Als wiederkehrender Star der Spielzeiten der Philharmonie überarbeitet Philippe Herreweghe seine Bach-Interpretationen immer wieder von Grund auf. Und das ganz ohne jede Spur von Routine, wie seine Interpretation der Matthäus-Passion BWV 244 beweist, die er im großen Auditorium des Musiktempels auf dem Kirchberg zum Besten gab (ein Saal, in dem man auf glühenden Kohlen sitzt und in dem man eine Fliege fliegen hören konnte), und zwar in Zusammenarbeit mit seinem Collegium Vocale Gent, einer uneinnehmbaren Bastion einer gewissen belgisch-flämischen Orthodoxie, sowie einer Reihe handverlesener Gesangssolisten, wahre Schätze an plastischer Schönheit und atemberaubender Virtuosität. Das Ergebnis: ein wahres Fest der geistlichen Musik an diesem Abend, der in einem gesellschaftlichen Kontext gefeiert wurde, in dem das Heilige – leider – ziemlich ramponiert ist.
Es ist bekannt, dass Bachs Passionen jedes Jahr in der Osterzeit wieder zum Leben erweckt werden ; Bach, von dem der Atheist Nietzsche sagte, seine Musik vermittle ihm eine „Vorstellung von der höheren Ordnung der Dinge“. Welchen Schock müssen die Zuhörer empfunden haben, die der Uraufführung der Matthäus-Passion beiwohnten, mit ihren furchterregenden Chören, ihren rhythmischen Brüchen, ihren packenden dynamischen Kontrasten, ihren ohrenbetäubenden Pausen, den stöhnenden Instrumenten, die schluchzenden Stimmen und die Dissonanzen, die bis zur Verwendung aller zwölf Töne der dodekaphonischen Musik reichen.
Tontreue, polyphone Transparenz dank vibratofreier Stimmen, gewissenhafte Beachtung des sowohl literarischen als auch musikalischen Textes – Herreweghes Herangehensweise kann den Zuhörer nur begeistern und ihn auf den Weg zur mystischen Ekstase führen, da sie von biblischer Einfachheit, intensiver Spiritualität und tiefer Menschlichkeit geprägt ist. Das Gleichgewicht zwischen Chor, Solisten und instrumentaler Begleitung wird von ihm sehr feinfühlig gestaltet, der zwar ein Pionier jener Generation war, die der Suche nach größerer Authentizität im Barockstil entscheidende Impulse gab, zugleich aber als Verfechter eines ästhetischen Kompromisses zwischen Opulenz und Jansenismus auf der Suche nach einer Synthese zwischen der alten, hochmütigen Art der romantischen Interpretation und den musikwissenschaftlichen Erkenntnissen der letzten fünfzig Jahre.
Aus dem Chor der Stimmen, die wie Weihrauchschwaden in übernatürlichem Licht emporsteigen, heben sich mühelos als Herrscher des Geschehens der Bariton Florian Boesch hervor, der dank seiner stentorartigen Stimme einen großartigen Jesus verkörpert, der Majestät und Menschlichkeit vereint, sowie der Tenor Reinoud Van Mechelen, der mit seinem strahlenden Timbre einen inspirierten Evangelisten verkörpert, der vor Inbrunst und Anmut nur so sprüht. Als Träger des emotionalen Kreuzes des Werks erzählt er die Geschichte mit einer Sensibilität und einer feurigen Beredsamkeit, die im zweiten Teil emotionale Höhepunkte erreicht. Die beiden anderen Tenöre (Samuel Boden und Guy Cutting) machen in den ihnen zugewiesenen Arien eine gute Figur. Was die beiden Sopranistinnen (Dorothee Mields und Grace Davidson) betrifft, deren ausdrucksstarke Anmut die Hoffnung auf die Auferstehung selbst in sich trägt, so sind sie in den ihnen zugedachten Arien so bewegend, dass man manchmal Gänsehaut bekommt. Leichte Enttäuschung hingegen bei den Altisten (Tim Mead und James Hall), die etwas im Hintergrund bleiben und sichtlich unter mangelnder Projektion, aber auch unter einem zu dumpfen Klang leiden. Dennoch ist die männliche Leidenschaft der Bässe (Peter Kooij und Tobias Berndt) zu würdigen. In diesem Nonplusultra des Repertoires stehen die Solisten, unterstützt von einem Chor voller Inbrunst, im Dienst des Textes und nicht ihrer Stimme. Einer der Höhepunkte dieses Himalaya der Frömmigkeit, dieses Golgatha der geistlichen Musik, dieses christlichen Kreuzwegs, dieser heiligen Tragödie in Musik, in der die Leidenschaften der Seele offenbart werden, ist zweifellos der berühmte und erhabene Choral „O Haupt voll Blut und Wunden“. Schließlich verdient das Continuo eine besondere Erwähnung, das mit einem Takt, der den Anforderungen der Partitur gerecht wird, das nötige Maß an dramatischer Spannung einzuleiten und aufrechtzuerhalten versteht.
Nach wie vor analytisch und akribisch führte der Taktstock des belgischen Dirigenten, dessen Gestik sich geradezu auf seinen Großhirnkortex zu beschränken scheint und der im Laufe der Jahre an Dringlichkeit und Ausdruckskraft gewonnen hat, ein Publikum, das von diesem titanischen Werk emotional überwältigt war, unerschütterlich bis zum Finale. Präzise artikuliert, geschmeidig und fließend, souverän, aber voller synkopierter und punktierter Rhythmen, die selbst in den Rezitativen an Atemberaubendheit nicht nachlassen – diese Matthäus-Passion ist das perfekte Beispiel für die keusche, , mystischen und kontemplativen Interpretation, für die Philippe Herreweghe bekannt ist – eine Interpretation, die zwar etwas entkörperlicht und ästhetisierend ist, sich aber stets an der meditativen Botschaft des Werks orientiert.
