Man muss zugeben: Renelde Pierlots Theaterstücke sprechen vor allem die bereits Überzeugten an. Seit ihrem Stück „Voir la feuille à l’envers“, das 2019 uraufgeführt wurde, sind wir sofort dabei, sobald wir ihren Namen im Programm lesen. Und die Leitung der Théâtres de la Ville de Luxembourg sieht das genauso wie wir. Für ihre erste Inszenierung der Saison haben sie nun ein Stück bei der luxemburgischen Regisseurin in Auftrag gegeben, in der Hoffnung, eine Begegnung zwischen ihrem Theater und der innovativen Arbeit des Ensembles für zeitgenössische Musik „United Instruments of Lucilin“ zu schaffen. Und das auf dem Papier entworfene Konzept funktioniert genauso gut wie in der Realität, überall im Théâtre des Capucins.
Zwischen zeitgenössischer Musik, Text, Raumtheater und Tanz erobern Lucilin und Pierlot jeden Winkel des Théâtre des Capucins. Wie gewohnt bietet die Theaterkünstlerin einen spektakulären Rundgang vor Ort, bei dem sie gebeten wird, die pointierten Fragen des Zyklus „Erinnerungen und Resilienz“ zu beantworten, der in dieser Spielzeit von den TDVL ins Leben gerufen wurde. Nach einer Pandemie, die noch immer so viele Hinterbliebene in Trauer versetzt, initiiert Tom Leick-Burns, der Maestro des Hauses, diese Begegnung zwischen zwei ungewöhnlichen Persönlichkeiten der luxemburgischen Theater- und zeitgenössischen Musikszene.
In dieser „Rückkehr ins Leben“, wie Pierlot es nennt, setzt sich die kurzlebige – oder vielleicht doch mehr als das – Truppe mit dem Tod auseinander, um vor allem von denen zu erzählen, die mit ihm leben und auf ihn warten. Das Bewusstsein unseres eigenen Endes veranlasst uns, den Tod zu hinterfragen. Er ist eine unausweichliche Erfahrung, die uns allen, die wir „vorübergehend“ hier sind, gemeinsam ist. So beschäftigt sich Renelde Pierlot mit dem „Sterben“, den damit verbundenen Bräuchen, den Überzeugungen der Hinterbliebenen, den Riten, die den Verstorbenen gewidmet werden, damit sie „in Frieden ruhen“, und dem gesamten damit verbundenen Anstand. Ein universelles und zeitloses Thema, das in diesem Kontext aktueller denn je ist. Die Kulisse ist schnell geschaffen, als sich zu Beginn die vier Schauspieler, die einen nachgebildeten Sarg tragen, einen Weg durch die ungeduldigen Zuschauer im Foyer bahnen, um diese Totenwache zu eröffnen.
Dort vor der entweihten Kapelle, die nun als Theater dient, sprechen wir von den Toten, um ihnen die Ehre zu erweisen und unserem gemeinsamen Schicksal die Stirn zu bieten. Schon fließen einige Tränen, Taschentücher werden an die Nasen gedrückt. Bei den Krokodilen ist die Ergriffenheit bereits überwältigend, schon nach nur fünf Metern am Rande der Capucins. Wenn man die Türen der theatralischen Kultstätte öffnet, betritt man ein neues Ritual: Trauernde empfangen uns mit schwebenden Gesten und Körperhaltungen, die den alten Darstellungen des Abschieds von den Verstorbenen nachempfunden sind.
Pierlot greift somit auf eine ganze Ikonografie zurück, um Kulturen, Religionen und Gesellschaften in einer tiefgründigen Inszenierung miteinander zu vermischen. Es handelt sich weniger um eine Neuerfindung der Rituale als vielmehr um eine szenische Aneignung. Doch auch wenn die Bilder, die die Regisseurin entwirft, kraftvoll und schön sind, sind sie auch nicht besonders überraschend. Denn der Tod wird überall und seit jeher so stark symbolisiert und ästhetisiert.
Wir werden bis ins Herz des Ortes der Totenwache begleitet – die umgestaltete Bühne – um uns herum machen alle ein langes Gesicht, „Let Me Die Before I Wake“ ist logischerweise kein Zirkus und bewegt sich in einer fesselnden, wenn auch ein wenig endlos anmutenden Szene in der Leichenwaschkammer an der Grenze zum „Tränenreißenden“. Jemand im Publikum beginnt zu schluchzen, die Hitze steigt unter den Scheinwerfern der Bühne, ebenso wie die Ängste. Die Kraft der Live-Aufführung liegt darin, dass das Echte auf der Bühne uns so sehr berühren kann, dass es uns zu Fall bringt. Dennoch fängt Pierlot uns in unseren Emotionen wieder auf – oder lockert sie auf, je nach Sichtweise –, indem er eine kurze burleske Parodie auf „Antigone“ einstreut, die zwar die Atmosphäre auflockert, aber auch die immense dramatische Arbeit zunichte macht, die sich gerade mit voller Wucht aufgebaut hatte. Das ist schade.
Auf der Bühne ist alles perfekt abgestimmt. Keiner patzt, das Team ist solide. Selten hat man eine derart hohe Gesamtqualität in Bezug auf Bühnenpräsenz, Schauspiel und Darbietung im weitesten Sinne gesehen. Das Zusammenspiel dieser rund zehn Künstler ist symbiotisch. Und wenn es eine Sache gibt, die Renelde Pierlot ihren Darstellern gerne mitgibt, dann ist es die Freiheit, ihre Kreativität auszudrücken – und ganz offensichtlich funktioniert das mit dieser erstklassigen Besetzung wunderbar.
Wenn uns die Traurigkeit überkommt, wenn die Gläser zu Ehren der Verstorbenen erhoben wurden, werden wir zu dem geführt, was uns als „der Nachtclub“ beschrieben wird… Ein bedauerlicher Bruch, der jene so schönen Emotionen zunichte macht, die uns die Truppe gerade erst geschenkt hatte. Warum das Ganze mit einer Art erzwungenem Positivismus verwässern? Pierlot hat diese Marotte in ihrem Theater, dass sie uns nicht einfach nur traurig oder glücklich sein lassen will; sie will uns gleichzeitig zum Weinen und dann zum Lachen bringen und lässt uns nur wenig Zeit, um die Tränen wirken zu lassen und uns von ihnen überwältigen zu lassen.
Die Darstellungen dieses Themas sind unzählbar und entspringen einem soziokulturellen Bedürfnis, diese unvermeidliche Tatsache darzustellen, an ein „Danach“ zu glauben und so Haltungen und Riten zu schaffen, um sich mit diesem Unbekannten, ganz in Schwarz gekleidet, zu vereinen. Vor fast zehn Jahren, bei der achten Ausgabe des Festivals „Hop Hop Hop“ in Metz, hatte uns die Compagnie Turbo Cacahuète mit „L’enterrement de Maman“ gegen das abwegige Darstellungsmodell des Bestattungsgenres „geimpft“. Man neigt dazu, diese Rituale als heilig, unerschütterlich und unverspottbar darzustellen, und doch sind sie in ihrer Ästhetik, Methodik und ihrem Programm eine Fundgrube theatralischer Möglichkeiten. Und Pierlot begreift sie als solche: mal als Ort der wörtlichen Bedeutung, dann als Raum sentimentalistischer Poesie, und natürlich als Welt des Spottes, in der man Antigone nachahmt, jene Fabel unter den Fabeln, in der der Tod die Königinmutter ist und in der die namensgebende Figur schließlich lebendig begraben wird, ohne Anspruch auf das übliche Protokoll zu haben. Genau auf diese Riten geht Pierlot ein, um sie zwar zu entmystifizieren, uns aber nicht zu erlauben, alle positivistischen Glossare rund um die Bestattung in die Ecke zu stellen, während wir es vielleicht vorgezogen hätten, unsere Toten wirklich zu betrauern.
