Zwei (Un-)Schritte

Von Suzan Noesen ist uns der wunderbare Dialog mit ihrer Großmutter in Erinnerung geblieben, „Livre d’Heures“ (2019), in dem sie das Leben mit ihrer Großmutter im Laufe der vier Jahreszeiten eines Jahres filmte – die Wahrnehmung des Alltags in dem Haus, in dem sie zusammenleben, das Vergehen der Zeit und die jeweiligen Blicke, die sie einander zuwerfen.

Suzan Noesen war auch die Beobachterin – schließlich ist sie die Regisseurin – und in „How to cut an apple?“ ist sie es nach wie vor. Allerdings aus einer eher distanzierten Perspektive, was die Installation im Erdgeschoss der Galerie Dominique Lang betrifft. Man muss zwei goldbraune, verspiegelte Bildschirme umgehen, um „Blind Corners“ zu betreten. In einem Raum, in dem man beobachtet, was auf und zwischen den Bildschirmen geschieht. Suzan Noesen lässt die Zuschauer in das Innere eines gerahmten Raums eintauchen.

In diesem Video schneiden drei junge Frauen auf drei Bildschirmen einen Apfel und beobachten sich gegenseitig von einem Bildschirm zum anderen, jede von ihrem eigenen Raum aus. „La querencia“ ist im Spanischen der tote Winkel der Arena, in den sich der Stier zurückziehen kann, um zu beobachten, aus welchem Winkel der Torero und er sich in der nächsten Phase ihres Kampfes gegenüberstehen werden. Dieser Vergleich ist wörtlich zu verstehen, denn zwischen den drei Protagonistinnen gibt es keine Zuneigung, keine Verbundenheit. Suzan Noesen zeigt hier unter der scheinbaren Unschuld des Schneidens einer Frucht einen Wettstreit, einen von denen, die uns die heutige Gesellschaft in Bezug auf Sein und Schein auferlegt.

Suzan Noesen ist derzeit weit weg von hier, in Montréal, wo sie einen Masterstudiengang im Bereich Videokunst absolviert. Es stimmt, dass diese Installation im Erdgeschoss etwas dürftig wirkt, auch wenn die Kühle des Themas beabsichtigt ist. Viel besser hat uns im ersten Stock der Galerie das Tipi gefallen, also ebenfalls ein geschlossener Raum, bestehend aus einem Zylinder aus rosé-sepiafarbener Seide, der mit Motiven aus Pflanzenfarben und Acrylfarbe verziert und über tote Holzstangen gespannt ist. Man kann diese innere Welt betreten, selbst zur Leinwand für die Videoprojektion „The Group as a Body as a Landscape in my Body“ werden oder außerhalb der Projektion bleiben und dennoch in ihr Inneres blicken.

Oben, unten… „Cut cave“, also der Raum, in dem ein Apfel – wieder einmal – von behaarten Händen mit spitzen, metallischen Fingernägeln mit einem Messer rundherum geschält wird (diese Hände werden separat ausgestellt, als wolle man den geheimnisvollen oder magischen Charakter einer ursprünglich so einfachen Geste besser verständlich machen). Die von Suzan Noesen angewandte Technik ist beeindruckend, doch muss man ihre Geheimnisse nicht unbedingt verstehen, um sich von der Ästhetik dieses Werks auf bläulich getönter Seide verzaubern zu lassen. In der Mitte also, wie die feinen Tücher, die früher in der Küche verwendet wurden, projiziert Suzan Noesen in Farben den kreisförmigen Ausschnitt des Apfels, dessen Schalen aus dem Bildrahmen herausfallen und den Stoff, der mit Metallklammern an toten Holzstangen befestigt ist, gleichsam beschweren.

Ebenso pragmatisch im Ansatz ist die „5 km/h“-Reise von Letizia Romanini in der Galerie Nei Liicht, die jedoch in mehrere atemberaubende konzeptionelle Zusammenfassungen umgesetzt wurde. Mit einem Zelt und einem Rucksack machte sie sich auf, das Land an seinen Rändern zu umrunden – insgesamt 356 km –, und durchquerte dabei die Landschaft der drei Grenzen zu Frankreich (sie startete in Esch-sur-Alzette, ihrer Heimatstadt) und dem Minett, zu Deutschland und der Mosel sowie Belgien und die Ardennen. Eine Tour in 24 Tagen mit fünf Kilometern pro Stunde – daher der Titel der Ausstellung.

„Sie sammelt, fotografiert und wählt kleine, wertvolle Dinge aus der Natur aus, deren Wert allein in dem liegt, den die Künstlerin ihnen beimisst: Zunder, getrocknete Weinreben, Baumrinde, kleine Kieselsteine und Mineralien, aber auch künstliche Überreste: Angelhaken, Autowracks, Metalldrähte“, schreibt Claire Kueny im Begleittext. Zitieren wir auch Ursula K. Le Guin über die Arbeit von Letizia Romanini im Atelier: „Etwas herzustellen bedeutet, es zu erfinden, zu entdecken, zu enthüllen.“ Ja, 5 km/h – das ist die Verwandlung von Elementen der durchquerten Landschaften, ihrer Topografie, ihrer Mineralität, ihrer Vegetation und der Überreste menschlichen Lebens in Kunstwerke.

Insgesamt gibt es sieben unterschiedlich gestaltete Abschnitte oder Kapitel sowie eine Einleitung. „Timestepping“ besteht aus 24 grauen Metallstreifen, auf denen der tägliche Gang grün eingefärbt ist, wie die Messung der Anstrengungen eines schlagenden Herzens. Es folgt eine Reihe von Landschaften, die in Strohintarsientechnik gefertigt sind, wie man es früher auf dem Land tat, wobei die Innenräume in den Ockertönen des Rohmaterials gehalten sind. „Luxfield I–V“ sind farbenfroh, so wie sich Moos- und Heideflächen bei genauer Betrachtung oder Gesteinsschichten aus der Ferne nebeneinander stellen können. Es gibt auch die Anspielung auf eine reale Landschaft mit Pappelsilhouetten im Vordergrund, gefolgt von einer Abfolge von Feldern und einem bewölkten Himmel.

Es folgt ein Vergleich zweier Fotos, die die Veränderung des Blickwinkels veranschaulichen sollen. Farbenprächtige Wildblumen, aufgenommen mit einem Makroobjektiv, so gerahmt, wie es sich für diese Art von Detailaufnahmen gehört, und direkt an die Wand geklebt, als wolle es mit ihr verschmelzen: eine Landschaft in der blauen Stunde, der Stunde der Nicht-Farben. Über einer stacheligen Hecke im Vordergrund eröffnet sich das große Unbekannte des Lichts, das in der Nacht verschwinden wird. „Ënnerwee“ ist die komprimierte Darstellung von Letizia Romaninis Wanderung entlang der Konturen des Landes, als gäbe es einen durchgehenden Weg, der durch Wälder, abgeerntete Felder, Weinberge und über eine Brücke führt.

Vertikal an der Wand aufgehängt, sieht man Vorder- und Rückseite, als müsse man sich nicht für eine Laufrichtung von Ënnerwee entscheiden. Zusammen mit „Fomes Fomenarius“ (ein Makrofoto der Textur eines Pilzes) und „Nomenclature“, einem Kreis aus gesammelten, sortierten und zweidimensionalen Formen – ganz kleine, mittlere und größere, die kreisförmig angeordnet sind –, ist dies zweifellos die virtuoseste Zusammenfassung und Verdichtung der Ausstellung. Die Darstellung der Drucke von Ënnerwee und Fomes Fomenarius – Risografie und Harz auf Papier – trägt wesentlich dazu bei. Schließlich tragen natürliche mineralische Elemente, verglaste Schlacken aus La Minette, Pilzunterseiten, Weinreben, Schieferstücke und Überreste eines verlassenen Autos, die alle in edle Materialien gegossen und geformt wurden, zur Qualität des Gesamtwerks bei.

Die Virtuosität von Letizia Romanini ist atemberaubend. Wir setzen den Rundgang mit der Serie fort, die dem Wasser gewidmet ist (Tropfsteine aus Höhlen ihrer Heimatregion in Italien und schlammige Erde aus Luxemburg). Es handelt sich um Siebdrucke auf Glas mit silberner Spiegeltinte, denn Wasser ist ein Schatz, der uns dennoch banal erscheint. Es tropft oder fließt aus einer Quelle, kann aber auch grausam fehlen, sich entfesseln und zerstören, wie bei der Überschwemmung im Müllerthal (Born 10:13 Uhr, Moersdorf 11:43 Uhr). Die Fotoserie ist trügerisch schön. Hat sich Letizia Romanini in diesem letzten Raum von der Inszenierung der Ausstellung „Enfin seules – Fotografien aus der Sammlung Archive of Modern Conflict“ im Mudam im Jahr 2021 inspirieren lassen?

Wir nehmen ihm das nicht übel. Denn wir interpretieren es als Echo auf die Entdeckung des staunenden fotografischen Blicks auf die Natur Ende des 19. Jahrhunderts. Das war gestern. Doch morgen wird „5 km/h“ von Letizia Romanini wie eine ästhetische Hommage an das von Zerstörung bedrohte Ökosystem wirken. Ästhetik kann einen anderen Weg einschlagen als nur die Schönheit an sich.