Musiker, die zu Schauspielern werden – oft sind die Ergebnisse, die sich daraus ergeben, ziemlich eindeutig: Entweder entdeckt man die Vielseitigkeit eines Talents, das sogar diejenigen überzeugt, die aus dem einen oder anderen Grund die Musik des Künstlers nicht mögen – man denke an den meisterhaften Bertrand Belin in „Le roman de Jim“, oder an die Schauspielkarriere von Benjamin Biolay, den viele auf der Leinwand erträglicher finden als auf der Bühne –, oder es wird ein völliger Reinfall – man denke nur an Ed Sheeran in „Game of Thrones“ oder an Madonna in Guy Ritchies treffend betiteltem Film „Swept Away“, einem Film, der … eine Art Robinson-Geschichte.
„Moth“, das erste Theaterprojekt des Musikers und Sängers Edsun, wagt den Versuch, sein musikalisches Universum für die Bühne zu adaptieren – vor dem Hintergrund der Sorgen einer jungen Künstlergeneration. Damit folgt Edsun anderen luxemburgischen Musikern wie Maz oder Patrick Miranda, die ebenfalls versucht haben, die Grenzen ihrer Klangwelten zu erweitern. Im Januar 2025 veranstaltete Letzterer in der Kulturfabrik eine multidisziplinäre Release-Party, bei der die Musik von „Pleasing“ mit Kunst, Theater und Musical verschmolz.
Laut Edsun, der als Komponist, Künstler, Regisseur (zusammen mit Hadi Deaibes) und Choreograf (zusammen mit Tristan Sagon) genannt wird, gibt es zwei Themen, die er mit seinem Stück beleuchten wollte: zum einen die Schwierigkeit, zu kommunizieren. Ein Problem, das in einer Welt, in der – wie der Semiotiker Roland Barthes bereits sagte, noch bevor das Internet und Smartphones erfunden wurden – alles ständig mit allem kommuniziert, nur scheinbar ein Widerspruch in sich ist; denn in diesem Ozean von Signifikanten die Botschaft oft verloren geht und sich die Schüchternen dieser Welt nicht mehr hinter der Langsamkeit eines technischen Mediums verstecken können. Da der Kommunikationswirbel unaufhörliche Aktivität erfordert, sinken die Chancen, dass eine Botschaft ihren Empfänger tatsächlich erreicht, umgekehrt proportional zur Fülle der zirkulierenden Botschaften.
Darüber hinaus wollte Edsun die Geschichte einer tiefen Freundschaft zwischen zwei jungen Männern erzählen – einer Freundschaft, in der sich die Gefühle des einen nicht nur als weitaus stärker, sondern auch als von anderer Art erweisen. Im Theater ist diese Geschichte so alt wie die Welt selbst, veranschaulicht durch die berühmte Kette der Andromache, in der sich alle einseitigen Lieben der Theaterwelt verdichten. In der Praxis werden solche Geschichten auf den großherzoglichen Bühnen noch recht selten erzählt, während in der internationalen Literatur, im Kino und im Theater queere Geschichten fast überall auf dem Spielplan zu finden sind – so verfügt die riesige Dussmann-Buchhandlung in Berlin seit kurzem über eine riesige Queer-Abteilung, und einige der schönsten Filme im Wettbewerb der Berlinale hatten die Emanzipation von Homosexuellen („À voix basse“ von Leyla Bouzid) und Transidentität (Rose von Marcus Schleinzer, der gerade das LuxFilmFest eröffnet hat, bei dem er auch im Wettbewerb steht).
Während Edsun, der eher an Konzertbühnen als an Theaterbühnen gewöhnt ist, ein bunt gemischtes Premierenpublikum – bestehend aus einem Who’s Who der Musikszene undeiner Auswahl der Crème de la Crème der Theaterszene, was den hybriden Charakter dessen widerspiegelt, was wir auf der Bühne sehen werden, hat man alle Zeit der Welt, in das Bühnenbild des Stücks einzutauchen, das von Steve Richer und Sacha Hanlet entworfen wurde. In der Mitte, beleuchtet von einem grellen, bläulichen Licht, steht ein Stapel jener Flightcases, in denen man seine Instrumente verstaut – wie hinter der Bühne eines Konzertsaals, eine Art Verdrängtes, das Unbewusste im Leben des Musikers – ein Blick hinter die Kulissen des Schaffens, aber auch in das Leben der Figur Eli: ein Backstage-Bereich, der hier die Mitte der Bühne einnimmt und von Edsun nach und nach aufgeschlüsselt wird, während er sich zum Deuter des Innenlebens seiner Figur entwickelt.
Links, getaucht in das gelb-orangefarbene Licht einer wärmeren Atmosphäre, eine Art Wohnzimmer mit einem Teppich, einem Sessel, Blumen – der sichtbare Teil eines Lebens, jener Teil, den man mit anderen teilt und ihnen zeigt, wo schließlich Edsun erscheint, auf den Bühnenboden klopft, um einen ersten Rhythmus zu erzeugen, in den seine Stimme schließlich eintaucht und so die Grundlage für eine Komposition legt, die aus dem Nichts entsteht – eine schöne Metapher für das musikalische Schaffen.
So kann man beobachten, wie sich die Freundschaft zwischen Eli (Edsun) und Dré (Tristan Sagan) auf der Bühne entwickelt – im Rahmen einer Inszenierung, die eine Mischung aus Theater, Tanz und Musical – und man erkennt, dass die Bühnenbildgestaltung umso raffinierter ist, als sie den Unterschied zwischen den beiden Figuren widerspiegelt, die sie bevölkern: Während Dré gemächlich Kabel aufwickelt oder Eli neckt, indem er ihm das Mikrofon wegnimmt, wirkt Eli deutlich besorgter.
Leider sind die Szenen, in denen Eli mit einer KI-ähnlichen Off-Stimme spricht – die uns eigentlich näher an die Figuren heranführen und deren Innenleben auf eine Weise beleuchten sollen, die die von Edsun üblicherweise verwendeten Mittel – nämlich die der Popmusik – ergänzt –, voller Klischees über Selbstentwicklung. Klischees, die selbst das schlechteste Selbsthilfebuch nicht zu wiederholen wagen würde: Du musst dein Leben selbst in die Hand nehmen, Glück ist überall, im Lächeln eines Kindes und in der Ermutigung eines Lehrers, warte nicht darauf, dass es zu dir kommt, und andere Binsenweisheiten, die zwar in einem Popsong funktionieren, dessen Botschaft darauf beruht, das Banale in etwas Empfindsames, Zerbrechliches zu verwandeln, etwas, das von Anmut durchdrungen ist – eine Metamorphose
szenisch, die aber in einem theatralischen Kontext furchtbar verstimmt klingen und dort völlig verpuffen.
Das ist umso bedauerlicher, als die musikalischen Passagen überzeugen können – sie bestehen fast ausschließlich aus bisher unveröffentlichten Stücken von Edsun: Es handelt sich um Lieder, die auf seiner nächsten EP erscheinen werden, die für das Stück neu arrangiert wurden und in denen Unbehagen, die unerwiderte Liebe und die Sorgen darüber, wer man einmal werden möchte, auf berührende Weise zum Ausdruck kommen, wobei Edsun mit ihrer Stimme all diese Zweifel trägt und sie in Momente der Schönheit verwandelt. Und es ist umso bedauerlicher, als das Spiel mit der Vermischung der Formate vielversprechende Passagen enthält: eine Choreografie von Tristan Sagon, in der er seinen Wunsch nach Emanzipation im Kontrast zur Schwere gesellschaftlicher Normen tanzt, die versuchen, ihn auf der Bühne festzunageln, oder auch das letzte Funkeln einer Straßenlaterne ganz am Ende des (kurzen) Stücks zeugen davon, was aus „Moth“ hätte werden können.
So wie es derzeit ist, ist „Moth“ eher ein Musical, bei dem man vergessen hätte, dass es zwischen den Musiknummern ein Mindestmaß an Handlung vorhanden sein muss, der man folgen kann, Dialoge, die das Dilemma der Figuren verdeutlichen, und Figuren, für die man Empathie entwickeln kann, sodass man sich am Ende sagt, dass „Moth“ vielleicht ganz auf textliche Elemente hätte verzichten sollen, da das Stück weitaus überzeugender ist, wenn es das, was es erzählt, durch die Choreografie, die Gestik der beiden Darsteller, das Ineinandergeflochten der Körper und ihre Anziehungskraft vermittelt – alles Dinge, die Piera Jovics dramaturgische Arbeit perfekt zum Ausdruck bringt.
Während Jacques Audiard kürzlich mit Emilia Pérez das Trans-Musical revolutioniert hat und Filip Markiewicz im vergangenen Jahr mit „Elektra“ ein stimmiges Hybridwerk zwischen Theater und Musik präsentierte, ist „Moth“ eher eine Skizze von etwas im Entstehen als ein ausgereiftes Projekt – wobei seine fragmentarische Form die Idee eines Stücks über einen jungen Mann, der sich Gedanken über seine Zukunft macht, vielleicht viel besser veranschaulicht als seine holprigen Dialoge. So symbolisiert diese Bühne, die abgebaut und weggeräumt wird, noch bevor die Elemente des Bühnenbilds überhaupt zum Einsatz kommen konnten, vielleicht ungewollt das ungenutzte Potenzial dieser Inszenierung.
