Gegenwart und Zukunft der digitalen Kunst

Was gibt es Besseres als einen Abstecher in ein Einkaufszentrum, um den alltäglichen, gehetzten Gang der Passanten zu unterbrechen? Walter Benjamin hätte diesen Standort in einem Einkaufszentrum zweifellos geschätzt, der sich als besonders geeignet erweist, um die Bevölkerung für die technologischen und wissenschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit zu sensibilisieren. Genau darin besteht die Hauptaufgabe der von François Poos und Vincent Crapon geleiteten Plattform Elektron: die undurchsichtigen Abläufe im digitalen Bereich verständlich zu machen und dabei den – so oft unterschätzten – Platz des Menschen inmitten dieser umfassenden Neugestaltung des Sinnlichen zu hinterfragen. „Hybrid Futures: Rhyzomes, Meschworks and Alter-Ecologies“ – so lautet der Titel der Ausstellung, der die Rahmenbedingungen für dieses facettenreiche Programm vorgibt.

Neu in dieser Ausgabe: Elektron verfügt mitten im Centre Mercure über ein eigenes Hauptquartier. Ein großes Schaufenster mit dem Logo des Unternehmens, das ganz offen dessen Bestreben zum Ausdruck bringt, für sein unmittelbares Umfeld zugänglich zu sein und die Barriere zur digitalen Kunst abzubauen. Ein solcher Ort erfordert jedoch – neben der Auswahl der Werke – einen erheblichen didaktischen Aufwand, eine Aufgabe, der sich Nicolas Kohn widmet, ein engagierter Kunstvermittler, der jeden Samstag Führungen durch die Ausstellung anbietet. Hinzu kommt der Beitrag des begleitenden Programms, wie beispielsweise die Veranstaltung im Odendahl-Park, bei der sich das Kollektiv Crosslucid und die beiden Kuratoren von Elektron über die Verbindungen zwischen Science-Fiction und alternativen Formen der Intelligenz austauschten.

Nicht ohne eine gewisse verführerische Absicht bietet dieser zentrale Ausstellungsort Raum für die bei der jungen Generation am stärksten verankerten Praktiken. So auch bei diesem ersten Werk mit dem Titel „The Alluvials“ (2024), einem von Alice Bucknell konzipierten Videospiel, das das Lebendige in all seinen Formen erforscht. Auch wenn die Benutzeroberfläche, gelinde gesagt, konventionell ist (Bildschirm, Joystick und Kopfhörer), erneuert die kalifornische Künstlerin den Ansatz des Spiels, indem sie jegliche narrative Dimension ausschließt. Es gibt nichts zu gewinnen, auch keine Spannung, kein Ziel, das es zu erreichen gilt … Alles liegt hier im Weg selbst und in den unterschiedlichen Wahrnehmungsweisen, die man einnehmen kann. Der Mensch selbst ist verschwunden, um Platz zu machen für die Weite einer trostlosen Landschaft, die im Begriff ist, vor unseren Augen zu verschwinden. Aus der Ich-Perspektive streift der Spieler so durch das Naturschauspiel und betrachtet aus nächster Nähe den Waldbrand, der diesen Winter Kalifornien verwüstet hat – ein Symptom des Klimawandels. Im Gegensatz zu gängigen Produktionen werden hier die natürlichen Elemente so stark in den Vordergrund gerückt, dass sie sowohl das Material als auch das Thema des Spiels bilden. Diese Fokussierung reiht sich ein in die theoretischen Überlegungen zur „Ökologie der Spiele“, einem von Bucknell initiierten Forschungsgebiet, das untersucht, wie natürliche Umgebungen in den Videospielmedien dargestellt werden. Dieses erste Level von „The Alluvials“ ist zudem eine kaum verhüllte Hommage an David Lynch, da es den Titel eines seiner Filme übernimmt („Fire Walks with Me“, der als Pilotfolge für „Twin Peaks“ diente). Im Gegenzug offenbart dies die ökologische Dimension im Werk des großen Filmemachers, in dem Agent Dale Cooper sich alles zunutze macht, was ihn umgibt, um seine Ermittlungen erfolgreich abzuschließen. Nach der von Flammen verwüsteten Vegetation folgt im zweiten Level die Perspektive der Tiere. Hier ist der zum Wolf gewordene Spieler, der in Abwesenheit von Menschen frei ist, ruhig durch die Wüstenebenen oder die Überreste einer verlassenen Megastadt zu streifen. Das dritte Level entführt uns an Bord eines Bootes auf dem Fluss Los Angeles. Um voranzukommen, muss man ständig den Trümmern ausweichen, die Naturkatastrophen hinterlassen haben. Schließlich entführt uns die letzte Ebene in ein Ballett der Yucca-Nachtfalter – ein Anblick, der voller Wunder wäre, ginge es nicht um eine vom Aussterben bedrohte Art. In vier unterschiedlichen Levels zeichnet „The Alluvials“ ein ökologisches Porträt von Los Angeles, einer Filmstadt, die von Naturkatastrophen heimgesucht wird.

Im Obergeschoss werden zwei Werke nebeneinander gestellt und in einen Dialog gebracht: die pflanzenbasierte Installation von Miguel Ângelo Marques und „Vaster than Empires“ (2023), ein Video des 2018 gegründeten Künstlerduos Crosslucid. Im Gegensatz zu „The Alluvials“ scheut „Vaster than Empires“ nicht davor zurück, die Möglichkeiten der Fiktion auszuschöpfen. Die beiden Künstler ließen sich von den Visionen von Ursula K. Le Guin inspirieren, einer Autorin, die für ihre genreübergreifenden Fantasy-Werke bekannt ist (zum Beispiel der „Erdsee“-Zyklus). Mit seinen fließenden und organischen Formen, die typisch für eine mit KI erstellte Produktion sind, regt „Vaster than Empires“ zu einer metaphysischen und kosmologischen Betrachtung an, in der das Winzige auf das Unendliche trifft. Ausgehend von Zitaten aus den Werken der Schriftstellerin wurden zwei KI-Modelle benötigt, um die visuelle Dimension dieses Werks zu erzeugen: ein Large Language Model (LLM) und ein Generative Adversarial Network (GAN). „Vaster than Empires“ steht im besonderen Fokus der luxemburgischen Behörden, wie uns Vincent Crapon mitteilt: „In Luxemburg gibt es relativ wenig Wissen über die Konservierung digitaler Werke. Das Nationale Zentrum für Audiovisuelle Medien und das Kulturministerium möchten eine Studie zur Konservierung genau dieses Werks durchführen. Die Idee ist, mit Experten großer Institutionen wie der Tate Modern in London zusammenzuarbeiten, die gemeinsam mit den Konservatoren des CNA diese Konservierung untersuchen würden, um dieses Fachwissen auf die Werke luxemburgischer Künstler zu übertragen.“ Neben „Vaster than Empires“ befindet sich eine Klanginstallation ganz anderer Art von Miguel Ângelo Marques. Die poetische Idee ermöglicht es dem Publikum, seine Umgebung bewusst wahrzunehmen, da es darum geht, den zarten Klängen zu lauschen, die von in der Region gesammelten Pflanzen ausgehen. Das Werk dient als Anlass, gemeinsam mit dem Jugendamt der Stadt die Parks zu erkunden – im Rahmen eines ökologischen Hörworkshops, der vom portugiesischen Künstler mit Hilfe eines Mikrofons geleitet wird.

Im Untergeschoss des Elektron-Hauptquartiers beleuchten zwei Filme mit ausgesprochen raffinierten Formen die Phänomene der Mutation und Hybridisierung zwischen Lebewesen. Der eine, mit dem Titel „Geomancy“ (2024) – in Anlehnung an diese alte Kunst der Wahrsagung – eine unbestimmte Zukunft aus kritischer Perspektive, bevölkert von augmentierten Kreaturen, um die gegenseitige Abhängigkeit zwischen Mensch, Nicht-Mensch, Technik und dem Planeten (und sogar darüber hinaus) hervorzuheben. Durch Formen der Antizipation oder Vorhersage der Zukunft „verleiht die Künstlerin Sybil Montet unserer Beziehung zu den Technologien eine spirituelle Dimension, um einen Ort der Einzigartigkeit zu erschließen, an dem technologische Herausforderungen auf die Herausforderungen des Planeten treffen“, erklärt Vincent Crapon. Das zweite Werk, „Abiogenesis“ (2025) von Joey Holder, spielt in einer aquatischen Welt, in der der Mensch nicht mehr existiert. Hybride Formen entstehen auf neuartige Weise, wie beispielsweise die unsterbliche Qualle oder der vulkanische Schwamm. Durch die Verflechtung von Biologie und künstlicher Intelligenz bietet „Abiogenesis“ eine Neuinterpretation des Lebendigen als einen Raum im ständigen Wandel.

Lasst uns endlich wieder den öffentlichen Raum für uns entdecken – mit der Doppelausstellung, die in der Einkaufspassage und auf dem Am-Boltgen-Platz stattfindet. Die erste, „New Farmer“ (2023) von Bruce Eesly, greift die amerikanische Propaganda auf, die in den 1960er Jahren die Vorzüge einer grünen Revolution pries. Der Künstler zeigt Bilder, die zu perfekt sind, um ehrlich und wahrhaftig zu sein: Sie wurden alle mithilfe von KI erstellt. Der Standort dieser Ausstellung in einer Einkaufspassage erweist sich als treffend. Wie François Poos, künstlerische Leiterin und Co-Kuratorin dieser Ausgabe, betont: „Die Installation in der Passage des Centre Mercure hinterfragt direkt unser heutiges Verhältnis zum Lebensmittelkonsum und zur Bildproduktion. Wenn das Gemüse unmöglich riesig wird, wird uns bewusst, dass wir sowohl auf unsere propagandistische Vergangenheit als auch auf unsere von künstlichen Bildern übersättigte Gegenwart blicken.“ Die Installation von Tamiko Thiel und /p, „Waldwandel/Forest Flux“ (2023), hingegen zeigt das bevorstehende Wiederaufforstungsprojekt, da die derzeit im öffentlichen Raum gepflanzten Bäume angesichts des Klimawandels ungeeignet sind. Ein forschungsbasierter künstlerischer Ansatz, der zweifellos bei den Stadtverantwortlichen von Esch-sur-Alzette konkrete Anwendung finden wird.