Même si le monde touche à sa fin, continuons à jouer ! C’est en quelque sorte ainsi que l’on pourrait résumer non seulement la devise de la saison actuelle au TNL, mais aussi *Fin de partie* de Samuel Beckett, présentée comme l’un des temps forts de cette saison.
Cette pièce est considérée comme l’une des œuvres fondatrices du théâtre de l’absurde. Elle ne comporte pas d’intrigue à proprement parler ; en tout cas, les personnages n’évoluent pas au fil de la pièce. Ils se trouvent plutôt confrontés à une situation apocalyptique dans une pièce dont ils ne peuvent plus s’échapper.
L’immobilité et l’inaction sont au cœur des œuvres de Beckett. À travers la négativité de ses personnages – qui n’agissent plus, qui s’éteignent de leur vivant, dont la parole et l’esprit font défaut, dont la motricité est limitée –, et tout cela sur un fond aux tons noirs et gris, il met en évidence un vide qui ne se fond pas dans ce décor.
Beckett venait d’assister au décès de son frère et avait transposé dans sa pièce *Fin de partie* l’expérience de l’attente d’un événement inévitable. Mais la guerre de Corée et l’escalade de la guerre froide ont sans doute également influencé la création de la pièce. À l’époque, Beckett l’avait écrite en français afin de se forcer à arracher chaque mot. C’est aussi de là que provient l’intensité linguistique de *Fin de partie*.
Ses personnages évoluent sans lien dans un monde dénué de sens. Les questions sont nombreuses, mais les réponses valables sont rares. À première vue, c’est la résignation qui domine : « Toute la vie, c’est toujours les mêmes bêtises. »
Les gens vivent dans un état marqué par l’ennui et l’absence totale de sens de toute activité. La vie est devenue absurde et il n’y a plus d’interprétations valables, seulement le jeu qui permet d’engourdir la douleur de l’existence humaine.
Au vu de la situation mondiale, la pièce de Beckett pourrait être considérée comme un diagnostic actuel de notre époque. Seules deux fenêtres permettent de voir l’extérieur ; sur la scène du TNL, même celles-ci s’avèrent être des faux. Le décor minimaliste, à l’atmosphère claustrophobe, offre ainsi le cadre idéal. Les murs sont blancs, un escalier est adossé à l’un d’eux et mène vers le néant : il n’y a aucune issue.
Le personnage principal, Hamm, est non seulement boiteux, mais aussi aveugle. André Jung, dans le rôle de Hamm, est recroquevillé au centre de la scène, affaissé fragilement dans un fauteuil, lunettes de soleil sur le nez. Le moribond est attaché et a manifestement besoin d’analgésiques. Il est donc entièrement dépendant de Clov (Ulrich Kuhlmann), qui est à son service, mais qu’il malmène néanmoins de toutes ses (dernières) forces, en pleine conscience de cette situation. Mais Clov est lui aussi conscient de leur dépendance mutuelle, car seul Hamm sait comment se procurer de la nourriture. S’il mettait à exécution sa menace de priver Clov de nourriture, ils mourraient tous les deux.
Au départ, les parents de Hamm sont eux aussi prisonniers de cette pièce ; ils parlent de leur déclin physique et de la manière dont ils se procurent de la nourriture. Hamm tyrannise les autres, tandis qu’ils attendent tous la fin. « La fin, c’est fini, ça se termine, ça va peut-être se terminer », dit Clov. Le titre fait référence à cette phase de la partie d’échecs où il ne reste plus que quelques pièces sur l’échiquier et où les bons joueurs devinent déjà comment la partie va se terminer.
Le metteur en scène David Mouchtar-Samorai, qui a mis en scène cette pièce au Schauspiel Bonn il y a ce qui semble être une éternité, a condensé la distribution et l’intrigue, déjà brève, en une pièce pour deux personnages d’à peine une heure, avec André Jung dans le rôle de Hamm et Ulrich Kuhl-
mann dans celui de Clov. Dans sa mise en scène au TNL, les parents de Hamm, Nagg et Nell, sont laissés de côté.
Il montre ainsi clairement qu’il a compris Beckett sur le fond et sur la forme. Sa réduction de la forme constitue une tentative d’articuler une expérience sociale. La composition austère de Philip Glass, *Prelude to Endgame* (Glass s’est inspiré en 1984 de *Endgame* pour composer une ouverture pour contrebasse et timbales), imprègne l’espace et laisse peut-être entrevoir une issue.
Dès le début, le dialogue sur scène ne mène nulle part. On y trouve plutôt des gestes clownesques et un langage secondaire et monotone. « Tu devrais partir ! », ricane Hamm. « C’est ce que j’essaie de faire depuis ma naissance », lui répond Clov.
À plusieurs reprises, Hamm appelle Clov à l’aide d’un sifflet. « Si tu me quittes, comment je m’en rendrais compte ? », lui demande Hamm. « Eh bien, tu n’as qu’à siffler, et si je ne viens pas en courant, c’est que je t’ai quitté », répond Clov.
Dans cette relation prétendument asymétrique, une chose apparaît très clairement lorsque Hamm demande : « On ne commence tout de même pas à avoir une certaine importance ? » Il semble alors que toute la « signification » de la pièce réside dans la lutte que mènent les deux survivants l’un pour l’autre.
« L’absurdité et le chaos qui règnent dans le monde ne sont que “l’autre enfer” », a dit un jour Beckett. Dans sa pièce *Fin de partie*, c’est Hamm qui constatera : « Au-delà, c’est l’autre enfer. Le monde pue. » Mais dans un premier temps, Hamm et Clov mettent en évidence l’enfer des relations humaines sur terre et passent le temps à se livrer à des rituels absurdes et à des humiliations. Cela fonctionne bien, car les deux comédiens jouent avec subtilité et à égalité.
« Une fin de partie perdue d’avance. Que la paix soit avec nos culs », résumera Hamm de manière grossière vers la fin de cette mise en scène d’une heure. Auparavant, Clov lui avait lancé un chien en peluche noir et s’était mis à rôder et à danser autour de lui, tantôt triomphant comme Rumpelstilzchen, tantôt soumis, oscillant entre soumission et agressivité.
Le texte puissant et les deux comédiens portent la pièce. Grâce à leur jeu, ils parviennent à transformer des moments parfois déprimants en une comédie grotesque. Quand Clov, par exemple, supplie de manière exagérée Hamm de ne pas le renvoyer, on a envie de se tordre de rire.
L’essence même de *Fin de partie* de Beckett est clairement mise en évidence : la parodie de la parodie est la parodie – dont on ne sait plus si elle est réelle ou irréelle.
Dans cette mise en scène sobre présentée au TNL, André Jung et Ulrich Kuhlmann prouvent une fois de plus qu’ils ne sont pas de simples cabotins s’entraînant à faire des grimaces devant un miroir, mais des comédiens de haut vol, de véritables artistes.
