Bong Joon-Ho est un réalisateur sud-coréen qui a d’abord réalisé des films destinés au public sud-coréen. Ces dernières années, il a toutefois également été reconnu par le public occidental pour son travail. Ses films sont connus pour aborder divers thèmes, notamment la place des classes sociales dans la société et l’impact de l’homme sur l’environnement. Mickey 17 est sa dernière œuvre, qui cherche à associer ses convictions socialistes aux codes du film de science-fiction et à ceux de la comédie. Pour ce faire, le réalisateur envoie l’acteur hollywoodien Robert Pattinson dans l’espace, où il incarne un double rôle – mais reste bien en deçà de ses précédentes allégories sociétales.
Né en 1969 à Daegu, en Corée du Sud, Bong Joon-Ho a d’abord étudié les sciences sociales à l’université de Yonsei avant de se tourner vers le cinéma et d’obtenir son diplôme à l’Université nationale des arts de Corée. Il a fait ses débuts en tant que réalisateur en 2000 avec le film *Barking Dogs Never Bite*, qui révélait déjà son style caractéristique et son humour incisif. Son intérêt pour la sociologie est ancré dans tous ses films. C’est un élément déterminant de la mise en scène artistique développée par Bong. Il construit ses films à partir du contenu, élabore des messages allégoriques qu’il transpose dans une forme cinématographique obéissant à un principe d’illustration constant. Les références au genre qu’il établit sont elles aussi subordonnées à ce procédé descriptif ; elles ne deviennent jamais une fin en soi.
Bong a connu son succès international avec le film de monstres *The Host* (2006), qui a remporté un franc succès tant en Corée du Sud qu’à l’échelle mondiale. Ce film, qui mêlait des éléments d’horreur et de drame social, abordait les problèmes environnementaux ainsi que les répercussions des politiques gouvernementales. Bong Joon-Ho a poursuivi sa carrière avec le thriller psychologique Mother (2009), puis avec Snowpiercer (2013), un film de science-fiction dystopique qui a suscité un vif intérêt à l’échelle internationale : Dans un monde post-apocalyptique où la Terre s’est transformée en un désert de glace à la suite d’une tentative ratée de contrôle climatique, les derniers survivants de l’humanité vivent dans un train sans fin, le « Snowpiercer », qui parcourt sans relâche le globe. Le train est divisé en classes : les riches et les puissants vivent dans des compartiments luxueux sous la direction du mystérieux Wilford, tandis que les pauvres sont entassés dans des conditions insalubres. L’histoire suit Curtis, qui s’allie à un groupe de rebelles pour briser la hiérarchie des classes et prendre le contrôle du train.
Bong a atteint son apogée artistique avec *Parasite* (2019), qui lui a valu une renommée mondiale. Le film a remporté de nombreuses distinctions, dont la Palme d’or au Festival de Cannes et l’Oscar du meilleur film, ce qui en a fait la première œuvre non anglophone à remporter ce prix prestigieux. Cette tragicomédie d’un noir profond aborde avec brio la lutte des classes à travers l’histoire de la famille Kim, composée de quatre personnes. Vivant dans une extrême pauvreté, le fils saisit l’occasion qui s’offre à lui de se proposer comme tuteur d’anglais auprès de la riche famille Park. C’est ainsi que les Kim s’installent chez les Park avec un égoïsme sans vergogne.
Et pourtant, une amélioration se profile à l’horizon. Bong met ici très clairement en évidence, à travers l’espace cinématographique, le fossé entre les riches et les pauvres, entre ceux qui ont trop et ceux qui n’ont pas assez. Dans Snowpiercer, la séparation des classes s’effectuait à travers les différents wagons et s’articulait donc horizontalement. Dans Parasite, ces différences sont plutôt mises en scène verticalement : les notions de classe supérieure et de classe inférieure sont prises au sens littéral. La situation précaire, qui trouve son expression visuelle la plus frappante dans un appartement miteux et délabré d’une grande ville non mieux définie, quelque part en Corée du Sud, devient pour les Kim le moteur qui les pousse à se libérer de leur misère. Les Kim incarnent pour ainsi dire la contradiction d’un présent capitaliste sud-coréen moderne ; leur ascension égoïste, du tout bas vers le tout haut, représente en quelque sorte la conséquence « logique », voire « méritée », des manquements antérieurs de la société, qui culmine dans un final sanglant et complètement absurde.
Le réalisateur sud-coréen a souligné à plusieurs reprises que ses trois derniers films – Snowpiercer, Okja et Parasite – constituent une réflexion allégorique et critique sur le capitalisme. Bong présente régulièrement le capitalisme comme un système de surveillance : les écrans et les fenêtres imprègnent sans cesse l’action, formant un leitmotiv – très proche des réflexions de Michel Foucault. Ils sont souvent l’expression de l’appareil de contrôle étatique ou des asymétries du pouvoir social. Dans Parasite et Mother, les personnages sont victimes de chantage à l’aide de photos et de vidéos. Dans la lutte des classes, qui prend également une tournure violente dans *Snowpiercer*, les forces armées du chef de train Wilford disposent d’un avantage tactique, car elles utilisent des appareils de vision nocturne. Les smartphones : dans *Parasite*, les smartphones ne sont pas seulement le moyen par lequel on perçoit le monde, ils deviennent le monde lui-même. À maintes reprises, chez Bong, les écrans de télévision envahissent soudainement l’écran de cinéma, devenant le seul champ de vision – un instrument de formatage total de la société. Une société axée sur le fonctionnement, et non sur la valeur de chaque individu.
« Mickey 17 » s’inscrit dans cette lignée. Cette comédie de science-fiction, adaptée du roman de l’auteur américain Edward Ashton, place Mickey Barnes (Robert Pattinson) au cœur de l’intrigue : Dans un futur indéterminé, Kenneth Marshall (Mark Ruffalo), un oligarque mégalomane, a lancé une mission spatiale visant à coloniser la lointaine planète Nilfheim. Grâce à des transferts d’ADN de haute technologie, des êtres humains sont clonés afin de faire avancer la colonisation. L’être humain devient un produit jetable, reproductible à l’infini dans une boucle sans fin.
Dans *Snowpiercer* ou *Parasite*, la narration allégorique a mis en lumière les thèses de Bong, qui rendaient l’analyse de classe si captivante, car ce n’est que grâce à cette narration allégorique que les rapports sociaux ont été révélés avec une telle transparence. La force d’attraction cinématographique y est si puissante que les thèses de Marx et d’Engels illustrent pour ainsi dire le film. Le désir d’un contre-mouvement libertaire, face à la suprématie d’un système oppressif et méprisant pour l’humanité, au service du capital et non de l’homme, y était combiné avec beaucoup de suspense, d’enrichissement intellectuel et de divertissement – des images et des scènes très concrètes renvoyaient à des concepts très abstraits. Mickey 17 fonctionne plutôt par citations, d’une manière tout à fait inverse : le film illustre Marx et Engels sous forme de thèses et, avec sa vision d’avenir, s’efforce pleinement de rester au cœur de l’actualité : L’exploitation sans limite de la classe ouvrière, au-delà même de la mort, les commentaires sur la politique climatique de droite, la politique familiale antiféministe actuelle des États-Unis menée par le camp républicain – tout cela est évoqué de manière superficielle par le film, sans que les thèses ne soient mises en avant avec suffisamment de force pour gagner en pertinence. Là où le cinéma de Bong Joon-Ho se fait plus grand public, là où les éléments de divertissement l’emportent sur l’impact de critique sociale, il devient contestable, controversé. Dans Mickey 17, le but allégorique revendiqué est en décalage avec les moyens narratifs audiovisuels.
