckskraft geprägt ist, sich jedoch jeglicher Effekthascherei verweigert und stattdessen auf eine tief empfundene Intensität setzt. der faszinierende Magier aus dem Osten überzeugt selbst die Widerspenstigsten.
Doch nun verbirgt ein Meisterwerk ein anderes – oder besser gesagt: Ein Glück kommt nie allein! Als Höhepunkt dieses Konzerts erhebt sich die Interpretation der nostalgischen „Drei Intermezzi op. 117“ von Brahms (die Claude Rostand als „Herbstlandschaften“ bezeichnete) tatsächlich auf dasselbe Niveau der Exzellenz. Was jedoch am Spiel des russischen Virtuosen nicht weniger verblüffend ist, ist die Sparsamkeit der interpretatorischen Mittel, die seine atemberaubende Technik ermöglicht. Abgesehen davon ist es vor allem die vollendete Kunst, die alchemistische Akribie, mit der er die Emotionen destilliert, bis er ein höchst berauschendes Elixier erhält, die größte Bewunderung hervorruft. Nach diesem Moment äußerst seltener musikalischer Glückseligkeit möchte man nicht allzu viel hinzufügen. Wir beschränken uns darauf festzustellen, dass die resignierte Traurigkeit, von der die Intermezzi – Brahms’ letzte Worte am Klavier – geprägt sind, einigen Zuhörern Tränen in die Augen trieb.
