Über Bizet fand Nietzsche kein Ende an Lob und bezeichnete seine Musik als „ leicht, geschmeidig, kultiviert, eine Musik, die nicht ins Schwitzen gerät, eine raffinierte, fatalistische und gerade deshalb volkstümliche Musik “. Mehr als ein Jahrhundert später hat die Geschichte dieses Urteil bestätigt, so sehr, dass „Carmen“, das zeitlose Meisterwerk des französischen Komponisten, heute die weltweit am häufigsten aufgeführte Oper ist. Es bedurfte des ganzen Gespürs des großen Denkers, um einem Werk, das anfangs so überaus subversiv war, eine derart glänzende Zukunft vorauszusagen. Denn indem Bizet das düstere Schicksal zweier verlorener Seelen im launischen Spiel ihrer entfesselten Leidenschaften schilderte, stellte er die Welt der Oper auf den Kopf. Wurde er nicht tatsächlich der Unmoral und Vulgarität bezichtigt, weil er aus einem Mädchen von leichtem Lebenswandel – einer Außenseiterin, einer Gesetzlosen, einer Wankelmütigen mit in jeder Hinsicht skandalösen Sitten – eine tragische Heldin gemacht hatte?
Die Inszenierung des Festivals von Aix-en-Provence, die am vergangenen Sonntag im Grand Théâtre aufgeführt wurde, versteht sich als Rückkehr zu den Wurzeln. Originalfassung in französischer Sprache, mit den für die Opéra-comique charakteristischen gesprochenen Dialogen (anstelle der gesungenen Rezitative von Guiraud), alles auf der Grundlage der 1992 erschienenen kritischen Ausgabe von Didion und Heinzelmann: all dies sind Pluspunkte, die darauf abzielen, das Stadium der abgedroschensten musikwissenschaftlichen Tradition hinter sich zu lassen. Bizets Oper, die in die dunkelsten Abgründe der menschlichen Seele eintaucht, profitiert hier von der musikalischen Expertise von José Miguel Pérez-Sierra, der seine „Carmen“ wie seine Westentasche kennt. Auf magische Weise entfaltet er die Wunder der Musik, betont bereits im Vorspiel die Kontraste zwischen dem Legato der Streicher und dem Staccato der Blechbläser hervorhebt und das strahlende und pulsierende Philharmonische Orchester von Luxemburg, bei dem alle Stimmgruppen hellwach sind, bis an seine Grenzen treibt. Wie eine Spinne, die ihr Netz webt, verfeinert sein meisterhafter Taktstock mit Unterstützung des Ensembles Aedes die Windungen der Handlung dieses leidenschaftlichen Dramas um die beiden Hauptfiguren Carmen und Don José, wobei der Wert der Oper vor allem in der Konfrontation dieser beiden Figuren liegt. Was die Kinder- und Jugendchöre von La Monnaie betrifft, deren Gesang nicht weniger durchdringend ist, so strahlen sie eine gewisse Anziehungskraft aus. Und mit feurigem Temperament verleiht der Dirigent dem Ensemble eine Vitalität und Jugendlichkeit, die genau dem Geist dieses Meisterwerks der zeitlosen Musik entsprechen.
Dank eines Ensembles aus sorgfältig ausgewählten Stimmen, die zudem so wandlungsfähig sind, dass sie sich sowohl im Schrei als auch im Flüstern oft unerhörten Anforderungen anpassen können, ist die Besetzung so ausgewogen, dass selbst die Nebenrollen keineswegs zu kurz kommen. Als einzigartige und faszinierende Verkörperung einer Leidenschaft an der Grenze zum Wahnsinn verkörpert Ève-Maud Hubeaux in der Titelrolle eine überzeugende und verführerische Carmen: stimmlich durch eine Stimme, deren Klang ebenso raffiniert und nuanciert wie warm und leidenschaftlich ist; dramatisch durch die Kunst, ihre Rolle intensiv zu leben, jedoch ohne wahnvolle Ausbrüche von Hysterie. Körperlichkeit, Geschmeidigkeit, eine angeborene Sensibilität und ein von Natur aus treffsicherer Stil zeichnen den Don José aus, den der Tenor Michael Fabiano verkörpert. Ein abgrundtiefes und durchdringendes Timbre besitzt sein Liebesrivale, der Stierkämpfer Escamillo, alias Jean Sébastien Bou. Schließlich gebührt der Preis wohl der Sopranistin Anne-Catherine Gillet, die eine Micaëla verkörpert, die nicht nur glaubwürdig, sondern auch überaus passend ist und deren Stimme durch die samtige Reinheit ihres Timbre und ihre leuchtenden Höhen von exquisiter Schönheit bewegt.
Insgesamt und letztendlich – musikalisch gesehen – ein sehr schöner Abend in Begleitung einer Carmen, der es nicht an Tiefe und Durchsetzungskraft mangelt. Wäre da nicht die Inszenierung – oder besser gesagt: die Verunstaltung – durch den sogenannten „Visionär“ Dmitri Tscherniakov! Vision? Vielleicht, aber ganz sicher eine groteske Vision, die der Kritik Tür und Tor öffnet, da der „Zurückgetretene“ auf der Bühne so offensichtlich die Show an sich reißt. Angetrieben von dem zweifellos lobenswerten Bestreben, das lyrische Meisterwerk vom Ballast der Tradition zu befreien, aber gleichzeitig seinem skandalträchtigen Ruf als Bilderstürmer treu bleibend, hat der Russe ein böses Vergnügen daran, Klischees munter über den Haufen zu werfen – dank eines äußerst gewagten Ansatzes und eines holprigen theatralischen Könnens, das unweigerlich Kontroversen auslöst und zumindest skeptisch stimmt. Denn der Mann wagt alles, schreckt vor nichts zurück und geht sogar so weit, eine Geschichte zu erzählen, die gewissermaßen „parallel“ zu der des Librettos von Meilhac und Halévy verläuft.
Kein Sevilla, keine Sonne, keine Berge, keine Kasernen, keine Tabakfabrik, keine Stierkämpfer in ihren leuchtenden Kostümen, keine Zigarren rauchenden Zigeunerinnen, keine gerissenen Schmuggler, auch kein blutrotes Rot der Liebe, das mit dem Schwarz des Todes wetteifert, sondern sparsame Beleuchtung (außer im Schlussbild, wo sie den grellen Kontrast zwischen der festlichen Stimmung des Stierkampfs und dem lauernden Tod unterstreicht; nur die Musik ist letztendlich von Anfang bis Ende von Licht durchflutet, ein ganz und gar mediterranes Licht, dem der iberische Zeremonienmeister mit Bravour die ganze lebendige und belebende Transparenz zu verleihen versteht, dank schwungvoller, um nicht zu sagen rasender Tempi und obendrein mit einem echten Gespür für das unerbittliche Drama), sondern eine angeblich „therapeutische“ Carmen, die in vielerlei Hinsicht höchst fragwürdig ist und, was noch schlimmer ist, in einem einzigen, billigen, tristen, um nicht zu sagen langweiligen Bühnenbild inszeniert wird.
So haben wir, anstatt die ursprüngliche und traditionelle „Carmen“ zu erleben, eine Aufführung „rund um Carmen“ gesehen, die zwar originell sein wollte, letztendlich aber nur ein „irgendwas“ ist, das zu Unrecht den Anspruch erhebt, ein Beispiel für „Wiederentdeckung“ und „Neubelebung“ zu sein, ein bitterer Scherz, eine fade Maskerade, bei der der Zuschauer an Fassungslosigkeit gewinnt, was er an Emotionen verliert. Wenn Tcherniakov die Abgestumpftesten überraschen will, ist sein zweifelhaftes Unterfangen der „ Dekonstruktion “ (die Idee liegt gerade voll im Trend !) gelungen. Aber grundlos zu schockieren, mit dem einzigen erklärten Ziel, zu schockieren, zu provozieren um der Provokation willen, ist – so scheint es uns – eine etwas kurzsichtige Vision, wie das mehr als fragwürdige Ergebnis beweist, das letztlich zu einer anachronistischen Inszenierung führt, bei der das, was man auf der Bühne sieht, in völligem Widerspruch zu Text und Musik steht. Und die Brecht’schen Verfremdungseffekte in Hülle und Fülle („Die Polizisten sind keine Polizisten, sondern Schauspieler“, glaubt einer der Protagonisten präzisieren zu müssen) stellen in diesem Fall einen erschwerenden Umstand dar.
Kann man sich überhaupt vorstellen, dass ein Maler die „Mona Lisa“ „neu gestaltet“? „Wahre Bewunderung“, so Ernest Renan, „ist historisch“. Wer Ohren hat, der höre…
