„Märchen enden selten so: Sie heirateten. Und kurze Zeit später sagte der Prinz: Ich liebe dich nicht mehr … Aber in der Realität kommt das sehr häufig vor.“ Frédéric Beigbeder war letztlich doch recht optimistisch, als er 1997 einen seiner Romane „Die Liebe dauert drei Jahre“ nannte. Und dennoch sind wir, im Vergleich zu anderen Arten, in Sachen Liebe ziemlich ausdauernd: „ Die Verliebtheitsphase dauert beim Menschen ein bis zwei Jahre. Bei Hunden: drei Monate. Bei Elefanten: ein paar Tage. Bei Vögeln: ein paar Minuten. Je freier sie sind, desto kürzer dauert die Liebe. “
Eine freie Adaption von vier Comics der Autorin und Journalistin Liv Strömquist und zugleich ein eindringliches Stück darüber, wie seit jeher mit den Gefühlen, Körpern und Erwartungen von Frauen gehandelt wird, um letztendlich die kapitalistische Maschinerie der Libido am Laufen zu halten, „Eine noch rotere Rose“ beginnt mit einer Trennung und dem damit verbundenen Schmerz. Denn eine Trennung ist eine dreifache Trauer: um das Selbst, das man in der Beziehung war, um den anderen und um die Beziehung, die zu Ende geht. Aus diesem Grund fühlt sich Diane (Sophia Fabian), die verlassen wurde, von morgens bis abends elend.
Als sie einen Yoga-Kurs unterbricht, den Elie (Cyrielle Rayet) – eine Art überdrehte und vor allem rebellische Schamanin – leitet, nehmen die Dinge eine zunehmend surreale Wendung : Im Mittelpunkt steht die Psychomagie, die es angeblich ermöglicht, ein traumatisches Ereignis durch dessen Nacherleben zu verarbeiten; der Vortrag konzentriert sich zunehmend auf die Person Diane, die Elie auf die Bühne bittet, um ihr Liebesleben im Lichte der Kommerzialisierung von Begierden und Körpern neu zu beleuchten. Eine Kommerzialisierung, unter der vor allem und sogar ausschließlich Frauen leiden, da sie eine der Begleiterscheinungen dieser Geißel namens Patriarchat ist.
Nachdem Elie das Publikum im Rahmen einer der zahlreichen interaktiven Szenen des Stücks dazu angeregt hatte, beim Yoga mitzumachen, ermutigt sie Diane, eine Fotografin, auf die Bühne zu kommen. Diese erzählt daraufhin von dem schrecklichen Misserfolg der Ausstellung, die sie gerade auf die Beine gestellt hat und deren Ziel es war, ältere Frauen zu zeigen, indem sie die Unvollkommenheiten ihrer Körper, ihr Altern und ihren Ausschluss aus dem Markt der Begierde thematisierte – was mit einer Unsichtbarmachung der gesamten Person einhergeht: „ Ich freue mich darauf, eine kleine alte Dame zu sein, die nachmittags Kuchen isst, und außerhalb des großen Sexmarktes zu stehen “, antwortet Elie ihr.
Nur dass die Protagonistinnen der Ausstellung plötzlich nicht mehr ausgestellt werden wollten. Vielleicht, weil sie – angesichts ihres auf dem Bild festgehaltenen Alterns – sich weigerten, sich von der Künstlerin ästhetisch und politisch instrumentalisieren zu lassen. Vielleicht haben sie auch einfach ihre Meinung geändert, wie es bei Hominiden häufig vorkommt. Sie habe lediglich zeigen wollen, dass man Unebenheiten brauche, erklärt Diane. Denn die glatten Körper einer Kylie Jenner oder einer Kardashian, die diesen Raum wie gegensätzliche Wesen heimsuchen, während Marilyn Monroe oder Kaiserin Sissi, deren Körper so faltig waren wie „ die Berge, die sie auf ihren Spaziergängen umgaben “, den eigentlichen Ort des Agons bilden, dass diese Modelkörper keiner Realität entsprechen außer ihrer eigenen, der erfundenen, künstlichen. Das hat kürzlich, ohne dass es immer verstanden wurde, Coralie Fargeat kürzlich in „The Substance“ gezeigt hat, indem sie eine Margaret Qualley filmte, deren Haut so glatt war wie der „ Zuckerguss eines Kuchens “ oder die „ Oberfläche einer Tablette “. Denn während Deleuze und Guattari das befreiende Potenzial des als „begehrende Maschine“ betrachteten Körpers erkannt hatten, sind die Körper, von denen man uns nun träumen lassen will, zu Maschinen geworden, die im Leerlauf laufen.
Und wir müssen sie sehen, diese der Zeit ausgesetzten Körper, denn wenn Leonard Cohen gesagt hat: „ there’s a crack in everything, that’s how the light gets in “, so müssen wir auch Falten, Spalten und Risse schaffen, damit unsere Körper zu Flussbetten unserer Emotionen, zu Weltkarten unserer Erinnerungen und zu Palimpsesten unseres Erlebten werden können. Sind unsere Körper makellos, wird nichts mehr sie behindern. Und ohne Hindernisse gibt es keine Erinnerung, keine Identität, keine Kunst.
Als Antwort darauf wird das Theater von Christine Muller im Gegenteil zum Raum für alle möglichen Unebenheiten: Es verbindet Performance und Improvisation mit geordneteren, geschriebenen Sequenzen und wagt es, die Bar des TNL zu nutzen, „Une rose plus rouge“ ist die unkomplizierteste Inszenierung, die wir bisher von der jungen Regisseurin gesehen haben; sie verleiht den engagierten, kontroversen und witzigen Texten einer Autorin, die manchmal an eine schrulligere Version von Virginie Despentes oder Valérie Solanas erinnert, deren „SCUM Manifesto“ vor einer Woche im Mittelpunkt von Filip Markiewicz’ „Elektra“ stand.
Nach „La visite au TOL“, einem Text von Anne Berest über eine Frau, die keine Mutter werden will, dies aber ein kleines bisschen zu spät erkennt (das Kind ist da, und alle wollen es sehen), und vor gerade einmal zwei Monaten „Ladies Football Club“ von Stefano Massini im Centaure, „Une rose plus rouge“ ist die dritte Inszenierung von Christine Muller innerhalb von fünfzehn Monaten. Ästhetische und thematische rote Fäden zeichnen sich allmählich in ihrem Werk ab: Ob es um Mutterschaft, Freizeit oder Liebe geht – Christine Muller beleuchtet diese Themen gemeinsam mit eindringlichen Texten unter dem Blickwinkel der Rolle der Frau in der Gesellschaft beleuchtet und baut so langsam ein Werk auf, das selbst darauf abzielt, narrative Strukturen und konventionelle Dramaturgien zu zerstören – oder wären wir versucht zu sagen: zu „entmollieren“ –, die viel zu lange mit einer männlichen Art, die Realität zu erzählen, verbunden waren.
Es spielt keine Rolle, ob dies damit zusammenhängt, dass die Adaptionsarbeit, befreit von dem Gefühl der Treue, das man empfindet, wenn man einen einzigen Text inszeniert, sich hier auf mehrere Werke verteilt, oder ob sie das Ergebnis der Transmedialität ist – es kommt eher selten vor, dass Comics für das Theater adaptiert werden. Die Freiheit, die von der Inszenierung ausgeht, ist so groß, dass man den Eindruck gewinnt, die Regisseurin habe ihren Schauspielerinnen einen Spielraum lassen wollen, der fast schon einem Auslauf für ihre Energie gleicht.
Sie nutzen diese Gelegenheit, um sich – genau genommen – auf elegante Weise auszutoben. Ausgehend von einer Inszenierung, die nur scheinbar chaotisch ist und deren vielfältige Einfälle wunderbar auf die den Texten innewohnende Wut eingehen, überzeugt das Frauentrio, das diesen Texten und Sequenzen Leben einhaucht. Cyrielle Rayet beeindruckt das Publikum mit einem ebenso körperbetonten wie fulminanten Spiel, Sophia Fabian ist zunächst treffsicher und präzise als Diane, zeigt dann gegen Ende jedoch völlig unerwartete Wandlungen (die Szene auf dem Motorrad ist urkomisch), wobei all diese Sequenzen von den eindringlichen Melodien umhüllt werden, die Mélanie Gerber auf schwebende Klangteppiche legt, die eines Badalamenti würdig sind.
Die Kehrseite dieser Freiheit ist, dass man gegen Ende manchmal den Eindruck hat, dass das Ganze etwas ausfranst, was vor allem damit zusammenhängt, dass die Übergänge zwischen den verschiedenen Texten etwas zu deutlich sichtbar sind. Doch wenn Elie eine Liste all der Schicksale gebrochener Frauen aufstellt, die sich von Familie zu Familie wiederholen, und sie mit einem lakonischen „ das ist eben das Leben der Frauen “, wenn das Stück mit einem Hoffnungsschimmer endet, der zugleich der Funke ist, der die Zündschnur entzündet, um diesen „ mittelmäßigen Männern, die unfähig sind, ihre Gefühle auszudrücken “, ein für alle Mal ein Ende zu bereiten, sagt man sich nach der Enttäuschung, die „Teheran-Luxemburg“ war, dass das TNL gut daran getan hat, den Schwerpunkt in dieser Spielzeit teilweise auf neue Stimmen zu legen. Umso mehr, als in seinem Programm nach wie vor viel Platz für diejenigen bleibt, die eine „rein männliche Vorstellung von Freiheit“ vertreten. p
