« Mais où sommes-nous donc ? », demande sans cesse l’un de ces personnages fragiles. Comme un mantra. Avec obstination. À la manière d’un leitmotiv, de ces mélodies qui s’accrochent dans le conduit auditif et que l’adaptation généreuse et ambitieuse de Filip Markiewicz de l’Électre de Sophocle ne ménage pas plus qu’elle ne lésine sur une certaine dose de grandiloquence – après tout, c’est l’opéra de Strauss qui a inspiré sa pièce. La réponse à la question – « Mais où sommes-nous donc ? » – est aussi inévitable que les événements qui se déroulent sur scène : « En plein cœur de la tragédie. » Peu importe que nous soyons au début, au milieu ou à la fin de la représentation. Comme s’il était impossible, aujourd’hui, de donner une autre réponse à une telle question. Comme s’il n’y avait plus d’issue. La tragédie se déroule ici et maintenant – et les rideaux de scène ne la confinent plus depuis longtemps dans le monde de la fiction.
La question est pourtant tout à fait légitime – et la réponse fait partie du jeu de devinettes intelligent que Filip Markiewicz met en scène, le spectateur ne sachant pas toujours dans laquelle des trois tragédies il se trouve : dans la trame textuelle de Sophocle, dans la Factory d’Andy Warhol en 1968 ou dans la tragédie américaine qui se déroule ici et maintenant et qui oppose à la tragédie de Sophocle une forme essayistique.
L’artiste multidisciplinaire Markiewicz superpose et entremêle ces trois époques d’une manière qui relève davantage de la logique onirique que d’une dramaturgie claire et structurée, de sorte que l’« Électre » de Sophocle, au contact des deux autres intrigues, se transforme peu à peu en quelque chose de tout à fait différent : Quiconque s’attend ici à une représentation fidèle à l’original est définitivement hors de propos.
Le titre – « Elektra » – ne comporte cette fois-ci, contrairement à « Antigone Neuropa » et « Euro Hamlet », aucun préfixe européen– ni de suffixe, et ne laisse donc pas entendre que Filip Markiewicz ait transposé dans le monde contemporain le classique de Sophocle mettant en scène une fille qui veut se venger de sa mère et de son beau-père pour le meurtre de son père. Et pourtant, ceux qui connaissent Markiewicz savaient que cette adaptation d’un sujet classique ne serait pas non plus une mise en scène ordinaire.
Pour appréhender l’« Elektra » de Markiewicz, le mieux est peut-être de commencer par ce qui, pour Markiewicz lui-même – qui est ici responsable de la mise en scène, des costumes, de la musique, bref, de tout ou presque –, a marqué le tout début du processus créatif : le concept. En effet, *Elektra* fonctionne toujours mieux lorsqu’on la considère comme une œuvre globale multidisciplinaire – et toujours moins bien lorsque Markiewicz tente de créer des situations scéniques selon les règles dramaturgiques classiques.
Une cage, un écran sur lequel se projette un jeu d’alternance entre des clips et des images filmées en direct, un loft, la Factory de Warhol réinventée par Sophocle ou le palais des Atrides, repensé par Andy Warhol. Au-dessus, un néon un peu provocateur : « God is an American ». La scène est encadrée par une batterie, des éléments de percussion et le « cockpit » de Markiewicz, le cerveau du projet, une sorte de version miniature de ce qu’un Nils Frahm emporte avec lui en tournée : le piano, la guitare, le synthétiseur, les pédales d’effets et le chant de Markiewicz s’harmonisent avec les instruments de Lars Neugebauer et les tubes, casseroles et bidons percussifs de N.U. Unruh.
« Le ramassage des ordures selon les règles »
La musique, interprétée par Markiewicz et les deux percussionnistes des Einstürzende Neubauten, ressemble par moments à ce que l’on pourrait imaginer d’une version de l’opéra de Strauss réinterprétée à la sauce des années 80 et 90 ; puis ce sont à nouveau des morceaux Raftside sensuels, riches en synthés, à mi-chemin entre David Bowie et Get Well Soon, qui entraînent le public. Qu’elle pulse en arrière-plan ou qu’elle prolonge le fil narratif à la manière d’une comédie musicale, à travers des chansons indie électroniques : la bande originale d’Elektra est si géniale qu’on aurait envie de se la procurer dès la fin de la représentation.
Alors que la musique bat son plein, Électre est confrontée à un choix difficile : venger le roi Agamemnon, son père défunt, que sa mère Clytemnestre a assassiné avec l’aide de son amant Égisthe – et attend pour cela l’arrivée de son frère Oreste. À peine avons-nous le temps de la voir (Anouk Wagener) se débattre avec elle-même (Lisa Schützenberger) qu’on se retrouve déjà à la Factory de Warhol : Valérie Solanas (jouée par deux actrices, tout comme Électre) discute avec Andy Warhol (Luc Feit) et lui demande pourquoi il est en fait si coincé. « Te parler, c’est comme parler à une chaise. » « Tu es une bouillotte avec des seins. Tu as beaucoup d’idées », rétorque Warhol lorsque Solanas l’accuse de lui avoir volé ses idées. Une scène plus tard, nous sommes dans le présent : Lisa Schützenberger et Luc Schiltz discutent de politique et de société, reprenant au passage les lieux communs de la droite – les jeunes ne feraient plus qu’étudier les études de genre, il existerait une sorte d’« agenda de gauche » qui entraînerait l’afflux de criminels du monde entier.
Les trois intrigues s’entremêlent de plus en plus, mais finissent parfois par se perdre de vue – ce qui est dommage dans la mesure où l’imbrication entre le *SCUM Manifesto* de Valérie Solanas et l’*Électre* de Sophocle ouvre bel et bien des perspectives d’interprétation, et où le texte emprunté, de nature parasitaire, contamine peu à peu l’hypotexte, c’est-à-dire l’original : le caractère radical des propos de Solanas, qui proposait « d’abolir le système financier […] et de détruire le genre masculin », conduit les comédiens à une analyse métaleptique de la tragédie et de ses personnages : « Avoir tué un tyran serait aujourd’hui un mérite », estime Luc Schiltz à un moment donné. Moins efficaces, car un peu forcés, les intermèdes dans lesquels les événements d’aujourd’hui sont condensés – on ne comprend pas tout à fait ce qu’Elon Musk vient faire exactement dans cette pièce, mis à part le fait qu’il incarne une métonymie effrayante et parfaite du patriarcat et de sa soif dévastatrice de domination.
Dans l’« œuvre totale » de Markiewicz, on perd malheureusement parfois de vue la subtilité avec laquelle les niveaux narratifs s’enchaînent : ici, Luc Feit s’exprime encore en tant que narrateur hétérodiegétique, qui raconte stoïquement l’attentat de Solanas contre Warhol, mais aussitôt, dans l’effet performatif d’un dialogue, il redevient partie intégrante de la tragédie. Ce changement diégétique n’est certes pas aussi élégant que dans *Habiter le temps* de Rasmus Lindberg – mais il fonctionne très bien grâce aux excellents comédiens : La façon dont Feit passe, parmi les différents personnages de la tragédie, à son Andy Warhol obstiné et vexé est tout aussi impressionnante que les oscillations d’Anouk Wagener et de Lisa Schützenberger entre Électre et Solanas.
En raison de cette surstimulation sensorielle, qui exige beaucoup d’attention de la part du spectateur, les comédiens se voient parfois privés d’une liberté d’interprétation suffisante. Même si la musique d’accompagnement et les décors s’harmonisent parfaitement, on a parfois l’impression que les comédiens étouffent dans ce carcan conceptuel : Luc Schiltz, avec son rire diabolique, à mi-chemin entre le bouffon de cour, parodie d’Elon Musk et méchant de James Bond, semble par exemple faire beaucoup d’efforts, et on ne comprend pas toujours non plus pourquoi il a fallu deux Elektra : une seule comédienne aurait pu incarner la dichotomie du personnage. Lorsque retentit le coup de feu final, il reste une expérience sensuelle, à mi-chemin entre le théâtre et l’installation artistique, qui reste audacieuse jusque dans les (rares) moments où elle échoue.
