Im Wald leben

Sie hat zwei Monate damit verbracht, ein Wandgemälde für den vierten Stock des Nationalmuseums für Kunst, Geschichte und Archäologie (MNAHA) zu schaffen. Es handelt sich um einen Auftrag des Museums, der in die Sammlungen aufgenommen wird. Wir trafen die Künstlerin Alexandra Uppman nach Fertigstellung des Wandgemäldes, kurz vor der Einweihung am 18. Dezember letzten Jahres, zusammen mit dem Auftraggeber, dem Konservator für Bildende Kunst Ruud Priem.

Ihre Arbeiten hatten uns in der Ausstellung im Ratskeller „Der Wald. Einsamkeit und Solidarität“ begeistert. Ein relativ komplexer Titel für diese Gruppenausstellung, bei der wir schon am Eingang wie von einem Magneten angezogen von einem großen Schwarz-Weiß-Gemälde an der hinteren Bilderschiene waren. Dort, in gerader Linie vom Eingang aus, hängt „Au nom de la forêt“ und daneben ein weiteres großes Werk von Alexandra Uppman: „Home is where the Forest is“. Die Arbeiten wurden mit einem Marker im Sippling-Verfahren (also im Pointillismus) auf mit einer weißen Acrylschicht beschichtetem Holz ausgeführt.

Die Titel dieser Werke (aus den Jahren 2020 und 2021) sprechen Bände über das Schaffen von Alexandre Uppman. Obwohl wir sie noch nicht kannten, wollten wir unbedingt mehr über diese Künstlerin erfahren, die mit einfachen Techniken arbeitet (Bleistift, Kugelschreiber) arbeitet – wie eine Illustratorin, aber mit der Fähigkeit, die Weite des Waldes und sein geheimnisvolles, fast undurchdringliches Universum einzufangen, das vielleicht nur Eingeweihten zugänglich ist, und das hat uns fasziniert.

Niemand konnte uns mehr dazu sagen, und das Rätsel blieb ungelöst angesichts zweier kleiner Werke, die eine andere Baumart – Laubbäume – zeigten, die auf dem Rundgang „Der Wald. Einsamkeit und Solidarität“ zu sehen waren. Das eine ist eine zentrale, von Birken gesäumte Allee, die weitaus weniger dicht bepflanzt ist; hier hat sich Uppman vor allem auf die Rinde und die Anordnung in Reihen konzentriert, während ein Baumzweig mit scheinbar ungeordneten jährlichen Trieben der Freiheit des Wachstums große Aufmerksamkeit schenkt.

Der Kurator der Ausstellung, Clément Miniguetti, hat das Geheimnis um die vergangenen Jahre nur teilweise gelüftet: „ Ich weiß nicht mehr genau, in welchem Jahr es war, aber ich hatte Alexandra in den Rotondes gesehen und dann bei einem Workshop im Mudam. Ich habe angefangen, ihre Arbeit im Auge zu behalten. Als ich an dieser Ausstellung im Ratskeller arbeitete, erinnerte ich mich an die Werke, die ich gesehen hatte. Was mich interessierte, war der Geist ihrer Arbeit – im wahrsten Sinne des Wortes die Waldgeister ihrer skandinavischen Herkunft. Und dann dient ihre Technik dem Thema. Dieser Pointillismus ist eine sehr präzise Arbeitsweise und verstärkt das Undurchdringliche des Waldes. Das hat mich interessiert. “

Wir waren mehrmals am MNAHA vorbeigekommen, während Alexandra Uppman ihr Wandgemälde schuf – ganz in ihre Arbeit vertieft, mit Kopfhörern auf den Ohren, sodass sie uns nicht einmal bemerkt hatte. Sie war ganz in ihre Arbeit vertieft, hielt manchmal ein kleines Blatt Papier mit einer Skizze in der linken Hand und zeichnete mit dem Bleistift in der rechten Hand nacheinander die Tannennadeln.

Um zu verstehen, was Alexandra Uppmans Werk ausmacht, sollte man die Ateliers der Association des artistes plasticiens du Luxembourg besuchen, wo sie einen Raum als Atelier nutzt. Wir hatten gehofft, zu verstehen, wie sie arbeitet und wie sie ihre Werke erlebt. Doch der Raum ist so klein – sie lacht über unser Erstaunen –, dass sie ihre großformatigen Werke nicht hier schafft. Die Leinwände würden nicht einmal durch die Tür passen. „Ich hatte in den letzten sechs Monaten großes Glück. Ich habe 2018 mein Studium an der ERG in Brüssel abgeschlossen. Ich hatte keine Ahnung, was es bedeutet, eine professionelle Künstlerin zu sein. Ich arbeitete am Wochenende in einer Bar, wo ich als Erstes den bildenden Künstler und Musiker Steve Kaspar kennenlernte. Er riet mir, mich an das Kulturministerium zu wenden, und 2020 erhielt ich ein vierjähriges Residenzstipendium in den Ateliers von Bourglinster. “

Vier Jahre, in denen Alexandra Uppman gelernt hat, das in der Schule Erlernte in persönlichen Ausdruck umzusetzen. „Die Schule war sehr konzeptuell, akademisch. Ich wollte die Beziehung zur Natur und zur Musik erkunden, die mir sehr am Herzen liegen, aber mir fehlte jegliches Selbstvertrauen. Während des Aufenthalts stellte ich mir vor, dass der Status einer professionellen Künstlerin darin bestand, jeden Tag von einer bestimmten Uhrzeit bis zu einer anderen ins Atelier zu gehen und zu arbeiten.“ Sie lacht. „Ich habe vor allem verstanden, wie der Status als Künstlerin funktioniert und welche Fördermöglichkeiten es im Land gibt.“ Das sind wesentliche Aspekte, die man leider nicht im Schulunterricht lernt.

An der Wand betrachtet man seine kleinen Zeichnungen. Das, was dort entstanden ist – von seinen finnisch-luxemburgischen Wurzeln und seiner schwedischen Muttersprache, die durch seine Finger zum Ausdruck kommt. Es ist eine Zusammenfassung der alten skandinavischen Architektur mit ihren Drachenkopf-Firstziegeln, Hütten mit Wikinger-Firstgiebeln, umgeben von Holzfriesen, die an uralte Zeichen eines Naturkults erinnern. Man entdeckt auch die Zeichnung auf der Künstlerseite, die ihr das Land im Jahr 2023 angeboten hatte (d’Land 21.04.2023): „Cœur bouillonnant“ – eine Tanne, deren Herz in Flammen steht.

Einen weiteren Aspekt des Universums von Alexandra Uppman entdeckt man in einem Text aus der 2023 vom Verein „Bad to the Bone“ veröffentlichten Publikation „Black Metal a Home“. Darin erzählt sie, dass sie sich nirgendwo wohlfühlte und dass der Black Metal „ zu meinem sicheren Hafen wurde, dort fühlte ich mich am richtigen Platz und alles ergab einen Sinn… ein Musikstil, der tief in meiner Seele mitschwang, der mit meiner Sicht auf die Welt harmonierte und der zeigte, dass ich mich nicht in die moderne Gesellschaft einfügen konnte.“ Eine Musik, die im Kontrast zu dem sanften Lächeln steht, das sie uns schenkte, während sie ihr Wandgemälde schuf. Oder vielleicht auch nicht so sehr: „Ich habe schon immer eine Sehnsucht nach Skandinavien verspürt, nach seinen Wäldern, seinen Landschaften, meinen Wurzeln. Der Black Metal hat diese Sehnsucht in Musik umgesetzt… Ich fühle mich überwältigt von der Reinheit der Natur, von den Geschichten, die sich auf diesem Land abgespielt haben … Mit dem Black Metal habe ich mir einen Ort des Trosts und der Geborgenheit geschaffen, ein Zuhause, in dem ich mich wohlfühle, und meine Werke sind in gewisser Weise die visuelle Umsetzung dieses Raums, wenn ich mich darin befinde. Dann ergibt alles einen Sinn. Eine Art zeitlose und magische Vergangenheit taucht auf, eine Mythologie nimmt Gestalt an und erwacht zum Leben.“

Man versteht die Architekturen, die man in den Zeichnungen im Atelier sieht, besser – jene Wälder, die undurchdringlich wirken, an deren Rand Uppman den Betrachter zumindest stehen lässt. Doch hier ist nun das Wandgemälde im vierten Stock des MNAHA. Man befindet sich in der Naturwelt von Alexandra Uppman, zwar am Rande eines Raumes, doch dieser ist zentral und klar, und es ist auch die Welt der Bienen, ohne deren Bestäubung jegliche Vegetation sterben würde, da sie nicht befruchtet wird. Dort steht ihr Haus, in Form eines traditionellen Bienenstocks gestaltet; hier und da sieht man eine Biene, die stets den Weg zurück zu dieser perfekten sozialen Ordnung finden wird.

Die junge Künstlerin (sie wurde 1991 geboren) wirkt nach den Turbulenzen ihres Studiums, den bürokratischen Hürden und den Schwierigkeiten, eine Karriere als professionelle Künstlerin zu verfolgen, glücklich und ausgeglichen. Ohne jedoch schon zu glauben, dass ihr Talent von den richtigen Leuten wahrgenommen wurde – sei es in dem Geheimnisvollen und der Wahrheit über die Natur, die ihr Universum ausstrahlt und die sie in Gefahr bringt, obwohl dies doch ihr Wesen ist.

Steichens Inspiration

So auch Ruud Priem, Konservator der bildenden Künste am MNAHA und Kurator der aktuellen Ausstellung „Land in Motion, transforming People and Nature“. Das Wandgemälde von Alexandra Uppmann ist nicht nur ein Auftragswerk des Museums, sondern auch das dritte Werk, das in der Ausstellung präsentiert wird, bevor es in einer Zeit des Wandels und der Weiterentwicklung seinen Platz an den Wänden des Museums findet. Das Credo des Kurators: „Kunstwerke haben den Museumsbesuchern etwas zu erzählen, vor allem, wenn sie thematisch präsentiert werden, anstatt chronologisch nach Epochen geordnet zu sein.“

So war beispielsweise die Ausstellung „Inspired by Steichen“ mit Werken von Erwin Olaf und Hans Op de Beek zu sehen. Derzeit treten vorübergehend ausgestellte Werke in einen Dialog mit ihren Nachbarn an den Wänden. Dies gilt derzeit für „The Marshes / Haunting Sister“ von Renie Spoelstra (eine Kohlezeichnung auf Papier aus dem Jahr 2022 dieser 1974 geborenen niederländischen Künstlerin). Ein „ Werk in Schwarz “ (Titel entlehnt aus einem Roman von Marguerite Yourcenar), in dem Ruud Priem in der düsteren Einsamkeit des Sumpfgrases den idealen Ort für das Verschwinden einer Leiche sieht – einen perfekten Tatort!

Das Werk von Renie Spoelstra, das bereits in der Sammlung zeitgenössischer Kunst ausgestellt ist, „Recreational Area #67“ (Kohle auf Papier, 2008), steht neben einem Triptychon aus der Serie „Abundance“ des in Luxemburg lebenden englischen Künstlers JKB Fletcher, dessen mit schwarzer und weißer Ölfarbe erzielte Effekte in ein allgemeines Grau übergehen. Der verschwommene Effekt erinnert an Steichens piktorialistische Fotoperiode, ebenso wie der Sonnenstrahl, der den Rand eines frisch gemähten Feldes beleuchtet, und die Himmelslücke am Ende des Weges bei Spoelstra an die kontrastreichen Lichteffekte seiner Anfänge erinnern.

Neben den Verbindungen über die Jahre hinweg und zwischen verschiedenen Epochen – bei Spoelstra spürt man die Wärme eines Spätsommernachmittags, während Fletchers Malweise die Kühle des Unterholzes spürbar macht – können die Neuerwerbungen des Museums den Besuchern auch verschiedene Malweisen näherbringen: so zum Beispiel das Werk „Moonrise“, ein Ölgemälde auf Leinwand aus dem Jahr 1909 des dänischen Malers Laurits Tuxen (1853–1927), das Tanja Brugnoni und Ruud Priem kürzlich auf der letzten Ausgabe der TEFA-Messe in Maastricht erworben haben.

Ohne Steichen zum inspirierenden Geist des MNAHA und seiner neuen Leitung machen zu wollen: Kann man einem Maler vorwerfen, dass er versucht, die Wirkung einer nächtlichen Szene im Mondlicht zu verstärken? Während das Triptychon von JKB Fletcher – wenn auch unbewusst – recht schnell Assoziationen zu Steichen weckt, trifft dies auf das Wandgemälde von Alexandra Uppman nicht zu, obwohl Wasser und Ufer während des gesamten Lebens von Edward Steichen ein Thema seines fotografischen Werks waren. Auf jeden Fall lassen sich ab Ende dieses Jahres 2026 Parallelen ziehen (oder auch nicht). Die oberste Etage des Museums wird einer Dauerausstellung gewidmet sein: „Edward Steichen (1879–1973). Life and legacy“.

Beim Triptychon fällt einem sofort die Form auf: eine imposante zentrale Arkade, flankiert von zwei weiteren, die schmaler und niedriger sind. Da man mit der Black-Metal-Musik und dem Gothic-Stil vertraut ist, den Alexandra Uppman schätzt, nimmt man an, dass dies der Ursprung dieses Stereotyps ist. Bei genauerem Hinsehen zeigt sich jedoch das ganze Können der Künstlerin: Die Unterteilung des Freskos in drei Teile durch säulenartige Abstände ermöglicht ein geschicktes Perspektivenspiel rund um den zentralen „See“. Im Vordergrund stehen die Tannen auf der rechten Seite, und der Blick konzentriert sich auf das Feuer; im Mittelgrund befinden sich Tannen auf der linken Seite und der Schnitt des Baumes im Vordergrund, wodurch der Übergang vom „See“ im zentralen Teil der Komposition zum linken Seitenschiff sichtbar wird. Dieser weist nichts Besonderes auf, was wir vom „Stil“ Uppman kennen: die toten Bäume mit ihren horizontal liegenden Nadeln, wodurch sie unscharf erscheinen. Man entdeckt dort ein weiteres deutliches Element: das Bienenhaus, den Bienenstock.

Das gegenüberliegende Ufer des Sees bildet die „ Mauer “, die bereits aus seinem formalen Repertoire bekannt ist, nur dass sie in dieser ruhigen Inszenierung eher als schützendes Element wirkt. Uppman, die sich als Teenager so unwohl fühlte, die in Luxemburg lebte, ohne die Sprache zu sprechen, und ihre Ferien in Finnland verbrachte, wo sie die Sprache der schwedischen Minderheit sprach, hat rechts sogar die Felsen des Müllerthals gezeichnet, was sie uns mit einem breiten Lächeln ausdrücklich mitteilt.

Diejenigen, die Uppmans Werke als Erste entdeckt haben, mussten bereits ahnen, welch kühnes Werk noch kommen würde. Der See – ist das Wasser oder eine makellose Schneefläche? Der graue Himmel spiegelt sich darin nicht wider. Also entscheiden wir uns für den makellosen Schnee – oder erlaubt sich die Malerin einfach nur ein bisschen Weiß? Und dann ist da noch diese seltsame Anordnung der umrandeten Kontur des Laubbaums. Aber es ist, als würde er nicht in das Fresko passen, sondern aus der Ecke des Raumes kommen und ein von der Komposition unabhängiges Motiv zeichnen. So wie die fallenden Blätter sind es schattenlose Silhouetten.

Damit schließen wir diese Beschreibung ab, die nach wie vor ein Rätsel bleibt und von großer malerischer Kunstfertigkeit zeugt. „Das Fresko wird hier im vierten Stock zu sehen sein“, betont Ruud Priem, „und anschließend eingelagert. Ende 2026 wird es wieder zu sehen sein, integriert in die luxemburgische Abteilung des Museums. “