Kommt sie, kommt sie nicht ? Rachida Dati, Kulturministerin, geruht schließlich, ihre Louboutins in Avignon abzustellen – gut eine Woche nach ihren Vorgängern Jack Lang und Françoise Nyssen, etwa zehn Tage nach Eric Thill, ihrem Amtskollegen aus Luxemburg. Da sie – nicht ohne Grund – zahlreiche Stinkefinger befürchtet, meidet sie den gleichnamigen Ehrenhof, um stattdessen ein Pflegeheim außerhalb der Stadtmauern zu besuchen und mit viel Populismus die Kultur der Vororte, aus denen sie nach eigenen Angaben stammt, dem sogenannten „Bling-Bling“ des Ehrenhofs entgegenzusetzen. Es stimmt, dass mit Tiago Rodriguez, der seit zwei Jahren das Festival leitet, die Politik auf den Bühnen der Stadt der Päpste die Rolle der jungen Hauptdarstellerin spielt. Man erinnert sich an die Anti-Front-National-Nacht des letzten Jahres, die bewiesen hat, dass die Kultur den politischen Schandtaten nicht zwangsläufig hilflos gegenübersteht.
Erste politische Maßnahme im Jahr 2025: Die arabische Sprache als Gastsprache durchsetzen. Eine lebendige Sprache, eine polarisierende Sprache, eine geschundene Sprache, die Sprache der Palästinenser im Gazastreifen – und doch ist sie kaum zu hören, außer in den Ansagen, die zu Beginn jeder Vorstellung die Trompetenklänge von Jean-Michel Jarre begleiten, aber auch, seien wir ehrlich, in einigen Lesungen, die von großen arabistischen Stimmen vorgetragen werden. Das Festival eröffnet mit „Nôt“, einer Choreografie von Marlene Monteiro Freitas, einer mit dem Festival verbundenen Künstlerin, die eigentlich eine Hommage an den Zyklus der 1001 Nächte sein soll, sich jedoch in einer karnevalesken Show verliert und verirrt, die Koprophagie und exkrementelle Ausschweifungen vermischt – ein Genre, in dem sich der skandalträchtige Jan Fabre vor einigen Jahren weitaus überzeugender gezeigt hat.
Zweiter politischer Akt: In einem Zimmer in Kabul laden die französische Journalistin Caroline Gillet und die afghanische feministische Performerin (deren Namen wir aus offensichtlichen Sicherheitsgründen nicht nennen dürfen) das Publikum ein, die Schuhe auszuziehen und in ein Hotelzimmer im Cloître Saint-Louis, um der Vorführung von Bildern aus dem heutigen Leben in Afghanistan beizuwohnen. Zwei Reihen stehen sich vor einem bodennahen Tisch gegenüber, auf dem die Künstlerin verwelkte Blumen sowie leere Teller, Schüsseln und Platten platziert hat – so leer wie das Leben, das die Taliban den Frauen vorenthalten. Der Charme dieser bewundernswerten, ironischen und femininen Töpferarbeiten der Künstlerin ersetzt die Nahrung, und dieser Ort wirkt wie eine Herausforderung an die Banalität des Männlichen und an den Unsinn der Taliban. Es ist ein Zimmer mit Blick auf die Dächer und Straßen von Kabul, und wir werden ebenso von diesen Bildern von unerträglicher Aktualität angesprochen wie von den Blicken der Gäste gegenüber, die auf denselben Dokumentarfilm gerichtet sind. Aus dem öffentlichen Leben verbannt, befindet sich die afghanische Frau im Exil in ihrem Zuhause, um ihren Herd herum, wo sie ihren Gästen all das anbietet, was ihr das Unglück vorenthält. Am Ende bleiben diese hungrig zurück, genau wie ihre Gastgeberin.
Dritter politischer Akt: Nur wenige hundert Meter vom Justizpalast entfernt den Fall Pelicot wieder aufleben zu lassen.
Der Pelicot-Prozess: Gerechtigkeit und Fairness
Vier Monate Prozess, vier Stunden Theater, vierzig Fragmente, die Milo Rau, der Schweizer Regisseur, aneinandergereiht hat – er hat die gesamte Prominenz vor Ort versammelt, um derjenigen Tribut zu zollen, die „die Scham auf die andere Seite verlagert“ hat. Marie-Christine Barrault, eine sehr würdevolle Grande Dame, läutet die drei Schläge mit einer Hommage an den Mont Ventoux ein, den Riesen der Provence, dessen Porträt wie ein gnadenloses Über-Ich über den Gerichtssaal wacht. Petrarca zitiert beim Aufstieg auf den kahlen Berg jene Verse des Heiligen Augustinus: „Lasst uns fernbleiben von Ausschweifungen, schmutzigen Vergnügungen und Unkeuschheiten“, die auch heute noch, rund 700 Jahre später, Angst einflößen. Auch der Marquis de Sade scheint von seinen Schlössern aus, die das Vaucluse überragen, ein teuflisches und unheilsames Vergnügen daran zu finden, die Verbrechen von Dominique Pelicot und seinen über vierzig Vergewaltigern zu verfolgen. Philippe Torreton verkörpert diese abscheuliche Figur mit Schrecken und Emotion, während Ariane Ascaride der außergewöhnlichen Würde von Gisèle, der Ex-Ehefrau, Ausdruck verleiht. Während sie die unerträglichen Videos schildert, die während des Prozesses gezeigt wurden, bricht die junge Alison Dechamps in echte Tränen aus, als eine Stunde später ein Plädoyer der Verteidigung an die Werke Foucaults anknüpft, der sich gegen den „Punitivismus“ auflehnt. Wenn das Theater die Justiz treffend nachbildet, wird deutlich, dass auch der Gerichtssaal eine Bühne ist, auf der Katharsis und Erlösung, Anerkennung und Wiedergutmachung stattfinden.
Dreierwette: Rau, Rodrigues und Marthaler
Ein weiterer Triumph für Milo Rau und sein Wandertheaterstück „La lettre“, ein echtes „ theatro povero “ (mit einem Minimum an Bühnenbild und Inszenierung), in dem zwei vielversprechende junge Schauspieler, Olga Mouak und Arne De Tremerie, von ihren Lebensgeschichten erzählen, die sie zwangsläufig zum Theater geführt haben, „einem Milieu, das so intensiv ist, dass die Gefühle miteinander verschmelzen“. Es ist eine interaktive, sehr zeitgemäße Aufführung, bei der das Publikum eingeladen ist, sich einzubringen, und in der Selbstironie, Humor und Intelligenz sich gegenseitig befruchten.
Das von Christoph Marthaler, dem anderen Schweizer, inszenierte Stück ist eines der Highlights dieser Ausgabe. Ein kräftiger Bergmann, eine Art freundlicher Organisator, eine Art Sherpa zugleich (im doppelten Sinne des Wortes, diplomatisch und bergsteigerisch), ist in einer Hochgebirgshütte emsig beschäftigt und empfängt nacheinander fünf Frauen und Männer, die per… einen Lastenaufzug ankommen, dem einzigen Ein- und Ausgang dieser Hochgebirgshütte, in der sich sechs Figuren auf die Suche nach einer Einigung begeben. Denn genau dafür sind Gipfel da: zu versuchen, Teilnehmer, die sich nicht verstehen, unter einen Hut zu bringen. In diesem wahren Turm zu Babel, in dieser burlesken Ode an eine fröhliche Unverständbarkeit, artikulieren – oder besser gesagt: entartikulieren – die Beteiligten auf Bäuerlich, Italienisch, Schweizerdeutsch und Französisch. Ein paar Lieder, Lautmalereien und andere Geräusche schaffen es manchmal, sie unter einen Hut zu bringen. Das Ganze ist witzig, einfallsreich und herrlich schelmisch und erinnert an ein Gipfeltreffen, bei dem Kafka, Buster Keaton und Jacques Tati in der Hütte aus Charlots „Goldrausch“ zusammenkommen würden. Am Ende findet die tragikomische Runde schließlich eine Einigung und bedeckt den Berggipfel, der von Anfang an den Hüttenboden durchbohrt, mit ein paar lächerlich schützenden Laken. Wir glaubten, darin einen durch das Schmelzen freigelegten Gletscher zu erkennen, einen regelrechten Elefanten im Raum, Symbol für die globale Erwärmung, die der Gipfel natürlich nicht eindämmen kann. „Zum Glück gibt es Marthaler“, hörten wir beim Verlassen von La Fabrica.
Für „La distance“ hat Tiago Rodrigues den erfahrenen senegalesischen Schauspieler Adama Diop und die französische Schauspielerin Alison Dechamps, die Entdeckung des Festivals, engagiert, um Vater und Tochter in einer gar nicht so fernen Zukunft zu verkörpern. Auf der Flucht vor einer Erde, die unbewohnbar geworden ist, schließt sich die Tochter einer Sekte an, die auf den Mars zieht, um die alte Welt hinter sich zu lassen und eine neue Gesellschaft zu erschaffen. Es wird deutlich, dass die physische Entfernung zwischen Erde und Mars lediglich die Distanz zwischen Vater und Tochter widerspiegelt, die sich trotz allem weiterhin lieben – in einer Konfrontation aus Unverständnis und Kommunikationsunfähigkeit. Die Vater-Tochter-Beziehung wird mit einer Intensität und Sensibilität offenbart, die alle Väter der Welt … und der Umgebung zu Tränen rühren würde. Aus dem großartigen, sich drehenden Weltuntergangs-Bühnenbild, das unweigerlich an Becketts „Godot“ erinnert, strömt eine unwiderstehliche Atmosphäre der „Saudade“ – jener Melancholie, die so typisch für das Heimatland des portugiesischen Regisseurs ist.
Brel und Giono außerhalb der Stadtmauern
Hier sind zwei Inszenierungen, in denen die Natur im Mittelpunkt steht und Gott selbst die Kulissen entwirft. Und fast wäre damit schon alles gesagt. Anne Teresa De Keersmaeker zeichnet in den Steinbrüchen von Boulbon die Laufbahn des großen Jacques nach – in einem Stück, das schlicht „BREL“ heißt. Das Kind aus Brüssel, das „Ik ben van Luxembourg“ sang, um nicht als Flamingant zu gelten, brüllte seine Lieder mit Gefühlen, die so groß wie das hier waren, von denen sich einige Zeilen so groß wie das hier über die Felswände erstrecken. Die großartige Anne Teresa lädt in ihre Show – die dadurch zu ihrer gemeinsamen Show wird – den jungen Solal Mariotte ein, der so strahlend ist wie sein Name und aus dem Breakdance kommt. Teresa tanzt wie immer, Solal wirbelt herum, Solal windet sich, Solal dreht sich auf dem Boden, Solal fliegt durch die Luft, kurz gesagt: Solal „brelisiert“, so wie Brüssel in den Brel-Jahren „bruxellisierte“. Solal sorgt für die Show, aber im Übrigen muss man zugeben, dass die Lieder bekannt sind, allzu bekannt, und die Show konventionell, allzu konventionell. Man wünscht sich einen Kontrapunkt, bekommt aber eine Pleonasme.
Von der irdischen Welt zur Pflanzenwelt: In „Prélude de Pan“, einer „Wanderaufführung“, entführt Clara Hédouin das Publikum auf die Anhöhen von Villeneuve-lès-Avignon und lässt die gleichnamige Novelle von Jean Giono wiederaufleben – eine Art einführendes Präludium zu seiner berühmten ländlichen Trilogie. Zwei Schauspieler und eine Schauspielerin lassen die Worte des Autors mit den Problemen der heutigen Zeit in Dialog treten und nähren dabei in einer idyllischen Abenddämmerung die Hoffnung auf eine bäuerliche Welt, die ihre Umwelt achtet. Ein sehr gepflegtes, offenes, ein wenig naives Stück, das jedoch in seinem utopischen Optimismus notwendig ist und ganz im Stil von Giono steht.
Die Ente (die klüger ist als) die Wildente
Thomas Ostermaier, der sich zum x-ten Mal an den großen Ibsen wagt, hat bei dieser gar nicht so wilden Ente nicht drei Beine. Wie so viele Stücke des ausgehenden 19. Jahrhunderts handelt auch „Die Wildente“ von Lügen und Leichen im Keller bürgerlicher Familien. Ein Halbbruder, der sich als falscher Bruder entpuppt, nimmt sich in den Kopf, die Wahrheit (bitte mit großem T) seinem Jugendfreund zu offenbaren, der sich eine Geschichte aufgebaut hat, wie man heute sagt, die es ihm ermöglicht, sein Leben mit seiner Frau und seiner Tochter mehr oder weniger gut zu meistern. Eine sich drehende Bühne (schon wieder!) zeigt die Kehrseite dieses Schauplatzes, auf dem sich die (sehr großen) Schauspieler der Berliner Schaubühne bewegen. Von Platon über Machiavelli bis hin zu Juncker weiß man, dass die Wahrheit, die ganze Wahrheit und nichts als die Wahrheit eine Angelegenheit von Fundamentalisten ist und nicht immer gut zu sagen oder zu hören ist. Indem es uns gutes, aber kein großartiges Theater bietet, beschert uns das „Enfant terrible“ der deutschen Theaterwelt einen angenehmen Moment, lässt uns dabei aber etwas auf dem Trockenen sitzen. Die Entenbrust und die Foie gras schmecken ein wenig nach Rillettes.
„Der Satinschuh“: Der Höhepunkt des Festivals bildet den Abschluss des Festivals
Um Mauriac in Bezug auf Deutschland zu paraphrasieren: Ich gebe zu, dass mir dieses Stück von Claudel so sehr gefällt, dass ich es zweimal gesehen habe – wobei der erste Besuch, das muss ich zugeben, bereits nach dem ersten Akt von einem Gewitter unterbrochen wurde, das einem biblischen Sintflutsturm glich. Die zweite Aufführung, die ich in vollen Zügen genossen, ausgekostet und in ihrer gesamten achtstündigen Länge erlebt habe, was nicht gerade wenig ist, entpuppt sich als Performance im vollsten angelsächsischen Sinne des Wortes, als ein Spektakel, das zugleich sportlich und körperlich, dramatisch und musikalisch, poetisch und märchenhaft, mystisch und politisch, klassisch und zeitgenössisch ist – mit einem Wort: barock. Es endet erneut unter einer Flut – diesmal einer Flut aus Standing Ovations und gegenseitigem Applaus, bei der die Zuschauer den Schauspielern und Musikerinnen gratulieren und diese sich beim Publikum bedanken. 38 Jahre nach der legendären Inszenierung von Antoine Vitez freuen sich alle darüber, erneut in die Geschichte des Festivals eingegangen zu sein.
An der Spitze seines Ensembles der Comédie Française nutzt der Regisseur Eric Ruf alle Möglichkeiten, die ihm der legendäre Cour d’Honneur bietet, und lässt die Ungeheuerlichkeit des Ortes mit der Ungeheuerlichkeit des Stücks korrespondieren: Die Schauspieler erobern die Bühne und die Ränge, und die Beleuchtung rückt die Darstellerinnen ebenso ins Rampenlicht wie die Mauern und Fenster des Palais. Die Stimmen der Schauspieler harmonieren mit dem Gesang der Instrumentalisten, und der Chor des Publikums (ja, genau) gibt den Monologen der Schauspielerinnen ein Echo. Die Monologe klingen wie Opernarien, und das fast schon finale Duett zwischen Don Rodrique (der fabelhafte Baptiste Chabauty) und seiner Adoptivtochter Marie des Sept-Epées (die bewegende Suliane Brahim) ist Theater von einer Virtuosität, wie man sie heute kaum noch zu zeigen wagt. Marina Hands vollbringt Meisterleistungen in der Rolle der Dona Prouhèze mit ihren tausend Gesichtern und fast ebenso vielen Kostümen, entworfen von Christian Lacroix, dessen Haute Couture Mächtige und Bettler gleichermaßen mit gleicher Genussfreude einkleidet. Lumpen, Prunkgewänder und Rüstungen erstrahlen in barockem Glanz, ohne jemals den ironischen Unterton zu verlieren. Die Engel tragen Flügel und die Konquistadoren Umhänge und Schwerter. In „Le Soulier de Satin“ hat sich Paul Claudel alle Freiheiten gegenüber den aristotelischen Regeln der Einheit von Ort, Zeit und Handlung genommen. Rechnen Sie also nicht damit, dass ich Ihnen die Handlung – pardon, die Handlungen – zusammenfasse, die sich zur Zeit der großen Entdeckungen abspielen und sich über mehrere Jahrzehnte und ebenso viele Kontinente erstrecken, von Spanien bis nach Südamerika, wo Claudel als Botschafter tätig war. Durch den Aufstieg und Fall von Don Rodrigue, die Hinterhältigkeit von Don Camille, die Großherzigkeit des Königs, die Liebe und die Aufopferung der Frauen – nichts Menschliches ist diesem „Schuh“ fremd, um es mit den Versen von Terentius zu sagen.
„Und was hat der Satinschuh damit zu tun?“, werden Sie mich fragen. Nun, bevor sie ihre Streifzüge „ehebrecherisch“ antritt, schenkt Donna Prouhèze der Jungfrau ihren Satinschuh, um mit einem hinkenden Fuß in die Welt der Sünde einzutreten. Ein großartiges Bild, dieser Pumps, der an einem Jahrmarktsballon hängt, an Höhe gewinnt, über den Köpfen des Publikums in der Luft schwebt und sich weigert, sich niederzulassen, da seine Besitzerin absolut nichts von einem Aschenputtel hat. Ein wunderbarer Abend am Meer, begleitet vom Schaukeln der Boote und dem Rauschen der Meereswellen – ein wahres Leitmotiv dieser Nacht, das von der gesamten Truppe des „Français“ bewundernswert nachgeahmt wurde.
Charlie Hebdo: Schon zehn Jahre
Vierter und letzter politischer Akt (aber gibt es überhaupt Theater, das nicht politisch ist ?), diesmal im Off, im Théâtre de l’Oulle, wo Gérald Dumont, der an der Kufa in Esch wohlbekannt ist, aus dem „Brief an die Betrüger der Islamophobie“ vorlas. Antonio Fischetti hatte dort wenige Minuten zuvor seinen Film „Ich will nicht mehr hin, Mama“ gezeigt, eine Hommage und Anspielung auf Elsa Cayat, die Psychologin, die wie so viele ihrer Kollegen von islamistischen Terroristen ermordet wurde. Wut und Lachen bilden einen Schutzwall gegen das Schlimmste, und der Abend geht weiter mit einer Podiumsdiskussion, an der ein Teil des Redaktionsteams teilnimmt (Coline Renault, Journalistin, Gérard Biard, Chefredakteur, Antonio Fischetti, Journalist, Juin, Karikaturist), um spät in der Nacht nur wenige Schritte entfernt in einer fröhlichen Taverne ausklingen. Wir glauben dann, Elsa zu hören, wie sie mit ihrem donnernden Lachen, voller Lebensfreude und Gesundheit, die Runde erhellt.
