Une sphère aussi déroutante que la Lune a marqué le début de sa carrière. Cela fait près de dix ans qu’Elisabeth Schilling a présenté « Sixfold » au Trois-C-L. Son solo a transporté le public dans un univers où les frontières n’existaient pas encore : dès ses débuts, Schilling a su jouer avec les disciplines de manière réfléchie.
Depuis sa création, sa compagnie, Elisabeth Schilling & Company, est passée d’une initiative menée par une seule femme à l’une des principales compagnies de danse du Luxembourg, qui se produit à l’international. C’est notamment avec *Hear Eyes Move. Dances with Ligeti*, qui sera notamment présenté en juin prochain à la Philharmonie de Paris, que la chorégraphe d’origine allemande a percé. L’année dernière, elle a été élue par Achiever Magazine parmi les dix femmes dirigeantes les plus inspirantes et figure dans le Top 30 des femmes de la scène créative, établi par le New York Weekly Magazine.
Comment une femme parvient-elle à une telle ascension internationale dans un domaine de niche comme la danse contemporaine ? Qu’est-ce qui a changé depuis ? « Au début, je travaillais encore moi-même en tant que danseuse, je dansais beaucoup dans mes propres pièces et je créais de nombreux solos », raconte Schilling. L’année 2020 a marqué un tournant majeur, tant pour elle personnellement que pour sa compagnie, car c’était la première fois qu’elle avait l’occasion de créer une pièce collective grâce au soutien des Théâtres de la Ville et du Kunstfest Weimar. Elle qualifie de « coup de chance » le fait que *Hear Eyes Move* ait été si bien accueilli. Et puis, le fait que les Théâtres de la Ville lui aient proposé de devenir artiste associée a constitué une étape décisive.
Aujourd’hui, grâce à son équipe, elle maîtrise parfaitement la communication. Elle a ainsi progressivement développé ses canaux et utilise les réseaux sociaux avec assurance pour faire connaître ses productions. Schilling s’exprime avec prudence et empathie – et elle utilise un langage inclusif. C’est peut-être cette empathie, cette capacité à prendre son interlocuteur au sérieux et à le considérer à sa juste valeur, qui ressort le plus dans son attitude, surtout dans un monde artistique empreint d’égoïsme – mais c’est aussi son intérêt vif pour la danse contemporaine, l’exploration des mouvements et de la musique, qui donne naissance à des chorégraphies aussi précises qu’impressionnantes.
Elle a grandi à Wittlich. « J’aime toujours dire que je viens de l’Eifel, parce que j’aime tellement cette région », explique-t-elle. Très jeune, elle a intégré l’école de ballet (le Conservatoire Dr. Hoch de Francfort-sur-le-Main) avant de partir pour Londres, où elle a obtenu une licence au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance et un master à la London Contemporary Dance School.
« Je savais que je voulais devenir danseuse pour apprendre le métier et voir comment d’autres personnes dirigeaient un groupe ; ma voix intérieure m’a poussée très jeune vers la chorégraphie, c’est pourquoi il n’y a pas eu de moment décisif, c’était plutôt comme un oignon. » On l’épluche, et le résultat se révèle peu à peu, les contours devenant de plus en plus nets.
Les projets que Schilling met au point sont souvent très ambitieux. Traduire la musique dodécaphonique de Ligeti en langage chorégraphique n’est pas à la portée de tout le monde… Elle développe ses chorégraphies de manière presque organique dans l’espace. « Pour moi, cela ne concerne pas seulement les êtres humains, mais s’est de plus en plus inspiré, ces dernières années, des phénomènes naturels. Le caractère organique est tout simplement présent dans la nature, en nous aussi – mais nous l’avons oublié. » Sa création de l’année dernière, Sensorial Symphonies, s’inspire par exemple des plantes.
C’est là le niveau philosophique, mais bien sûr, la musicalité vient s’y ajouter. « La danse et la musique entretiennent une relation séculaire qui peut prendre des formes très diverses, et cela m’intéresse. »
Depuis 2022, elle est artiste associée au Grand Théâtre. Elle considère comme un privilège que ses productions soient subventionnées, ce qui lui permet de monter davantage de pièces collectives et, par là même, d’orienter sa compagnie dans cette direction. Avant cela, elle « arpentait sans relâche le monde de l’art et voyageait beaucoup ».
Cette ascension fulgurante n’a-t-elle pas connu de ruptures ni de déceptions ? « Une ascension fulgurante ? – Je ne vois pas les choses ainsi. C’est peut-être l’impression que cela donne vu de l’extérieur, mais c’est un travail extrêmement difficile. Je pense que c’est avant tout une grande passion, mais aussi de la persévérance, de la patience et beaucoup de réflexion stratégique. »
Échanges interdisciplinaires
Contrairement à ce qu’affirment de nombreux hurleurs et à la tendance actuelle, elle ne conçoit pas l’identité comme quelque chose de statique. Chaque semaine, elle échange avec le philosophe Héctor Andrés Peña afin de comprendre les philosophies de la nature et de réfléchir à la manière de les transposer en danse.
Au Luxembourg, elle entretient des échanges intenses avec Anne Legill (Les Théâtres de la Ville) sur le développement du public, la danse et les questions de société, ainsi qu’avec le compositeur de jazz Pascal Schumacher sur la musique et la composition. Elle échange régulièrement sur des projets musicaux avec l’ensemble United Instruments of Lucilin, ainsi qu’avec la pianiste Cathy Krier et la compositrice Catherine Kontz, avec laquelle elle prépare actuellement une nouvelle pièce pour juillet 2026.
Sa nouvelle pièce, *Florescence in Decay*, sera présentée en octobre au Théâtre Escher. Une production qu’elle avait déjà développée en 2020 dans ce même grand théâtre, mais sous la forme d’un programme double : « J’avais l’impression de ne pas avoir pu en tirer tout le potentiel. Il y a encore là un potentiel qui méritait d’être exploré. » Elle s’inspire du livre *Métamorphoses* d’Emanuele Coccia ; la première a eu lieu il y a quelques semaines au CAPE à Ettelbrück. À l’occasion de ce dixième anniversaire, plusieurs de ses pièces seront encore jouées cette année, en France ou en Écosse.
Et puis il y a la tournée « Mat Iech », au cours de laquelle elle présente ses spectacles de danse dans des écoles et des maisons de retraite d’octobre à novembre. Il lui tient à cœur de faire découvrir la danse contemporaine à des personnes qui n’ont pas suivi de formation académique. La danse doit aller à la rencontre des personnes qui ne peuvent pas (ou plus) se rendre au théâtre, que ce soit pour des raisons financières, géographiques ou de santé. « Notre public est très varié ; j’ai également à cœur d’aller à la rencontre d’enfants dont les parents ne les emmènent pas au théâtre ou à la Philharmonie. Le milieu artistique est en effet une bulle ; quand on y travaille, on est très centré sur soi-même et sur les difficultés que l’on a soi-même traversées. »
Dirigera-t-elle une grande institution dans dix ans ? « Je ne sais pas si j’ose me projeter aussi loin. Je crois que mon rêve serait que nous puissions continuer à développer notre compagnie. » Entre-temps, sa compagnie a conclu un accord avec le ministère, ce qui constitue une avancée considérable.
« Mon rêve, c’est simplement de pouvoir continuer sur cette lancée. Je suis très reconnaissante, non seulement envers mon équipe, mais aussi envers nos partenaires, car sans le Grand Théâtre, le CAPE, la Philharmonie et United Instruments of Lucilin, nous ne pourrions pas monter ces productions. C’est toujours un risque pour eux aussi. » On sent bien qu’elle sait que le succès, surtout quand on est d’abord une outsider dans un milieu culturel à taille humaine comme celui du Luxembourg, ne tombe pas du ciel.
Considère-t-elle le petit Luxembourg, avec sa scène culturelle à taille humaine, comme un avantage ou un inconvénient ? « Oh, comme un avantage ! Je dois tellement au Luxembourg. Mais j’ai aussi commencé à travailler au Luxembourg à un moment où j’ai remarqué que le pays souhaitait développer sa propre scène culturelle. Sans le Luxembourg, je n’existerais peut-être pas de cette manière.
