Die Reuter Bausch Art Gallery, die ihn vertritt, hatte die Idee, den Künstler Julien Hübsch (Esch-sur-Alzette, 1995) zu bitten, für die Ausstellung mit dem Titel „Forever after“ Künstler aus derselben aufstrebenden Generation wie er auszuwählen.
„Es wird immer eine Zukunft für das Vorwärts geben“ – dieser Titel könnte nicht treffender sein, wenn es um Julien Hübsch und seine Restmaterialien geht, die er aus dem städtischen Raum entnimmt und sowohl zu Gemälden als auch zu Skulpturen oder Installationen zusammenfügt. Daher stammt auch der Titel des vorliegenden Artikels „Erweiterte Malerei“, die Bezeichnung seines Studiengangs im letzten Studienjahr an der HGB in Leipzig.
Die Wiederverwertung von Graffiti-Spuren im öffentlichen Raum, aber auch von Beschädigungen und Vandalismus – Ausdruck der zeitgenössischen Revolte gegen den Konsumismus – machen Julien Hübsch und seine künstlerischen Umgestaltungen zu einem Syntheseur unserer Zeit. Daher rührt die Begeisterung für seine Kreationen, die wie archäologische Funde durch den Schaffensakt zu neuem Leben erweckt werden. Man sei daran erinnert, dass er das CAL in diesem Jahr mit dem Gewinn des Prix Grand-Duc Adolphe überzeugt hat, den er im Februar in der Galerie Dominique Lang in Dudelange ausstellen wird, gerade erst von einem Forschungsaufenthalt in der Cité des Arts in Paris zurückgekehrt ist, bevor er zu einem weiteren Aufenthalt an der Darling Foundation in Montreal aufbricht.
Man könnte meinen, das sei viel, vielleicht sogar verfrüht angesichts des bisherigen Verlaufs seiner Karriere, doch die Wahl von Julien Hübsch für Kolja Kärtner Sainz, geboren 1998 in Leipzig, wo er noch immer an derAkademie der Bildenden Künste studiert und arbeitet, sowie von Minh Phuong Nguyen, geboren 1999 in Deutschland als Tochter vietnamesischer Einwanderer, ist ein Beispiel für die Ausdrucksmittel des Nachwuchskünstlers (in diesem Fall aus der deutschen Kunstszene). Zugegebenermaßen ist es eine Herausforderung, einen gemeinsamen Sinn mit dem Werk von Hübsch zu erkennen: Die Ausdrucksformen von Kolja Kärtner Sainz und Minh Phuong Nguyen sind sehr weit von seinem Ansatz entfernt, ja sogar voneinander.
Man sollte also im Hinterkopf behalten, dass „Forever after“ das gemeinsame Schlüsselwort dieser drei Denkansätze ist. Die Ausstellung beginnt mit zwei aktuellen Arbeiten von Julien Hübsch, die im Vergleich zu seinen früheren Assemblagen aus vielfältigen Materialien stark vereinfacht sind. („Untitled combination_1“ und „_2“). Es handelt sich um zwei Kombinationen aus fünf bzw. neun Baustellenplanen, die vom Industriegelände des künftigen Wohnviertels Metzerschmelz stammen. Grobes Gewebe, lackierter blauer Kunststoff, zerknittertes Schwarz oder Weiß. Der bildliche Ausdruck des Gesehenen entsteht durch die Zusammenstellung der Materialien und die nebeneinander angeordneten Farbtöne sowie durch die Montage auf einem Rahmen. Es wirkt wie eine gebrauchsfertige Farbpalette, doch das Material selbst prägt das Werk mit seinen Brüchen, wie etwa diesem schmalen orangefarbenen oder dem entenblauen Streifen.
„Blech“, ein durch die Spannung eines quer verlaufenden Holzstabs gebogenes Blech, wird durch das Einfügen in einen Rahmen zum Gemälde. Hübsch hat dieses Werk noch nie gezeigt, da er noch keinen passenden Kontext dafür gefunden hatte. „Blech“ stammt aus dem Jahr 2020 und funktioniert perfekt als Diptychon; der Dialog ist untrennbar mit der räumlichen Ausdehnung von „Beak #1“ von Kolja Kärtner Sainz verbunden: ein schwarzes Quadrat, das sich auflöst, silberne Reflexe und ein gelber Hintergrund.
Der Augenblick. Das ist das Thema der Gemälde von Sainz. Die Auseinandersetzung mit der Verzerrung von Raum und Zeit wird durch „Fast Forward #2“ perfekt veranschaulicht. Der Arbeit mit Öl und Tinte auf Leinwand geht kein vorheriger Schritt voraus. Sainz kehrt zu einer direkten bildnerischen Erforschung des Augenblicks zurück, in dem der geometrische Raum durch die Raumzeit aufgelöst wird. Das Zeichen µ, das am unteren Rand von „Soft Pocket“ zu finden ist oder den gesamten Raum von „untitled (extended)“ durchzieht, liefert die wörtliche Interpretation dafür.
Anhand der Titel lässt sich versuchen, die Mehrdeutigkeit zwischen den beiden Kulturen von Minh Phuong Nguyen zu verstehen: „Pay to play“, „good game“, „one day we will be rich“ haben die grüne Farbe eines Spieltisch-Tuchs und stehen für traditionelle Rituale der vietnamesischen Familie von Minh Phuong Nguyen. Geld zu verbrennen, um reich zu werden, ist an sich schon ein Widerspruch. Vor dem Diptychon mit der Chrysantheme – Symbol für Schönheit und Glück, das hier gerade verwelkt – überkommt einen ein noch beunruhigenderes Gefühl: „everything and nothing at all“… Muss sich Minh Phuong Nguyen von einer Vergangenheit lösen, indem sie für die Zukunft zu einer anderen Darstellungsweise übergeht? Der Hinweis ist bei „Burning It“ fast schon zu offensichtlich. Ein Feuer, das alles umgibt – glaubten wir, die Umrisse der Republik Vietnam zu erahnen, als würde sie von einer Dornenkrone auf fleischfarbenem Hintergrund durchzogen. Die Interpretation steht im Widerspruch zu dem, was die Zukunft sein wird.
