Ach, diese Vorschriften… Etwa hundert Menschen liegen auf dem Boden des „Coração“, dem „Herzen“ des Passages Transfestivals, das für diese Ausgabe von der Place de la République in die intimere Atmosphäre des Vorplatzes des Arsenal verlegt wurde. Der Ort ist gemütlich, man isst und trinkt dort, hört Musik – natürlich brasilianische, denn Brasilien ist das Gastland dieses Jahres. Es ist die Eröffnung dieser Ausgabe 2021 oder 2020, man weiß es nicht mehr genau… Es ist viel los, aber wie viele dieser „Tischschmarotzer“ werden wir bei den Vorstellungen dieser verschobenen Ausgabe sehen, die nun endlich, 28 Monate nach der letzten Ausgabe, beginnt?
„Siehst du zwei Plätze?“, tatsächlich, es gibt fast keine Plätze mehr, „es ist randvoll“, hört man aus dem Mund des begeisterten Festivalpräsidenten Francis Kochert. Freiwillige in blauen „Trans-Festival“-T-Shirts machen ein Selfie, die Masken heruntergezogen, wie ein Symbol: Viele wollten bei dieser Premiere von „O Vento“ dabei sein, oder zumindest bei der Eröffnung des wichtigsten Events der Region Grand Est an diesem sonnigen Herbstanfang. 21:15 Uhr, es strömen immer noch Besucher herein, der Festivaldirektor läuft auf und ab, Benoît Bradel zeigt die übliche Nervosität vor der Eröffnungsvorstellung einer Ausgabe, die ihre Spuren – oder „Einfluss“ – auf ein Festival Passages hinterlassen, das von seinem Vorgänger etwas angeschlagen zurückgelassen wurde.
O Vento beginnt mit dem Miauen eines Babys, untermalt vom melodischen Klang eines Akkordeonspielers, der langsam die langen Treppen des Arsenals hinabsteigt. Das Bild ist eindrucksvoll, und doch nimmt die Mutter ihr Baby heraus, um das nicht zu stören, was als großes Zusammentreffen mit dem Ballett des Opéra Théâtre – Metz Métropole und den brasilianischen Choreografen Morena Nascimento und Lucas Resende angekündigt wird. Auf dem Papier ein spektakuläres Abenteuer, doch die Chemie stimmt nicht. „O Vento“ wirkt, abgesehen von seinem schwachen Rhythmus, wie eine „gute“ Generalprobe in Kostümen. Es gibt zwar einige eindrucksvolle Bilder, doch die zersplitterte Erzählung löst sich mit jedem neuen Bild auf. Schön anzusehen, aber ohne jene Geschichte, die uns mitreißt, jene Dramaturgie, die das Rückgrat einer choreografischen Erzählung bildet. „O Vento“ ist zwar voller Fallstricke, verdient aber dennoch eine Stunde Aufmerksamkeit, allein schon als szenisches Forschungsobjekt, als ein Experiment aus einem dieser choreografischen Labore, das sich vielleicht in Phase drei als wirkungsvoll erweisen wird.
Am nächsten Tag findet man auf dem Boden ein Kissen, auf dem man es sich vor „Nebula“, dem neuen Werk der gefeierten Vania Vaneau, bequem machen kann. Man hat uns gesagt, Vaneau ziehe die Massen an, und das stimmt auch: Die Kapazität ist bei weitem überschritten. Doch trotz der Popularität der Choreografin und Tänzerin hinterlässt sie bei uns gemischte Gefühle. „Nebula“ verfügt über immense und feinsinnige ästhetische, visuelle und poetische Qualitäten. Man sieht darin das Bild einer endlichen Welt, die sich durch die Echos von Kohle und Stein verwandelt. Man hört darin die Geschichte eines sich wandelnden Wesens, in einem schamanischen Ritual unter Trance, das es verändert oder sogar auf andere Weise wiederauferstehen lässt. Es ist eine wahrsagerische Beschwörung, die sich vor unseren Augen abspielt, um etwas anderes „entstehen“ zu lassen – Voodoo in einer entweihten Kapelle, belebt von einer durch und durch großartigen Göttin. Doch seltsamerweise vermittelt diese Vorstellung von der Welt von morgen, die aus Stein und Kohle besteht, eine solche Unmittelbarkeit, dass man darin eine rückwärtsgewandte Vision der Zukunft spürt. Diese esoterische Kunstsprache entzieht sich uns zeitweise, sodass wir uns fragen, was wir da eigentlich sehen: eine Live-Aufführung oder einen schamanischen Touristen-Trip, wie sie mittlerweile im Amazonasgebiet wie Pilze aus dem Boden schießen.
„Deixa arder“ kommt nach der „Nebula“-Dosis wie ein Fremdkörper daher … Hier inszenieren Marcela Levi und Lucía Russo Tamires Costa in einer Choreografie, deren Ziel es ist, „das Publikum mit historischen und aktuellen Stereotypen über den Körper schwarzer Tänzer*innen zu konfrontieren“. Allein in der Mitte einer kahlen Bühne wird Costa tatsächlich mit ihrem eigenen Tanz und ihrem Wesen konfrontiert, bis sie körperlich und seelisch darunter leidet – in einer unermüdlichen Wiederholung derselben Bewegungen bis zur Erschöpfung, obwohl diese außergewöhnliche Tänzerin unerschöpflich zu sein scheint. „Deixa arder“ ist jene Art von „Schade“-Stück, das die Karikatur nutzt, um eine andere zu schaffen – die einer selbstbezogenen Szene, die sich um Debatten dreht, die man heute als überholt betrachten sollte, um in ein anderes, lang ersehntes Anderswo vorzudringen.
Unser „Passagier“-Wochenende geht mit einem ereignisreichen Samstag weiter: Vier Stücke stehen auf dem Programm eines Rundgangs, der rund um das Centre Pompidou Metz und in dessen Innern stattfindet. „Notre forêt“ lässt sich in einer der Galerien nieder, die gerade abgebaut werden. In einer geschickt „zusammengebastelten“ Inszenierung (Maëva Longvert) erleben wir mit Kopfhörern ein prächtiges Stück, das von der großartigen Tänzerin Justine Berthillot inszeniert wird. Und obwohl immer noch diese wörtliche Interpretation vorhanden ist, die man dem aktuellen Programm von „Passages“ immer wieder vorwirft, ist „Notre forêt“ harmonisch inszeniert und bietet große choreografische Poesie.
In „Blanc“, dem zweiten Stück des Parcours, erleben wir Vania Vaneau in einer kurzen, im Freien aufgeführten Form, die deutlich zurückhaltender ist. Die Tänzerin verwandelt den Rasen des Parc de la Seille in einen Ort eines anderen, „sonnigeren“ Rituals. Anhand einer Kostümparade, die sie nach und nach anlegt, verkörpert Vaneau zu den psychedelischen Elektronik-Riffs von Simon Dijoud Götter und Göttinnen, um Mythen und Legenden zu erzählen, bis sie schließlich eine einzigartige, königliche und erhabene mystische Gestalt erschafft.
Drittes „spektakuläres Objekt“ – denn man kann nicht von einer „Vorstellung“ sprechen –: „Ikueman“, präsentiert von Rafael de Paule und der Cie du Chaos, zeigt eine sehr beeindruckende Zirkusvorstellung ohne großen Anspruch an Erzählung, Inszenierung, Kostüme oder szenografische Effekte. Ein „Objekt“ also, das zwar von akrobatischen Meisterleistungen geprägt ist, dessen dramaturgische Reize jedoch eher flach sind, das nur Raum für winzige und flüchtige Emotionen lässt und dessen ästhetische Elemente stark an eine Vorführung dessen erinnern, was man in einer guten Zirkusschule lernt.
„Rue“ bildet den Abschluss dieses Marathons, ohne jedoch dessen Höhepunkt zu sein – ganz im Gegenteil. Eine Begegnung zwischen dem Choreografen und Wissenschaftler Volmir Cordeiro und dem Musiker Washington Timbó: „Rue“ entstand 2015 und scheint sechs Jahre später seine einstige Lebendigkeit verloren zu haben, zugunsten einer Aneinanderreihung von „Grundsätzen“, die das Ergebnis intensiver intellektueller Selbstbefriedigung sind. Ein schmerzhafter Moment, in dem der Zuschauer gezwungen ist, die skurrile Darbietung eines Tänzers zu legitimieren, der sich für allmächtig hält und im Namen der „Kunst“ sowohl Kinder als auch Erwachsene erschreckt, die als elitär dargestellt wird und sich an denjenigen richtet, der sie schafft – von ihm, für ihn und durch ihn.
Seit mehreren Ausgaben fehlt nun schon der rote Faden des ehemaligen „Passages“, der uns in Atem hielt und uns dazu brachte, uns gleich nach dem Ende der einen Vorstellung eine Karte für die nächste zu kaufen… Nach Charles Tordjman versuchen die verschiedenen Leiter, ihre eigene Geschichte zu erzählen, tun sich jedoch schwer, ihre Identität zu finden – so wie es „Passages“ zuvor durch ein mitreißendes und überraschendes Programm geschafft hatte. An diesem ersten Veranstaltungswochenende jedenfalls, an dem ich als Zuschauer sieben „Objekte“ gesehen habe und wirklich zufrieden war, hat es dieses neue „Passages“, das als „trans“ bezeichnet wird, trotz all seiner zahlreichen Bemühungen letztlich nicht geschafft, uns in Trance zu versetzen.
