Es gibt immer wieder diese Art von „Geiselnahme“ am 3. des Monats im „Trois“, wo uns jedes Mal zusätzlich zu der Abschlussausstellung, wegen der wir gekommen sind, weitere Werke von Künstlern der Familie Trois C-L präsentiert werden. Aber in Wahrheit ist es ein glückliches Stockholm-Syndrom, das uns jedes „3.“ des Monats befällt, wenn wir dort sind, und wir kehren immer wieder mit Freude dorthin zurück. Ob man es nun mag oder nicht: die Qualität der Beiträge ist hier stets gegeben, und auch wenn es sich oft um noch in der Entwicklung befindliche Stücke handelt, zeigen die meisten überraschende Formen, geprägt von Experimentierfreude, starken Ideen und vor allem von dieser berühmten Risikobereitschaft, die in der heutigen darstellenden Kunst zunehmend zu verschwinden scheint. Kurz gesagt: alles, was wir lieben.
Nach einer Vorführung des Teasers zur Eröffnung dieser ambitionierten Spielzeit im Foyer des Centre Chorégraphique, das seine Ziele in diesem Jahr noch höher gesteckt hat. Zusätzlich zu den bereits bestehenden und hervorragend umgesetzten Aufgaben – Berufsausbildung, Künstlerförderung, Vermittlung und Workshops, Verbreitung – ergänzen sie ihr Programm nun um einen Bereich namens „ Hors Circuits “, der es den im „Trois C-L“ untergebrachten Künstlern oder denen, die in die Aktionsnetzwerke der Einrichtung eingebunden sind, ermöglicht, ihre aktuellen Arbeiten zu präsentieren. Dazu gehören unter anderem Rihanon Morgan, Georges Maikel und Sarah Baltzinger – bekannte Namen der luxemburgischen Tanzszene, die man gerne wieder auf der Bühne sieht.
Nach einer Reise durch die dort ausgestellten, hypnotisierenden Fotos von Arnoldas Kubilius – denn das „Trois“ ist nicht geizig – werden wir in den kleinen Saal in „Kino“-Anordnung geführt, wo wir eine Aufzeichnung von „A million eyes“ sehen, einer Aufführung, die die Choreografin Léa Tirabasso gemeinsam mit den Studierenden der Compagnie Edge der London Contemporary School inszeniert hat. Man entdeckt ein Projekt voller Animalität, das den wandelbaren Charakter des Menschen in rasender Selbstironie und überhöhten choreografischen Zügen darstellt. Zum Abschluss der Veranstaltung sehen wir Tirabasso per Videokonferenz aus dem Centre de Danse d’Annonay, wo sie sich in Residenz befindet, um ein neues Stück einzustudieren. In drei Minuten fasst sie ihre Arbeit an diesem Projekt zusammen, das im November 2020 über einen Zeitraum von nur zwanzig Nachmittagen entstand, während das Damoklesschwert Covid über ihren Köpfen schwebte: „ jeden Tag hatten wir Angst, uns am nächsten Tag nicht wiederzusehen, also sagten wir uns: Solange wir es tun können, tun wir es “. Und so entstand „A million eyes“ im Kontext der Pandemie, ohne jedoch fortan so reisen zu können, wie es sich die Künstler wünschen würden.
Später macht sich im Foyer das breit, weswegen man ursprünglich gekommen war. Vor den Eisentüren der „Banane“ legt „Parasite“ los. Das Trio beginnt die Vorstellung, umgeben von einem Publikum, das in diesem Raum, in dem einige noch nicht mit dem Suppeessen fertig sind, etwas überrumpelt wirkt. Schließlich eilen Julieta Martin, Marina Monmirel und Baptiste Gaubert in den großen Saal, halten kurz im Flur inne, inmitten des Gedränges einer Menschenmenge, die nicht weiß, wo sie sich hinstellen soll, um diesen Beginn des Stücks zu verfolgen. Der Einlass in den Saal erfolgt in derselben Unordnung, und es geht ziemlich chaotisch zu. Lautstark drängen sich die Leute auf den Rängen in einem störenden Stimmengewirr. Bei genauerem Hinsehen ergibt die Situation jedoch Sinn im Zusammenhang mit dem Thema. Ähnlich wie die in diesem „Parasite“ angedeutete Suche dringt das Publikum in den Saal ein, wie eine Infektion in den Körper. Und dann ist es gewagt, ein Versuch … Man wird sich nicht vor einer Idee sträuben, die die Konventionen ein wenig auf den Kopf stellt, und das ist auch gut so. Der weitere Verlauf ist ohnehin viel klarer und greifbarer. „Parasite“ strotzt nur so vor szenischen Einfällen, und trotz des noch „unvollendeten“ Charakters dieser Arbeit sieht man darin viel Raum für weitere Entwicklungen rund um diese Recherche, von der man weiß, dass sie bis an ihre Grenzen getrieben wurde.
Die Vermischung der Genres, die Frieda Gerson, die für das Stück verantwortlich zeichnet, herbeiführt, funktioniert wunderbar. Da fällt uns übrigens etwas ein… Wir hatten gehört: „So muss die darstellende Kunst heute sein“, als es um das Modell ging, das die Choreografin am Ende des TalentLAB 2019 vorgelegt hatte. Auch wenn man Schmeicheleien im Nachhinein immer zugestehen kann, ist das, was die darstellende Kunst „sein sollte“, doch eine ganz andere Geschichte. Es ist schwer, sie auf eine bestimmte Herangehensweise festzulegen, auch wenn Gerson und sein Team tatsächlich etwas ansprechen, das in der darstellenden Kunst – zumindest in der, die sich als modernistisch versteht – wiederbelebt werden muss. Wenn diese in der Kombination der Disziplinen so vielfältig ist, beeindruckt sie natürlich, sobald diese Vielfalt intelligent und klar erkennbar ist. Und genau diese Meisterleistung gelingt der Zirkuskünstlerin/Choreografin/Regisseurin – wie soll man sie bezeichnen? Sagen wir einfach „die Künstlerin“, die Clownerie, Zirkus, Theater und Tanz in einer hybriden Form vereint, deren Absicht darin besteht, ein gesellschaftliches Phänomen zu thematisieren: die Besetzung eines Körpers durch einen Parasiten – sei es eine Idee oder ein Virus –, der sich durch diesen Einfluss verwandelt. Frieda hatte diese Vision bereits vor der Pandemie und anderen gesellschaftlichen Krisen; nun steht sie mitten im Thema und ist fast mehr als jeder andere von dieser ins Wanken geratenen Welt durchdrungen.
