Zwischen Theater und Gericht gibt es eine lange und spannende Verbindung. Man denke an „Prima Facie“ von Suzie Miller, die Geschichte einer Anwältin, die Vergewaltiger verteidigt und selbst Opfer einer Vergewaltigung geworden ist, die 2025 von Marja-Leena Junker in Luxemburg einfühlsam und zurückhaltend adaptiert wurde, und einige Monate später auf eine weitaus provokativere Weise, mit vielen unangenehmen Beispielen des „male gaze“, von Frank Hoffmann inszeniert wurde. Man denke an „Terror“ von Ferdinand von Schirach, bei dem das Publikum am Ende des Stücks in die Rolle der Geschworenen schlüpft, die über das Schicksal des Angeklagten entscheiden müssen.
Man denkt auch noch an das berühmte „Kongo-Tribunal“ von Milo Rau, in dem der Schweizer Regisseur einen fiktiven Prozess inszeniert, zu dem echte Opfer und Täter der Bürgerkriege, die das Land erschüttern, eingeladen werden. Im Anschluss an diesen Prozess wurde einer der Angeklagten – ein Minister – seines Amtes enthoben: ein schönes Beispiel dafür, was das Theater bewirken kann, wenn es sich in die Realität einmischt. Wie Rau erklärte, hatten die Schuldigen so wenig Skrupel, vor Gericht zu erscheinen, weil sie vom Gegenteil überzeugt waren, nämlich dass die Trennlinie zwischen Theater und Realität so unüberwindbar ist wie eine riesige Schlucht.
Milo Raus Stück findet seinen Widerhall, wenn man die ersten Eindrücke von „The Appeal“ von Orly Noa Rabinyan hört, einem Stück, das sich noch in der Entstehungsphase befindet und von dem man im Neimënster das Ergebnis von drei Wochen Residenz und Proben sehen konnte. Im Jahr 1936, als der Staat Israel noch nicht existierte und die Juden, die dazu in der Lage waren, aus dem von den Nazis beherrschten Europa flohen, inszenierte das Habima-Theater in Tel Aviv „Der Kaufmann von Venedig“, in dem Shylock, die Hauptfigur, ein reicher jüdischer Geldverleiher, in sich den gesamten Antisemitismus vereint, mit dem Shakespeares Werk oft überhäuft wird (eine der Zutaten des Zaubertranks, den die drei Hexen in „Macbeth“ zusammenbrauen, ist die „Leber eines gotteslästernden Juden“). Schon vor der Premiere des Stücks war der Aufschrei groß, und damit die Angelegenheit diskutiert statt unter den Teppich gekehrt würde, organisierten das Ensemble und der Regisseur Leopold Jessner, der selbst im Exil lebte, um dem antisemitischen Wahn seiner deutschen Mitbürger zu entkommen, organisierten ein fiktives Tribunal, um über die Legitimität der Aufführung dieses Stücks zu entscheiden und stellten damit sowohl die Ontologie als auch die Ethik des Theaters in Frage. Auf der Anklagebank saßen die Theatergruppe, Jessner und Shakespeare selbst: Hatte der berühmte Barde, aller Wahrscheinlichkeit nach ein Nichtjude, das Recht, eine jüdische Figur mit derart wenig schmeichelhaften Zügen zu erschaffen, obwohl es zu seinen Lebzeiten in England kaum eine jüdische Bevölkerung gab?
Solche Fragen finden heute natürlich starken Widerhall, da sich die ethischen Grenzen, die der künstlerischen Freiheit auferlegt werden, neu definieren, während das aktuelle Geschehen die Straffreiheit der Kunst in Frage stellt: Auch wenn der Künstler nicht mit der Person gleichzusetzen ist: Darf man dann noch Musik verbreiten, die von einem Pädophilen (Michael Jackson) oder einem Mörder (Bertrand Cantat) komponiert und interpretiert wurde? Hat man das Recht, „Free Palestine“ zu brüllen, zwischen zwei Stücken eines Punkkonzerts und fast schon obsessiv, wie es die Idles während ihres Konzerts in der Rockhal taten, wobei sie die Komplexität eines Konflikts hinter einem spöttischen Slogan außer Acht lassen? Darf man die kulturellen Produktionen eines Landes im Krieg boykottieren, obwohl Künstler oft die Einzigen sind, die es wagen, von innen heraus die Ungerechtigkeiten aufzuzeigen, die die Politik dieses Landes seinen Bürgern zufügt? Und warum Israel und Russland verbannen, aber nicht die Vereinigten Staaten?
Diese wenig bekannte Begebenheit bildet die Grundlage von „The Appeal“. Das Stück verfolgt zwei Ziele: In einer Zeit, in der der Staat Israel in endlosen Konflikten versinkt und antisemitischen Hass schürt, erinnert es an die Ursprünge dieses Staates. Indem „The Appeal“ den weltpolitischen Kontext zur Zeit des Prozesses beleuchtet, thematisiert es die Notwendigkeit für das jüdische Volk, nach den Schrecken des Holocaust ein eigenes Land zu finden, und erinnert an die britische Verantwortung für den endlosen, kriegstreiberischen Konflikt zwischen Israel und Palästina. Darüber hinaus wirft das Stück erneut die Frage nach der Ethik des Theaters auf, die im Trubel der Inszenierungen und unter dem Diktat der Unterhaltungsgesellschaft allzu oft aus den Augen verloren wird.
Letzteres steht im Mittelpunkt der szenischen Gestaltung von „The Appeal“, das uns eine Situation wie in einer Fernsehshow vor Augen führt, an der die Zuschauer zur Teilnahme eingeladen sind: Wie bei einem Poetry Slam entscheidet der Beifall der Mehrheit darüber, wer in die nächste Runde kommt, wobei die sechs Schauspieler jeweils sechs Minuten Zeit haben, um eine der Fragen zu beantworten, die – indem sie die Debatten von einst auf die komplexe Aktualität des Jahres 2026 übertragen – die großen Fragen darüber aufwerfen, was Theater und Kunst angesichts einer in Gewalt versunkenen Welt leisten können: In einer ersten Runde erteilt die Moderatorin – eine Fernsehstimme, die von einer KI generiert zu sein scheint – Rahel Jankowski und Konstantin Rommelfangen das Wort und fragt sie, ob es einem Künstler erlaubt sein sollte, alles zu sagen. Da die beiden Plädoyers gegensätzlicher nicht sein könnten, erinnert Rommelfangen an eine Diskussion über die Verwendung des N-Wortes und fragt sich, wie man den Titel eines Liedes aussprechen soll, wenn dieser das berühmte N-Wort enthält. Jankowski spricht die konkreten Spuren eines verinnerlichten strukturellen Rassismus in einem Theatermilieu an, das sich selbst als so tolerant und vielfältig bezeichnet, während sie selbst noch nie so gecastet wurde, wie sie ist. In der zweiten Runde sind Clara Hertz und Yazan Doubal an der Reihe, die Fähigkeit Europas zu beurteilen, in Konflikte im Nahen Osten einzugreifen.
Das Konzept erinnert an die „Agóns“, jene Wortgefechte, denen sich die großen Rhetoriker widmeten und die die Formalisten und Strukturalisten im Goldenen Zeitalter der französischen Philosophie in ihren Bann zogen – Laurent Binet würdigt sie in einem Kapitel seines großartigen Romans „Die siebte Funktion der Sprache“ auf schöne Weise. Es ist auch und vor allem eine Gelegenheit für die Schauspielerinnen und Schauspieler, ihren Werdegang zu schildern, von der kulturellen Unsichtbarmachung zu berichten, die sie erlitten haben, den antisemitischen Hass, den sie tagtäglich erleben, das mangelnde Mitgefühl nach den Anschlägen vom 7. Oktober, die Angst, von Europa im Stich gelassen zu werden und mitanzusehen, wie Milizen und Terroristen die Kontrolle über ein Land zurückerobern. Es ist die Gelegenheit, während dieser Monologe, die Orly Noa Rabinyan auf der Grundlage von Interviews mit den Schauspielern verfasst hat, um in dieses politische Kaleidoskop Elemente ihrer persönlichen Lebenswege einzubinden, zu zeigen, dass sich die die europäische Intelligenz sich in schönen theoretischen Reden über Länder ergeht, in denen sie nie gelebt hat, und dabei versäumt, jene Dimension zu berücksichtigen, die nur das Theater und die erzählerische Fiktion den politischen Monologen hinzufügen können: nämlich die gelebte und nachgespielte Erfahrung.
Aufgrund seines Zwischenstatus – es handelt sich um eine Vorabaufführung dieser noch in Arbeit befindlichen Adaption einer 2022 in Tel Aviv uraufgeführten Inszenierung – weist das Stück noch einige Ungenauigkeiten in der Inszenierung auf. Die Übergänge zwischen dem Gerichtssaal von 1936 und der Bühne von 2026 sind noch etwas zu deutlich sichtbar, und der sicherlich beabsichtigte Kontrast zwischen der Heiterkeit der Zeremonienmeisterin und der Ernsthaftigkeit des Themas wird auf Dauer etwas ermüdend. „The Appeal“ ist aufgrund der Fragen, die es aufwirft, die Kohärenz eines Konzepts, das geschickt zwischen Theater und Gerichtssaal, Vergangenheit und Gegenwart oszilliert, sowie das Spiel der Schauspieler, die ihre eigenen Lebenserfahrungen einbringen, ein äußerst vielversprechendes Projekt, bei dem man sich wünscht, dass die wenigen inszenatorischen Ungeschicklichkeiten in der endgültigen Fassung beseitigt werden.
