Der Schmerz, der auf den Schmerz folgt

„Hécube, pas Hécube“ von Tiago Rodrigues hat mich zunächst an Victor Hugo erinnert, wenn er vom Leiden spricht. Aber auch an starke und klare theatralische Momente, die ich bei Castellucci gesehen habe – sowohl was die Form als auch was die Reflexion betrifft. Dann an Marthaler, wegen des bissigen Humors, und schließlich auch ein wenig an Lorraine de Sagazan, in ihrer Installation mit dem Titel „Monte di Pièta“ mit der gleichnamigen Performance, die gemeinsam mit Anouk Maugein erarbeitet und letzten Sommer in Avignon in der Fondation Lambert zu sehen war. Lorraine de Sagazan hat übrigens „Leviathan“ inszeniert und mir ein kurzes Gespräch gewährt, in dem sie die Idee äußerte, „von der Realität ebenso realer Menschen auszugehen, um mit Hilfe der Form eine Reflexion über Gerechtigkeit im Theater, über dokumentarische Arbeit und schließlich über den ‚Contretemps‘ in Anlehnung an Gilles Deleuze zu schaffen. “ All dies findet heute seinen Widerhall in Verbindung mit der Arbeit von Tiago Rodrigues in „Hécube, pas Hécube“, das ich letzte Woche auf der großen Bühne des Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg gesehen habe.

Zwei Stunden Theateraufführung als symbolische Gerechtigkeit – das bietet uns Tiago Rodrigues, der seine Texte zwischen den Zeilen von Romanen verfasst (zum Beispiel „Anna Karenina“ von Leo Tolstoi für „The Way She Dies“) oder hier zwischen den Zeilen einer fast schon psychologischen Tragödie: „Hekabe“ von Euripides. Nicht an die Stelle der Justiz treten, sondern ihr eine Stimme geben, woanders als in ihren Gebäuden, nämlich im Theater, auf der Bühne. Gerechtigkeit im weitesten Sinne, beleuchtet durch die griechische Tragödie, die Euripides im 5. Jahrhundert v. Chr. verfasste. Dann im engeren Sinne, verankert in einem Familiendrama, nämlich dem einer Schweizer Schauspielerin, Nadia, deren autistischer Sohn in der staatlichen Einrichtung, die für ihn verantwortlich war, misshandelt wurde.

Es geht hier nicht darum, die beiden miteinander verflochtenen Geschichten und die beiden Hauptfiguren – Nadia und Hekabe –, die miteinander verschmelzen oder sich gegenseitig inspirieren, im Detail zu erzählen. Vielmehr geht es um die Mythen oder genauer gesagt um die bereits bestehenden Metaphern, was Hans Blumenberg als Metaphorologie bezeichnet. Ein paradigmatischer Ansatz der Metaphorologie versucht, sogenannte absolute Metaphern zu identifizieren, d. h. solche, die sich nicht auf einen begrifflichen Rahmen reduzieren lassen, obwohl sie umformuliert oder verfeinert werden können. Diese Metaphern haben eine noch ausgeprägtere Geschichte als Konzepte, denn ihre Entwicklung zeigt die Dynamiken, die Bedeutungsrahmen und historische Perspektiven prägen. Genau das ist im Stück „Rodrigues“ der Fall. Was bleibt, ist die Vorstellung einer tollwütigen Hündin, wie eine absolute Mutter, eine „mater dolorosa“, die ihren Schmerz über den Verlust oder die Verletzungen ihres Kindes (Polydore oder Otis) in Treibstoff verwandelt. Sie wird nicht lockerlassen und unaufhörlich bellen, in Worten und Sätzen, gegenüber Polymestor, Agamemnon oder dem Leiter der Einrichtung für autistische Kinder, den Erziehern oder dem Richter.

Das Bühnenbild besteht aus einem Forum, das gleichzeitig im Freien und im Innenraum angesiedelt ist – je nach Handlung entweder ein Proberaum oder ein Gerichtssaal. Ein markantes Element ist eine imposante schwarze Statue einer Hündin. Ein abgegrenzter Raum, der jedoch zur Hinterbühne hin offen ist, ermöglicht uns den Zugang zu allen Szenen. Ursprünglich wurde das Stück in der Carrière de Boulbon, ganz in der Nähe von Avignon, in einer prächtigen Naturkulisse uraufgeführt.

Was es bei diesem Stück und beim Theater von Tiago Rodrigues im Allgemeinen zu analysieren gilt, ist, inwieweit dieses soziale und politische Theater – also das, das einen Bezug zur Realität hat – heutzutage wieder unverzichtbar wird. In diesen Tagen erleben wir gemeinsam die dystopische Auswüchse des aktuellen Geschehens und spüren, dass die Schwächsten, die „Unerwünschten“, wie sie der Anthropologe Michel Agier bezeichnet, mit einem Brandmal gezeichnet sind: Obdachlose, Drogenabhängige, Flüchtlinge, Arme, unsere Alten, aber auch unsere autistischen Kinder, zum Beispiel. Es gibt keine Mäßigung mehr, aber auch keine Ausgewogenheit, weder in den Äußerungen noch in den Handlungen. In einer solchen Situation, wenn sich ein dystopisches System etabliert – ja, eine Art Diktatur des Stärkeren –, werden die Schwächsten ins Visier genommen. Die Geschichte von Hekabe – nicht Hekabe – ist entscheidend, denn sie zeigt nicht nur die Idee und die Figur der tollwütigen und unerbittlichen „Hündin von einer Mutter“, sondern auch, wie leicht es ist, Gewalt gegen die Schwachen auszuüben, hier zum einen durch die Schilderung und das Verständnis des Mordes an Polydor und zum anderen durch die Misshandlungen an Otis.

Zugegeben, weder das Theater von Tiago Rodrigues noch irgendein anderes wird es ermöglichen, die Gewalt einer Gesellschaft zu stoppen, deren Entstehung man zugelassen hat. Dieses Theater rettet keine Leben, das Theater im Allgemeinen tut dies nicht, ebenso wenig wie die Kunst im Allgemeinen, aber gerade weil es nicht wichtig ist, ist es unverzichtbar. Das Theater, vor allem das von Rodrigues, ist jene Zeit, die uns in unserem Alltag so schmerzlich fehlt, um tiefer nachzudenken und Zusammenhänge herzustellen. Diese Zeit, in der Darsteller und Publikum im Theater gemeinsam bestimmte gesellschaftliche, ja sogar politische Fragen anhand von Texten erörtern, die gekonnt verfasst und mit großer Intelligenz sowie mit allen Nuancen interpretiert werden. Genau das ist bei „Hekabe, nicht Hekabe“ der Fall.

Hervorzuheben ist auch das fein abgestimmte Zusammenspiel der Darsteller, allesamt Schauspieler der Comédie-Française. Auch sie bewegen sich zwischen zwei (Schauspiel-)Stilen, nämlich zwischen Übertreibung und Naturalismus. Sie verkörpern ein Herz, das als Prämisse angekündigt wird, als Beginn einer Beweisführung.

Nadia, gespielt von Elsa Lepoivre, überzeugt voll und ganz in ihrer doppelten Rolle – sowohl antik als auch zeitgenössisch –, als Symbol einer Mutter, die seit Anbeginn der Zeit ihren Schmerz herausschreit, immer und immer wieder, wenn man ihren Kleinen etwas antut. Sie ist zugleich philosophisch und animalisch. Eine Szene drang besonders tief in die Eingeweide und von dort direkt ins Herz: Sie schreit bis zum Äußersten und zeigt dabei die Geste der ultimativen Angst ihres Kindes, wobei der Schrei aus der Tiefe ihres Bauches kommt: „Er hat das getan!“

In „Hekabe, nicht Hekabe“ gibt es zahlreiche eindrucksvolle, schöne und intelligente Szenen, die oft durch das Schauspiel der Darsteller, aber auch durch die Musik von Otis Redding geprägt sind. Ein wahres Spektakel, das nahtlos mit der Realität verschmilzt.