Moskau, 1996. Die siebenjährige Diana schläft friedlich. Ihre Mutter weckt sie und bittet sie und ihren älteren Bruder, ihre Sachen für eine Familienreise zusammenzupacken, die ohne den Vater stattfinden wird. Am nächsten Tag findet dieser eine leere Wohnung vor. Ein Zettel auf dem Küchentisch verrät ihm, dass seine Familie Russland verlassen hat und in die Vereinigten Staaten gezogen ist. Fünfzehn Jahre lang unternahm er zahlreiche Nachforschungen, um Diana und ihren Bruder wiederzufinden – vergeblich. Die Erinnerungsstücke aus dieser Zeit bewahrte er in einem kleinen Koffer unter dem Bett auf.
Jahre später beschließt die frischgebackene Absolventin Diana Markosian, sich mit ihrer schmerzhaften Familiengeschichte auseinanderzusetzen. Sie versucht, die zugleich gewalttätige und rettende Geste ihrer Mutter zu verstehen, dem aus den Familienfotos ausgeschnittenen Vater wieder ein Gesicht zu geben und eine für immer zersplitterte Vergangenheit wieder zusammenzusetzen. Aus dieser Suche entstehen zwei bedeutende Projekte: „Santa Barbara“ (2020) und „Father“, der subjektive Höhepunkt dieser 56. Ausgabe der Rencontres de la Photographie d’Arles.
Diana machte sich blindlings auf die Suche – ohne Erinnerungen, ohne Fotos, ohne Adresse. Fünf Jahre später fand sie mit Hilfe ihres Bruders schließlich ihren Vater in Armenien wieder. Diese Begegnung mit dem Mann, der ihr mittlerweile fremd geworden war, löste eine Flut von Emotionen aus. Ihren Vater wiederzufinden bedeutet, endlich das fehlende Puzzleteil ihres Lebens wiederzufinden, die einzige Person, die in der Lage ist, ihre Gefühle zu verstehen. Sie zeigt ihm Fotos von sich selbst, von ihrem siebten bis zu ihrem siebenundzwanzigsten Lebensjahr, als wolle sie die verlorene Zeit wieder aufholen. Durch Kunst und Fotografie, die zu gemeinsamen Sprachen geworden sind, entwirft sie ein intimes Porträt dieses Mannes, der nie aufgehört hat, in die Vergangenheit zu blicken, um seine Kinder wiederzufinden.
Die Inszenierung dieses Werks ist erschütternd. Mit seltener Einfühlsamkeit setzt sie dieses Tagebuch um – diesen komplexen Weg zwischen einem Vater und seiner Tochter, die gemeinsam das einstige emotionale Fundament wiederherstellen wollen. Durch die gekonnte Verknüpfung von Dokumentarfotografien, Archivmaterial und Filmen verwandelt die Künstlerin diese tragische persönliche Geschichte in eine universelle Geschichte von Trennung, Verlust und Verzweiflung. „Ich wollte jemandem in meiner Situation das Gefühl geben, dass es in Ordnung ist, sich nicht gut zu fühlen“, vertraut sie bei einem Treffen in Arles an.
Auch Jean-Michel André war sieben Jahre alt, als sich sein Leben schlagartig änderte. Am 5. August 1983, als er mit seiner Familie auf dem Weg in den Urlaub eine Übernachtung einlegte, wurde sein Vater zusammen mit sechs weiteren Personen in einem Hotel in Avignon ermordet. Dieses Blutbad löste einen tiefen Schock aus: Der kleine Junge verlor sein Gedächtnis, als wäre er wie ausgelöscht. Dreißig Jahre später, nun selbst Vater, holt ihn die Geschichte wieder ein. Er kehrt an den Ort des Dramas zurück, setzt die abgebrochene Reise nach Korsika fort und folgt den Spuren seines Vaters durch Zeit und Raum. Dabei verlagert er seinen Blick, zerstreut das Grauen, um das Trauma zu bannen. Er setzt seine Erinnerung neu zusammen, erfindet sie neu und verwischt die Gesichter der Angeklagten auf den Pressefotos, die über das Ereignis berichten.
Dieses fesselnde Projekt mit dem Titel „Chambre 207“ verwebt eine Erzählung aus Recherche, Dokumentation und Fotografien von ergreifender Poesie zu einem Werk, das sich mit Erinnerung, Trauer und Wiedergutmachung auseinandersetzt. Es handelt sich um eine fragmentarische, nichtlineare Rekonstruktion, in der der Autor, indem er die Realität sublimiert, versucht, der Welt einen Teil ihrer geraubten Schönheit zurückzugeben – fernab von Pathos und Spektakulärem. Jean-Michel André hinterfragt die Grenzen des Bildes, verwischt zeitliche Bezugspunkte und schlägt seinerseits eine fragile Brücke zwischen dem Intimen und dem Universellen.
Jedes Jahr rücken die „Rencontres d’Arles“ ein Land durch zeitgenössisches Kunstschaffen in den Mittelpunkt. Diese Ausgabe würdigt Brasilien, wo eine neue Künstlergeneration visuelle Archive und Traditionen mittels Fotografie, Video, Collage und künstlicher Intelligenz neu interpretiert. Besonders hervorzuheben ist die Arbeit von Mayara Ferrão, die am Computer Liebesszenen zwischen schwarzen Sklavinnen nachstellt und damit, wie die Autorin Fernanda Silva e Sousa schreibt, „neue Erinnerungen an das schafft, an das man nicht zu glauben wagte, sich erinnern zu können“.
Im Rahmen des Projekts „Retratistas do Morro“, das fotografische Forschung und gemeinschaftliches Erleben verbindet, enthüllen die Künstler João Mendes und Afonso Pimenta eine verborgene Geschichte des heutigen Brasiliens. Das Publikum ist eingeladen, in das Leben und die Erinnerungen der Bewohner von Serra, einer Favela in Belo Horizonte, einzutauchen: Hochzeiten, Geburtstage, Fußballspiele, Abschlussfeiern, Tanzveranstaltungen – all dies sind Lebenswege innerhalb einer benachteiligten Bevölkerungsgruppe, die in den Medienberichten oft keine Beachtung findet. Diese Bilder füllen somit eine Lücke im kollektiven Bewusstsein und erheben die Fotografen in den Rang von Hütern der Zeit und der Erinnerung.
Eine der erfreulichen Überraschungen des Festivals ist die Claudia Andujar gewidmete Ausstellung. 1931 in der Schweiz in einer sowohl jüdischen als auch protestantischen Familie geboren, in Siebenbürgen aufgewachsen und als Überlebende des Holocaust, wanderte sie 1946 nach New York aus, bevor sie sich neun Jahre später in São Paulo niederließ. Tief geprägt von den Traumata des Krieges begann sie in Brasilien ein neues Leben und nutzte das Medium der Fotografie, um diese neue Umgebung zu erfassen. Die Vielfalt der präsentierten Serien zeugt von ihrem leidenschaftlichen Engagement: als Aktivistin, Feministin, Humanistin und Umweltschützerin.
Claudia Andujar zeigt sich zudem von einer avantgardistischen Seite und versucht, den traditionellen Realismus der Fotografie zu überwinden. Eine Serie zieht dabei besonders die Aufmerksamkeit auf sich. Darin sind Ausschnitte von Sônia zu sehen, einer angehenden Model aus Bahia. Anstatt einer x-ten Objektivierung des weiblichen Aktes nachzugeben, die allzu oft vom männlichen Blick geprägt ist, entscheidet sich Claudia für das Experimentieren. Sie fotografiert ihre Dias neu, überlagert die Bilder und fügt Farbfilter hinzu, wodurch eine subtile Abstraktion entsteht. Auf diese Weise konzentriert sie sich auf angedeutete Körperfragmente, enthüllt deren intimes Wesen und unterstreicht ihre Schönheit.
In einer idealen Welt sollten wir Ihnen von den großartigen Ausstellungen von Letizia Battaglia und Todd Hido berichten – die eine in Schwarz-Weiß, politisch, engagiert, sozial; die andere in Farbe, melancholisch, poetisch, filmisch. Doch wir müssen uns die letzten Worte aufheben, um auf eine beunruhigende Lücke im Festivalprogramm hinzuweisen. Auch wenn wir die Bemühungen der „Rencontres d’Arles“ begrüßen, einen Blick auf die Vergangenheit kolonialisierter Länder zu werfen (also Brasilien, aber auch Australien, das in einer großen Ausstellung im Mittelpunkt steht) und den lange Zeit ausgeblendeten Bevölkerungsgruppen eine Stimme zu geben, macht diese Offenheit die Entscheidung umso unverständlicher, dem palästinensischen Volk keinen Platz einzuräumen, das heute einem von der israelischen Regierung
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Indem sich die Rencontres d’Arles immer wieder mit bestimmten verfolgten Gemeinschaften (Migranten, indigene Völker, sexuelle Minderheiten usw.) befassen, rücken sie mithilfe von Bildern Erfahrungen und Emotionen in den Vordergrund, die lange Zeit unsichtbar geblieben sind. Gerade weil das Festival unter einem subversiven Motto steht (der Titel des offiziellen Plakats lautet „Images Indociles“), wird die Heuchelei dieses Schweigens zur Palästina-Frage umso eklatanter, in einer Zeit, in der so viele entmenschlichte Stimmen laut werden, um das Ausmaß der Tragödie zu leugnen.
Inmitten dieser bedauerlichen kuratorischen Vernachlässigung sei dennoch die kraftvolle Botschaft von Nan Goldin gewürdigt, die sie am 8. Juli im Théâtre Antique in ihrer Rede zum Ausdruck brachte, und vor allem das engagierte Werk von NO-PHOTO, einer künstlerischen Intervention, die vom Double Dummy Studio umgesetzt wurde. Überall in Arles bedecken ihre zweiteiligen Schwarz-Weiß-Plakate die Wände und prangern mit Nachdruck dieses beschämende Fehlen von Bildern aus Gaza an. Schwarze Quadrate und Rechtecke, betitelt, mit Bildnachweis versehen und mit einfachen Worten beschrieben, die bitter daran erinnern, was diese Bilder verbergen. Fotos, die man paradoxerweise lieber nie hätte sehen müssen. Eine klare, starke Botschaft von lebenswichtiger Dringlichkeit.
