Eintauchen

Zum Auftakt der nächsten Ausgabe des Luxembourg Film Festivals und im Rahmen seines „Pavillon immersif“ zeigt der Cercle Cité bis zum 6. April die Ausstellung „Entre réflexions et immersion“. Die luxemburgische Veranstaltung stellt zwei Werke gegenüber, die das Reflexionspotenzial neuer Technologien erforschen und dazu einladen, den Status des Zuschauers und dessen Verhältnis zum „Projektionsraum“ neu zu überdenken. Auf der einen Seite steht „Ceci est mon cœur“, ein immersives Erlebnis, das wir den Brüdern Blies zu verdanken ist, und andererseits „Oto’s Planet“ von Gwenael François, ein Kurzfilm, der vollständig in stereoskopischer virtueller Realität produziert wurde und seit dem Sonderpreis bei den Filmfestspielen von Venedig erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt wird.

In der Inszenierung von „Ceci est mon cœur“ betritt das Publikum, eingehüllt in eine elegante weiße Seidenjacke, eine dichte Dunkelheit, in der mehrere Bildschirme aufgestellt sind, als würde jeder von ihnen eine Facette der jungen Figur widerspiegeln, deren Stimme im Begriff ist, von ihren Lebenserfahrungen zu berichten. Der Zuschauer hat die volle Freiheit, sich auf die bereitgestellten Kissen zu setzen oder während der gesamten Erfahrung von einem Bildschirm zum nächsten zu schlendern. Eine Beziehung zum Körper und zum Raum, die für den Zuschauer flexibler und beweglicher ist als im Kino, da er seine Bewegungsfreiheit nicht verliert – im Gegensatz zum Kinosaal, wo das Betrachten an einen bestimmten Platz (den Sessel) gebunden ist. Neben dieser Vielzahl von Bildschirmen stehen einige Zerrspiegel, die auf Anhieb den reflexiven Charakter dieser immersiven Installation unterstreichen – eine Art Spiegelsaal der Dunkelheit. Doch es handelt sich um ein verzerrtes, verändertes, verschobenes Spiegelbild, ganz wie die Erzählung, die die gemeinsamen Erlebnisse der Brüder Blies veredelt. Die Erzählung beginnt mit Herzschlägen, die immer lauter werden, als würden wir der Geburt eines Kindes beiwohnen – jenes Kindes, dessen Entwicklung wir in „Ceci est mon cœur“ verfolgen, „ das mit einem einfachen Stimmausbruch zur Welt kam “, erklärt eine Stimme, die den Text im Stil eines Slams vorträgt. Auf die unbeschwerte Zeit der Jugend, der Freundschaft und des Lachens folgt die von Angst und Verwirrung geprägte Zeit der Vorpubertät, symbolisiert durch den Eintritt in den Wald, deren Symptom die Verleugnung des Körpers sein soll: „&Unfähig, mit diesem schmutzigen Körper zu lieben, und dafür hasste ich dich “, hört man dort als Ventil. Bis zum endgültigen Moment der Resilienz („ Selbst durch Risse dringen Lichtstrahlen “), der visuell durch das Auftauchen von realen Farbbildern der beiden Brüder und ihrer Nachkommen gekennzeichnet ist. Momente des Glücks, buchstäblich der Schwerelosigkeit.

„Ceci est mon cœur“ ist eine Initiationsgeschichte, die sich mit der schwierigen Beziehung eines Kindes zu seinem eigenen Körper auseinandersetzt. Der Film ist das Ergebnis einer vierjährigen Arbeit und wurde erst vor wenigen Monaten fertiggestellt. Am Anfang des Schaffensprozesses stand die Erzählung, wie sie von Stéphane Hueber-Blies ausgehend von traumatischen Erlebnissen geschrieben und konzipiert wurde – in Anknüpfung an ihren vorherigen Film „Zero Impunity“ (2019), der sich mit ungesühnten Kriegsverbrechen befasste. In „Ceci est mon cœur“ geht es jedoch um Erinnerungen, um persönliche Rückblicke sowie um solche, die seinen eigenen Bruder betreffen, die Stéphane miteinander verflechten wollte, wobei er darauf achtete, diese Leiden niemals genau zu definieren, um ihrer Geschichte eine allgemeine Tragweite zu verleihen. Die so entstandene Erzählung ist so gestaltet, dass sie sich ins Bewusstsein des Zuschauers einprägt, insbesondere durch den Einsatz eines poetischen Stils: „ Ich habe versucht, eine Art universelle Erzählung zu schreiben, indem ich Stilmittel wie Wiederholungen und Alliterationen eingebaut habe, die es dem Publikum ermöglichen, sich bestimmte Passagen zu merken, und die dem Text einen gewissen Rhythmus verleihen, ähnlich wie bei Spoken Word “, erläutert Stéphane Hueber-Blies. Anschließend kam der Beitrag von Nicolas Blies hinzu, der sich seinerseits auf die rhythmischen Strukturen im Text stützte, um ihn zu vertonen und zu musizieren, gefolgt schließlich von der Umsetzung der Erzählung in Bilder mithilfe einer Software. Für diesen letzten visuellen Teil griff das Duo in diesem Fall auf Familienarchive (Fotos) zurück, ein Rohmaterial, das mit den vorangegangenen textlichen und klanglichen Rhythmen synchronisiert werden musste. Dieses autobiografische Korpus wurde einer ausgeprägten Stilisierung unterzogen, mit einer starken grafischen Ausrichtung, die vor allem durch den Einsatz von Schwarz-Weiß geprägt ist. So wie der Text einen gewissen Grad an Universalität erreicht, wurden auch die Bilder so bearbeitet, dass eine Form der Abstraktion entsteht, da von den menschlichen Figuren nur Linien, Konturen und pulsierende Körperformen erhalten blieben. Dies geschah stets mit dem Ziel, die Beteiligung des Betrachters an dem, was er wahrnimmt, zu verstärken. Zu dieser textuellen und visuellen Choreografie kam die Anfertigung von Jacken hinzu, die der Betrachter anlegen muss, um in dieses immersive Erlebnis einzutauchen. Es handelt sich um in Luxemburg gefertigte Prototyp-Mäntel, die mit bestimmten Textpassagen interagieren, beispielsweise wenn die Farbe Rot erscheint, sobald die Traumata des Kindes thematisiert werden. Nicolas Blies erklärt dazu: „In dieser Installation steckt der Wunsch nach ‚Art in Space‘, nach einer Auseinandersetzung mit Raum, Volumen, Transparenz und dem Blick auf den anderen. Die Idee der Kleidung ist es, unsere Körper zu verbergen, uns geschützt zu fühlen, aber auch einen positiven Blick auf den anderen und auf sich selbst zu werfen: Wenn ich Sie schön finde, bin ich es letztendlich auch.“

Das zweite Werk ist in seiner Umsetzung einfacher, da der Körper des Zuschauers dabei in einer Unbeweglichkeit gehalten wird, die der im Kinosaal ähnelt. Hier kommt der Gestik jedoch eine gewisse Bedeutung zu, da ein Fingerdruck erforderlich ist, um bestimmte Objekte zu greifen oder zu aktivieren und so an der Geschichte teilzunehmen. Das Publikum muss eine VR-Brille und einen Kopfhörer aufsetzen, um in die farbenfrohe Welt von „Oto’s Planet“ einzutauchen, in der Oto und sein Haustier auf einem imaginären Planeten leben. Ein Leben in vollkommener Zufriedenheit, geprägt von dem, was die Natur hergibt, von Liebe und frischem Wasser, ganz nah an den Sternen – so, wie es sich die Beatniks erträumt hatten. Bis zu dem Tag, an dem Exo mit seinem modernen Fluggerät landet: ein kalter und grausamer Zeitgenosse, der die Routine unseres Helden auf autoritäre Weise durcheinanderbringt. Dieser Eindringling aus der Zukunft stößt Oto sofort zurück, zieht dann mit Kreide eine Grenze auf dem Globus und errichtet schließlich eine Mauer zwischen ihnen, hinter der er sich den einzigen Obstbaum des Ortes angeeignet hat… Es fällt schwer, in dieser willkürlichen Aufteilung des Raums nicht eine menschliche Neigung zur Diskriminierung, zur Kolonisierung und zum Einsatz von Gewalt zu erkennen, um sich die Güter der Natur anzueignen; Die Realität liefert uns zahlreiche ähnliche Beispiele, von der Berliner Mauer über die in Mexiko errichtete bis hin zu der in Palästina. Der einzige „Vorteil“ dieses unglücklichen Bauwerks, das die Welt in zwei Teile spaltet, besteht darin, die Unterschiede durch Kontraste hervorzuheben: auf der einen Seite eine naturnahe Lebensweise, die auf gegenseitiger Hilfe beruht, und auf der anderen Seite eine technologische Lebensweise, die dem Gedanken des Teilens und des Zusammenlebens fremd ist… Es handelt sich also um eine, gelinde gesagt, zeitgemäße Fabel, die der Regisseur Gwenael François geschaffen hat. Ihm gebührt das Verdienst, das Publikum auf humorvolle Weise für die ökologischen Herausforderungen zu sensibilisieren, die es zu bewältigen gilt, um in einer gerechten und friedlichen Welt zu leben.