Ce que font les femmes pour se divertir

Quand on lit des textes sur l’oppression des femmes créatives, on peut être envahi par le sentiment d’avoir été spolié. Spolié de nombreuses perspectives ; d’œuvres d’art, de chansons et de livres que le monde n’a jamais vus, parce que les femmes n’avaient pas le droit de créer librement. La vaste exposition organisée à la Tate, qui rassemble plus de 150 œuvres couvrant 400 ans d’histoire, apporte aujourd’hui un peu de réconfort et illustre le long chemin que les femmes artistes ont dû parcourir en Grande-Bretagne pour non seulement être autorisées à pratiquer leur art, mais aussi pour être reconnues et rémunérées à leur juste valeur.

La peinture au pastel et l’aquarelle étaient considérées comme des « arts mineurs (…) que seules les femmes pratiquaient lorsqu’elles peignaient pour leur propre plaisir », selon les propos tenus par le président de la Royal Academy en 1770. Les femmes n’étaient pas admises dans les écoles de la Royal Academy jusqu’en 1860, et elles n’étaient pas non plus autorisées à suivre des cours de dessin de nu. La Tate explique que cette mesure visait à préserver la « pudeur » des femmes. La véritable raison était toutefois que les hommes de l’Académie ne croyaient pas que les femmes possédaient les capacités intellectuelles nécessaires pour pratiquer l’art à un haut niveau. Et lorsque leur talent était enfin reconnu, on attendait des artistes femmes qu’elles peignent des fleurs, car il s’agissait là, après tout, d’« une activité digne d’une dame et véritablement féminine », comme l’écrivait le magazine Ladies’ Treasury dans les années 1850.

Le simple fait de se plonger dans l’époque des Tudors montre déjà que cette exposition n’a pas été une mince affaire. En effet, la vie de ces artistes féminines est insuffisamment documentée : comme la plupart des femmes de l’époque, elles étaient reléguées dans l’ombre de leurs maris et de leurs pères. Susanna Horenbout (1503–1554) fut l’une des premières femmes peintres à se forger une réputation, notamment grâce aux éloges que lui adressa Albrecht Dürer. Elle exerçait principalement la fonction de dame d’honneur au sein du cabinet privé d’Anne de Clèves, la quatrième épouse du roi Henri VIII. Bien qu’aucune œuvre ne lui soit attribuée avec certitude, la Tate expose des portraits miniatures complexes qui pourraient être de sa main.

L’Italienne Artemisia Gentileschi a bénéficié d’une plus grande reconnaissance au siècle suivant. À l’invitation du roi Charles Ier, elle s’est rendue à Londres dans les années 1630, où elle a réalisé des œuvres pour la Collection royale. Son œuvre « Susanna et les anciens » pourrait être la pièce maîtresse de l’exposition, car la biographie de l’artiste, ainsi que le thème et l’histoire du tableau, symbolisent tous la réalité frustrante à laquelle les femmes sont confrontées dans une société patriarcale.

Adolescente, Gentileschi a été violée par Agostino Tassi, un artiste et ami de son père. Bien que celui-ci ait été reconnu coupable, sa peine n’a jamais été exécutée. « Susanna et les anciens » illustre le récit biblique de Susanna se baignant, qui repousse les avances de deux hommes plus âgés et finit par être accusée d’adultère. La représentation que fait Gentileschi de ce récit biblique se distingue fortement du regard masculin porté sur la scène, en montrant une femme effrayée et terrifiée qui se détourne des hommes et tente de se couvrir. Les artistes masculins de l’époque, en revanche, peignaient des images sensuelles d’une Susanna qui ne se défendait que mollement, voire pas du tout, contre ces avances, et dont le torse était presque toujours nu. Le tableau n’a été redécouvert qu’il y a quelques années, dans un état de délabrement avancé, dans un château du sud-ouest de Londres. Il avait été attribué à tort à un artiste masculin et avait fini par être relégué aux oubliettes de l’histoire.

Mais après d’intenses travaux de restauration, le tableau est désormais exposé à la Tate, où de nombreuses anecdotes de ce genre sont racontées dans les panneaux d’information de l’exposition. Ceux-ci sont si instructifs et si bien rédigés qu’on passe facilement plus de temps à lire les textes qu’à regarder les tableaux. L’exposition est tantôt divisée en périodes historiques (« Women at the Tudor Courts »), tantôt en techniques artistiques (« Watercolour »), puis encore en thèmes (« The First Professionals »), ce qui perturbe quelque peu la fluidité de la visite. Avec un travail de recherche aussi considérable, il est sans doute difficile d’accorder la même attention à l’art et à l’histoire.

Le clou de l’exposition est constitué d’œuvres d’art dans lesquelles les femmes illustrent elles-mêmes leur place dans le monde de l’art. Dans son tableau *Nameless and Friendless* (Sans nom et sans amis), datant de 1857, Emily Mary Osborn représente une jeune artiste proposant son œuvre à un marchand sceptique. Sans renommée (nameless) et sans relations (friendless), ses chances sont minces. C’est avec un humour caustique que Florence Claxton abordait le sujet en 1861. Dans son tableau *Woman’s Work, A Medley*, elle représente une maison en ruines dans laquelle plusieurs femmes s’adonnent à leur « travail de femme » : certaines enseignent aux enfants, d’autres fixent d’un regard vide un miroir à main, tandis qu’au milieu de la pièce, d’autres encore divertissent un homme avec de la musique et des lectures. Perchée en haut d’une échelle, on aperçoit l’artiste française Rosa Bonheur, qui a échappé à cette scène animée pour se consacrer à son art. Sous elle, on voit une femme qui tente désespérément de grimper jusqu’à elle.

On sait bien sûr que les femmes créatrices ont également été rabaissées par le patriarcat en Grande-Bretagne. À la Tate, on découvre toutefois sans détour les humiliations quotidiennes auxquelles les artistes féminines étaient confrontées au quotidien. « Salope », c’est ainsi que le docteur Messenger Monsey a traité l’artiste Mary Black lorsqu’elle lui a demandé un honoraire de 25 £ pour réaliser son portrait en 1764 – soit la moitié de ce qu’un artiste masculin aurait demandé.

Deux femmes qui visitent l’exposition à la Tate Britain par un matin ensoleillé poussent un soupir bruyant et secouent la tête en lisant les légendes – une réaction tout à fait justifiée face à de nombreuses œuvres et textes présentés. « Now You See Us » offre un aperçu sans concession du monde de l’art dominé par les hommes et montre à quel point les femmes artistes devaient faire preuve de résilience pour exercer leur métier. Ces réflexions vous accompagneront certainement lors de vos prochaines visites dans d’autres musées et galeries.