Neuanfang

„Wing Hearts“ misst 180 x 220 cm. Das große Gemälde, das schon von weitem durch die Scheibe der Galerie Nosbaum Reding zu sehen ist, zieht die Blicke auf sich, so wie Blumen die Schmetterlinge anziehen. Dies ist das Thema der Einzelausstellung, die der jungen Künstlerin Melanie Loureiro gewidmet ist, deren großformatige Werke – für ein Erstwerk geradezu gewagt – ihr einen Platz in den Räumlichkeiten sichern, die üblicherweise etablierten Künstlern vorbehalten sind.

Der Schmetterling auf dem Gemälde „Wing Hearts“ ist ein Symbol für das von Melanie Loureiro gewählte Thema. Er breitet seine Flügel vor einem Hintergrund aus pastellfarbenen Blumen aus. Er ist nachtblau. Dieser Farbton veranschaulicht die „blaue Stunde“ bei Einbruch der Dämmerung, in der bestimmte Blumen „ein Duftmolekül in einem Kubikmeter Luft“ verströmen, französische Übersetzung von „One Molecule of Scent in a Cubic Yard of Air“, dem englischen Titel der Ausstellung.

Die Künstlerin wurde 1994 in Köln geboren, studierte von 2014 bis 2017 an der Hochschule der bildenden Künste in Dresden und anschließend von 2018 bis 2022 an der Kunstakademie in Düsseldorf. Beim Rundgang durch die Ausstellung lässt sich die außergewöhnliche Ausbildung in Malerei an der Düsseldorfer Schule nicht übersehen. Doch die ganze Mehrdeutigkeit der Bedeutung von Melanie Loureiros Werk beruht auf der figurativen, hyperrealistischen Darstellung, die sogar ein Naturphänomen nachahmt: den Lebenszyklus des Schmetterlings, von der Puppe über die Raupe bis hin zum Tag- oder Nachtfalter, angezogen vom Duft der Tag- und Nachtblumen, von deren Nektar sie sich ernähren und die sie bestäuben.

Obwohl Melanie Loureiro sich auf ein Naturphänomen beruft – was übrigens nicht darüber hinwegtäuschen kann, dass Schmetterlinge vom Aussterben bedroht sind und nicht bestäubte Blumen vom Aussterben bedroht sind –, handelt es sich um eine Täuschung und um reine XXL-Malerei, und zwar in einem solchen Ausmaß, dass man die Setae – so die wissenschaftliche Bezeichnung für die Haare an Kopf und Brust – sowie die pigmentierten Schuppen der Flügel erkennen kann. Diese atemberaubende Präzision wechselt sich mit unscharfen Bildbereichen ab (oft der Hintergrund der Blumen, mit Ausnahme des Blütenkelchs), sodass man glaubt, Collagen zu sehen. Das ist ebenso künstlich wie die Atmosphäre, in der der Raum badet: Teppichboden und Wände, die mit rosa Farbverläufen bedeckt sind.

Im Projects Room eröffnet sich eine ganz andere Welt als die von Max Coulon. Max Coulon wurde 1994 in Straßburg geboren und lebt in Aubervilliers. Er schloss sein Studium an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) im Jahr 2021 ab. Seine Abschlussarbeit, bei der es sich um geschnitzte Holzfiguren handelt, wurde mit einem Preis ausgezeichnet. Seine Arbeit lässt sich mit der von Stephan Balkenhol vergleichen, dem Lieblingskünstler der Galerie Nosbaum Reding, bei dem er als Assistent tätig war.

Doch schon bald wandte sich Max Coulon davon ab, und zwei Figuren aus Beton wurden diesen Sommer Teil des Wanderwegs „Vent des Forêts“ im Departement Meuse. Diese beiden Totems sind ebenso wie die Werke der aktuellen Ausstellung „Snoozed“ (Eingeschlafen) aus Beton gefertigt – einem Material, das derzeit bei Künstlern wie dem Dänen Esben Klemann, den man kürzlich auf der Art Week sehen konnte, großen Anklang zu finden scheint. Doch während dieser sich abstrakt mit den plastischen Grenzen des Materials auseinandersetzt, steht Max Coulon dem Schweizer Ugo Rondino näher, der im Ausstellungstext erwähnt wird. Die „Seven Magic Mountains“ (2016–2018, Nevada, USA) sind in der Tat aus mehreren Teilen zusammengesetzte Stelen, die mit dem Gleichgewicht der übereinanderliegenden, nicht miteinander verbundenen Elemente spielen. Für Max Coulon besteht die Aufgabe ebenfalls darin, die einzelnen, aber voneinander getrennten Bestandteile des Werks – Kopf, Kragen, Rumpf – im Gleichgewicht zu halten.

Aber muss man immer nach einem Bezug oder einer Verbindung suchen? Wir ziehen es auch vor, zu sagen, dass seine Werke Tiere sind, die Geschichten erzählen, anstatt von „Anti-Gartenzwergen“ zu sprechen. Auch wenn Coulons Technik auf der Verwendung von Kinderkleidung und ausgehöhlten Plüschtieren basiert, scheint uns der Zusammenhang in der durchschnittlichen Größe der Werke von 50 bis 75 cm zu liegen. Coulon verleiht ihnen Form und Leben, indem er Beton in die Hüllen aus Stoff oder Filz gießt und diese formt. Diese so imprägnierte „Haut“ offenbart einen außergewöhnlichen Bildhauer, etwa in der Faltenbildung eines Stiefels von „Automn Mouse“, dem prallen Bauch des Vogels „TSEFREP“ oder den Rundungen des Schafs „Animal (blue)“.

Hinzu kommt, dass Coulons Werke keinerlei sexuelle Konnotationen aufweisen. Das Material ist zwar durchgefärbt in Pastelltönen, die an Spielzeug erinnern, doch die Figuren aus „Snoozed“ sind keine niedlichen, beruhigenden Puppen: Sie tragen Karnevalsmasken (Ziegenbock, Bulldogge, Vogel, Wolf), hinter denen man traditionell die Persönlichkeit wechselt, sich gehen lässt und Angst einflößen kann.

Während manche Sockel die Form von Schuhen und Hausschuhen haben, begrüßen wir – wie schon beim Denkmal „The Equestrian“, „Mother with Child“ und „Old Man“ von Atelier Van Lieshout – Place de Metz (siehe „d’Land“ vom 10.11.2023) die Rückkehr der Skulptur auf einem Sockel. Bei Max Coulon begrüßen wir dessen innovativen Einsatz, der nicht dazu dient, das aufgestellte Werk hervorzuheben, sondern als integraler Bestandteil des Gesamtens wirkt. Hier beispielsweise bei der Bulldogge, die auf einer kleinen Mauer balanciert („Strange Effect on Me“), oder dem Bären, der am Fuße der Stele „Rock Bottom“ sitzt. Das ist einleuchtend und witzig.