Mit der Bewegung als Ausdruck

Vergessen Sie alles, was Sie über „Das Dschungelbuch“ wissen. Vergessen Sie die Disney-Version mit ihren fröhlichen Liedern und dem schlaksigen kleinen Jungen. Bei Akram Khan ist Mowgli eine junge Flüchtlingin, die nach dem Untergang ihres provisorischen Bootes bei den Tieren strandet. Sein Stück „Jungle Book reimagined“ wurde am vergangenen Wochenende im Grand Théâtre de Luxembourg als Auftakt zum TalentLab-Programm aufgeführt. Zehn Tage lang betreut der britische Choreograf die Projekte junger Tänzer.

In mehr als zwanzig Jahren als Choreograf hat sich Akram Khan immer wieder mit seinen persönlichen Erinnerungen und seinen bangladeschischen Wurzeln auseinandergesetzt. Der 1974 in Wimbledon geborene Künstler beschäftigt sich intensiv mit Fragen der kulturellen Weitergabe, des Übergangs und des kulturellen Erbes. Er hat sich zudem von großen Mythen wie dem Gilgamesch-Epos oder dem Mahabharata inspirieren lassen. Diese Inspiration verdankt er seiner Mutter: „Sie ist eine Sammlerin von Mythen. Sie kennt die großen Gründungserzählungen sowohl in Indien und China als auch in Europa in- und auswendig. Sie hat mir diese Geschichten ständig erzählt, als ich ein Kind war“, erinnert sich Akram Khan bei unserem Treffen diese Woche im Grand Théâtre. Mit dem kleinen Unterschied, dass seine feministische Mutter die Geschichten aus einer matriarchalischen Perspektive nacherzählte. „Mir wurde klar, dass meine Mutter die Weisheit besaß, mir die Geschichte von Adam und Eva aus der Sicht Evas zu erzählen, die Geschichte von Jesus aus der Sicht von Maria Magdalena und die Geschichte des Propheten Mohammed aus der Sicht seiner Frau.“

Für den Choreografen sind unterschiedliche Sichtweisen und Nuancen von entscheidender Bedeutung, während „in unserer modernen Denkweise muss man sich immer für eine Seite entscheiden: richtig oder falsch, schwarz oder weiß, mögen oder nicht mögen … genau wie auf Facebook.“ Er merkt an, dass die hinduistische Mythologie viel komplexer ist, da es das Gute im Bösen und das Böse im Guten gibt. „Im Bharata Natyam (dem klassischen indischen Tanz) lässt sich nicht sagen, ob etwas richtig oder falsch ist; man hinterfragt denjenigen, der Entscheidungen trifft, und das beweist, dass wir Menschen sind. Und menschliche Beziehungen sind am schwierigsten zu thematisieren.“

Das „Dschungelbuch“ durch einen „Blickwinkelwechsel“ und eine Neuinterpretation der Aussage zu erzählen, war für den Choreografen daher ein durchaus akzeptabler Ansatz. „Zunächst habe ich mich dafür entschieden, mir die Geschichte dieses kleinen Jungen wieder zu eigen zu machen, weil ich mich als Kind unsichtbar fühlte. Alle Helden waren weiß, wie Superman, Spider-Man, Batman. Als ich dann plötzlich in einem Zeichentrickfilm diesen kleinen, dunkelhäutigen, schmächtigen Jungen im Dschungel sah, der sang und tanzte, dachte ich mir: Oh mein Gott, das bin ich… “. Später spielte er Mowgli in einer indischen Tanzproduktion. Das zeigt, wie sehr ihm diese Geschichte am Herzen liegt. Sein Ziel ist es, sie für die heutige Welt relevant zu machen, indem er sich „an die Kinder von heute, die Erwachsenen von morgen“ wendet. Meine Kinder haben mich gezwungen, in die Zukunft zu blicken. Und wir hinterlassen ihnen eine Umwelt, mit der sie sich auseinandersetzen und die sie bewältigen müssen. “

Ihre Tochter Sayuri, die zum Zeitpunkt der Entstehung des Stücks neun Jahre alt war, hat nicht nur verlangt – und durchgesetzt –, dass Mowgli ein Mädchen sein sollte. Sie spielte auch eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung des Stücks. Davon berichtet die Künstlerin ausführlich. „Sie nahm an vielen Besprechungen teil, weil wir im Lockdown waren. Sie sagte zu mir: ‚Du musst darüber sprechen, was wir erben werden – den Klimawandel.‘ Und ich verspürte eine Angst, die unsere Generation nicht kannte, denn wir konnten grüne Felder vor uns sehen, während sie nicht wissen, was die Zukunft für sie bereithält. “ Nach diesen Gesprächen stellt sich Akram Khan Mowglis Reise aus der Perspektive einer Flüchtling vor, die in einer Welt gefangen ist, die durch die Auswirkungen des Klimawandels verwüstet wurde.

Das Stück beginnt mit Projektionen von Zeichentrickfilmen in einer Weltuntergangsstimmung, untermalt von einem sehr kraftvollen Soundtrack, bei dem ein Gewitter tobt, unterbrochen von den Worten von Greta Thunberg: „How dare you?“ Die kleine Mowgli verliert ihre Angehörigen auf See und strandet auf einem Land, das von Tieren bevölkert ist – die einen feindselig, die anderen freundlich. Damit sie ihren Platz im Wolfsrudel findet, halten Baloo und Bagheera Ausschau, während die Affen sie davon abbringen wollen und die Schlange Kaa eine Bedrohung darstellt. „Es war wichtig, das Menschliche durch die Tiere zum Ausdruck zu bringen, sich in ihre Lage zu versetzen“, erklärt Akram Khan. Er hat die Bewegungen der Tiere lange studiert, um ein choreografisches Vokabular zu entwickeln – eine Gestik, die weder zu abstrakt noch zu wörtlich ist. „Wir haben uns viele Dokumentarfilme angesehen. Die Idee war nicht, die Gesten der Tiere zu kopieren, sondern sie zu transzendieren.“

In diesem Bild fehlt der furchterregende Tiger Shere Khan. Akram Khan ist sich der Botschaften bewusst, die Rudyard Kiplings Originalwerk enthält, ebenso wie des kolonialen Kontexts, in dem das Buch entstand (der Autor war ein Verfechter des britischen Imperialismus). „Kipling ließ sich von indischen Erzählungen und Mythen inspirieren. Alle Namen der anderen Figuren sind fiktiv, erfunden. Aber Shere Khan ist ein echter Name, der traditionell muslimischen Würdenträgern und Kriegern verliehen wurde. Dieser Tiger symbolisiert die Muslime, die den Kolonialisten in Indien das Leben schwer machten. Davon wollte ich mich distanzieren. “

Das während der Pandemie verfasste Stück scheut die düstere Stimmung nicht. Wie in Disneys Version endet auch das Stück „Jungle Book reimagined“ mit Mowglis Abschied, der zu den Menschen zurückkehrt. Bei Khan kehrt sie jedoch nicht in ein Dorf zurück, sondern sticht auf einem provisorischen Boot, das kaum stabiler ist als das, mit dem sie gekommen war, wieder in See. Wir erleben eine düstere Erzählung von einem verdunkelten Horizont, von einer Zukunft, die keinen Grund zur Freude bietet. „Es ist düster, zweifellos, ja. Aber ich glaube, die jungen Leute haben diese Erzählung bereits akzeptiert. Sie sagen sich: ‚Na ja, das ist unser Erbe, also können wir genauso gut ein Lied daraus machen, einen Tanz, und darüber sprechen‘“, erklärt der Choreograf. Er prangert die kollektive Verleugnung an, die wir an den Tag legen, und macht sich Sorgen um die Zukunft. „ Der Wahnsinn ist, keine Angst zu haben. Wir sind von einer Art globalem Wahnsinn befallen, während wir darauf warten, dass das Wasser unsere Füße erreicht oder Schüsse hinter unseren Fenstern hallen. Ich sage das nicht leichtfertig, denn die Muster, die den beiden Weltkriegen vorausgingen, sind genau dieselben wie die, die sich heute abzeichnen. “

Trotz seiner sehr eindringlichen und engagierten Äußerungen will Akram Khan keine Politik betreiben. „Künstler reagieren in der Regel auf die Welt um sie herum, aber es liegt nicht in unserer Verantwortung, Antworten zu geben. Was wir tun können, ist, eine kleine Veränderung in den Köpfen und Herzen anzustoßen. Aber die wirklich großen Veränderungen müssen die Regierungen in Angriff nehmen. Sie können reden, Reden halten, aber was zählt, sind Taten, Bewegung. Deshalb habe ich immer auf den Tanz vertraut.“ Außerdem hofft er, dass sein Stück Diskussionen anstoßen wird, vor allem zwischen den verschiedenen Generationen. Immer wieder von seiner Tochter angespornt, hat er beschlossen, anders zu arbeiten. Es ist nicht so, als wäre diese Produktion – wie alle vorherigen – bescheiden, aber er hat sich einen Rahmen und Regeln gesetzt, um sparsam mit Ressourcen umzugehen. „Sie sagte zu mir: ‚Papa, du sprichst vom Klimawandel, aber du änderst nichts an deiner Arbeitsweise mit riesigen Bühnenbildern, die einen erheblichen CO₂-Fußabdruck haben.‘ Daraus entstand die Idee einer leeren Bühne ohne physisches Bühnenbild, mit Projektionen von Animationsfilmen. Das Einzige, was übrig bleibt, sind Pappkartons. “

Akram Khan pflegt zudem den Kontakt zur jungen Generation durch seine Tätigkeit als Mentor und Förderer. Die gesamte vergangene Woche über hat er im Rahmen des TalentLab die Projekte von Malcolm Sutherland und Maher Abdul Moaty begleitet und unterstützt. Dieses 2016 ins Leben gerufene Programm betreut junge Künstler aus den Bereichen Tanz, Theater und Oper, um sie im Austausch mit anderen Künstlern und renommierten Mentoren in ihrer Disziplin weiterzubringen. „Das ist sehr spannend für mich, denn so kann ich etwas zurückgeben und meine Erfahrungen weitergeben“, schwärmt er. Trotz seiner langjährigen Erfahrung ist der Choreograf der Meinung, dass er immer noch etwas von anderen lernen kann. „Mein Ziel ist es nicht, ihnen zu sagen, wie man choreografiert oder wie man inszeniert. Ich werde ihnen vor allem zuhören und sie beobachten. Wenn ich in ein Studio gehe, höre ich einfach nur zu, denn man beginnt, die Persönlichkeit der Menschen zunächst an ihrer Stimme und dann an ihrer Körpersprache zu erkennen. Und vielleicht schlage ich ihnen danach etwas vor, woran sie noch nicht gedacht haben. “

Er blickt auf seine eigenen Mentoren zurück, wie Jonathan Burrows oder William Forsythe: „Sie haben mir nie vorgeschrieben, wie ich meine Arbeit machen soll. Sie haben nie versucht, mich ihnen ähnlich zu machen, aber sie waren eine wohlwollende Präsenz.“ Die für Akram Khan wohl prägendste Person war Peter Brook, für den er im Alter von dreizehn Jahren im „Mahabharata“ auftrat. „Ich war nur ein kleines Kind, das nichts wusste und nicht einmal ein besonders guter Schauspieler war. Ich hatte einen körperlichen Stil und eine Art, mich zu bewegen, die mehr sagten als Worte. Und weil ich Angst vor Worten hatte, war ich sehr gut darin, auf die Körpersprache zu achten. “ Er spielte zwei Jahre lang in diesem Stück – unvergessliche Momente, die ihn tief geprägt haben : „Ich lebte mit dieser Schauspielergemeinschaft zusammen, bei der es keinen ‚Aus-Knopf‘ gibt. Sie lebten nur für die Bühne. Heute um sechs Uhr beenden wir die Probe und alle gehen nach Hause.“

Dialog und Zusammenarbeit sind für Akram Khan von entscheidender Bedeutung. „Durch andere lerne ich mehr über mich selbst.“ Und er hat mit Dutzenden anderer Künstler zusammengearbeitet, darunter bildende Künstler wie Anthony Gromley oder Anish Kapoor, Schriftsteller wie Hanif Kureishi und Komponisten wie Nitin Sawhney oder Jocelyn Pook. Mit anderen zusammenzuarbeiten bedeutet, etwas beizusteuern, das der andere noch nicht kannte, Dinge zu lernen, die man nicht geahnt hat, „und sich vom Ergebnis überraschen zu lassen. Eine Zusammenarbeit bedeutet, aus der eigenen Komfortzone herauszukommen, es zu wagen, sich selbst in Frage zu stellen, sich neu zu entdecken. “ Er weiß, dass solche Prozesse Zeit brauchen, und würdigt das Engagement der Theater, die diese Zeitaufwand akzeptieren. „ Wir leben in einer Zeit der rasanten Produktion. Es geht darum, etwas zu machen, nicht etwas zu entdecken. Wenn man es schneller macht, kostet es weniger. Deshalb arbeite ich nicht überall. Die Theater, mit denen ich zusammenarbeite, wissen, dass ich ihr Geld aufbrauchen werde, indem ich langfristig arbeite und nicht einfach ein Stück in sechs Wochen produziere. “