Letzte Woche fand an der Universität Luxemburg eine interdisziplinäre Tagung zum Thema „Kunstvermittlung aus der Perspektive von Künstlerresidenzen an Schulen“ statt. Die Referenten berichteten von ihren großen Erfolgen und den noch bestehenden Hindernissen.
In seiner Rede von 1966 anlässlich der Einweihung des Kulturhauses in Amiens stellte André Malraux die Liebe zur Kunst und Kultur der Pädagogik und der Schule gegenüber: „ Die Universität ist dazu da, zu lehren. Wir sind dazu da, die Liebe zu lehren “. Im selben Jahr widersprach der Soziologe Pierre Bourdieu dieser Sichtweise. In seinem gemeinsam mit Alain Darbel verfassten Buch „L’Amour de l’art“ (Die Liebe zur Kunst) stellt er fest, dass „ der Zugang zu den Schätzen der Kunst zwar allen offensteht, den meisten aber faktisch verwehrt bleibt “, und fragt : „&Müssten sie [die „Kunstliebhaber“] nicht dazu prädestiniert sein, die Gnade zu empfangen, um ihr entgegenzugehen und sie zu empfangen?“ Im Jahr 1990 unterstreicht ein Artikel in „Le Monde“ die Ohnmacht der Institutionen, soziale Ungleichheiten im Hinblick auf die Kunst zu beseitigen, da es ihnen nicht gelingt, die „materiellen und symbolischen Barrieren“ , die den Zugang zu den „sogenannten kultivierten Praktiken“ nach wie vor versperren. Der Artikel hebt zudem die Schwierigkeit hervor, die „Last des kulturellen Erbes“ zu verändern.
Die künstlerische und kulturelle Bildung (EAC) erscheint daher als „Wundermittel“, um diese Hindernisse zu überwinden. Einer ihrer Schwerpunkte ist das Künstlerresidenzprogramm an Schulen (das unter dem Akronym „Rams“ zusammengefasst wird). Dieser Aspekt stand im Mittelpunkt des Kolloquiums „Die EAC aus der Perspektive von Rams und des Sprachunterrichts“, das am Mittwoch, dem 27., und Donnerstag, dem 28. März, auf dem Campus Belval stattfand. Diese interdisziplinäre Veranstaltung, die in Zusammenarbeit zwischen der Sommer-Stiftung und dem Masterstudiengang Sekundarschulbildung der Universität Luxemburg organisiert wurde, brachte die Standpunkte von Lehrkräften, Künstler*innen, aber auch von verschiedenen Akteuren aus Kulturinstitutionen der Großregion zusammen. Die 2016 von Pierre Brahms gegründete Sommer-Stiftung hat sich zum Ziel gesetzt, die Selbstbestimmung von Kindern und Jugendlichen durch Kunst und Kultur zu stärken. Der Kulturentwöcklungsplang (KEP) 2018–2028 zählt unter anderem zu seinen Empfehlungen, „der künstlerischen und kulturellen Bildung im Unterricht durch die Förderung eines fächerübergreifenden Ansatzes einen größeren Stellenwert einzuräumen“ sowie die Empfehlung, „die nicht formale künstlerische und kulturelle Bildung stärker zu berücksichtigen, weiterzuentwickeln und zu fördern“.
Angesichts der bereits im Großherzogtum bestehenden Initiativen, wie beispielsweise der kostenlosen Musikausbildung, der verschiedenen künstlerischen Workshops oder auch der Tatsache, dass die meisten Museen des Landes für Jugendliche kostenlos sind, könnte man meinen, dass bereits alles getan wurde und es keinen Grund mehr gibt, sich zu beschweren. Doch Céline Schall zeigt anhand einer 2022 in Esch durchgeführten Studie unter 894 Personen, dass die 15- bis 19-Jährigen – abgesehen vom Kinobesuch – weniger kulturelle Ausflüge unternehmen als früher. Die Kulturwissenschaftlerin an der Universität Luxemburg ist der Ansicht, dass es sich hierbei weniger um einen Trend handelt, der mit dem Alter der Befragten zusammenhängt, sondern vielmehr um einen Generationsunterschied, da sich junge Menschen vor allem auf digitale Freizeitaktivitäten konzentrieren. Die künstlerische Bildung wird nach wie vor als zweitrangig angesehen und leidet unter mangelnder Anerkennung im schulischen Umfeld. Es gibt zu wenige Strukturen, die Verbindungen zwischen der Welt der Kultur und der Schule herstellen. Die Bildungssoziologin Anne Barrère plädiert für Maßnahmen, die eine Abkehr vom klassischen Schulrahmen erfordern, bei dem ein Lehrer vor seinen dreißig Schülern im Klassenzimmer steht. Künstlerresidenzen an Schulen gehören zu diesen Maßnahmen, bei denen Künstler Schüler aller Altersstufen dazu anregen, einen „Schritt zur Seite“ zu machen. Diese Residenzen ermöglichen es, wie die Direktorin der Fondation Sommer, Sandrine Guivarch, erklärt, den Ort der Forschung und des Schaffens der Künstler zu verlagern. In einer teilnehmenden Schule werden zwei oder drei Klassen aktiv in das Projekt „einbezogen“ und führen beispielsweise täglich Übungen zum „gemeinsamen Schreiben“ durch. Andere Klassen werden lediglich „einbezogen“ und führen punktuelle Workshops durch. Im Idealfall wird schließlich die gesamte übrige Schule für die Anwesenheit des Künstlers „sensibilisiert“. Auch wenn die Schüler gerne ein konkretes Endergebnis wie ein Werk, ein Wandgemälde oder ein Theaterstück haben möchten, ist doch der kreative Prozess das Wichtigste. Außerdem wird für die Eltern eine Bilanz erstellt, um die Legitimität eines solchen Projekts zu untermauern. Während einer „Rams“ widmet der Künstler in der Regel zwei Drittel seiner Zeit seinem Projekt und ein Drittel den Schülern. Diese Residenz ist zudem fächerübergreifend angelegt, und alle Lehrkräfte – nicht nur diejenigen aus dem Bereich der Kunst – bringen sich ein.
„Die beiden wesentlichen Aspekte in der Beziehung zwischen Lehrkraft und Künstler sind Sinn und Vertrauen“, fasst Caroline Jeudy, Sportlehrerin am Lycée Vauban, zusammen. Vor zehn Jahren wandte sie sich an Julie Barthélémy, Tänzerin und Choreografin. Das Duo bietet Workshops für zeitgenössischen Tanz an. Die beiden Frauen amüsieren sich über die Parallelen zwischen einer solchen langfristigen Zusammenarbeit und einer ehelichen Beziehung: „ Manchmal, wenn ich unterrichte und Julie nicht da ist, frage ich mich, was sie davon gehalten hätte, was sie selbst getan hätte… “, verrät die Lehrerin. „ Wir achten darauf, dass diese Beziehung nicht toxisch wird “, bemerkt die Tänzerin ironisch. „ Für mich gibt es eine künstlerische Risikozone und für Caroline eine pädagogische Risikozone “, betont sie zudem. Es ist in der Tat unerlässlich, dass sich der Künstler und der Pädagoge erst einmal kennenlernen, bevor sie gemeinsam vor den Schülern stehen. Andernfalls können Egos auf die Probe gestellt werden: Der erste fühlt sich seiner künstlerischen Freiheit beraubt, der zweite hat das Gefühl, die Kontrolle über seine Klasse zu verlieren. Julie Barthélemy, die nicht nur mit Caroline Jeudy zusammenarbeitet, hat manchmal den Eindruck, dass die Schule zu viel von ihrer Mitwirkung erwartet: „Ich bin keine Trainerin!“, erinnert sie. Lehrkräfte müssen auch lernen, ihren Schülern freien Ausdruck zu gewähren, wie die Erfahrung der französisch-luxemburgischen Theater- und Bildende-Kunst-Gruppe Eddi van Tsui zeigt. Das Kollektiv führte im Rahmen der Ausstellung „Esch-Mars“ eine Bürgerdebatte durch und befragte dazu Kinder ab acht Jahren zu ihrem idealen politischen System. Eines der Mitglieder des Kollektivs, die Regisseurin und bildende Künstlerin Sandy Flinto, betont, dass Lehrer nicht zu sehr mit ihrer Erwachsenenperspektive eingreifen sollten, da sie sonst die Fantasie ihrer Schüler einschränken könnten.
Es ist zudem schwierig, Projekte zu bewerten, bei denen die Kreativität von Kindern und Jugendlichen eine so große Rolle spielt. Die Autorin und Französischlehrerin am Lycée Hubert Clement in Esch-sur-Alzette, Alexandra Fixmer, gibt zu: „ Es ist mir unmöglich, die Arbeiten meiner Schüler zu benoten “. Im Jahr 2010 leitete die Schriftstellerin den Poesie-Workshop am Jungen-Gymnasium in Luxemburg und veröffentlichte die Anthologie ihrer Gedichte: „Citron vers. „Poèmes pressés“. Nachdem sie den Schriftsteller Lambert Schlechter gebeten hatte, das Vorwort zu diesem Band zu verfassen, kam ihr die Idee, Dichter und Schriftsteller an das Gymnasium einzuladen, „ um bei den Jugendlichen die Lust am Schreiben zu wecken “. Auf die Frage nach der Originalität der von ihren Schülern eingereichten Texte, in denen diese gelegentlich auf Klischees in Bezug auf Handlung oder Figuren zurückgreifen, zieht Fixmer den Begriff „Authentizität“ vor, den sie vor allem in der Poesie wiederfindet: „ Das ist ein echter Freiraum. Am interessantesten ist es, wenn es aus dem Ruder läuft, wenn es über die Vorgaben hinausgeht “. Die Erstellung eines Gemeinschaftswerks ermöglicht es den Jugendlichen zudem, sich der Realität des oft idealisierten Schriftstellerberufs bewusst zu werden. Die Schriftstellerin Claudine Muno berichtet: „Anfangs halten uns die Kinder ein bisschen für Zauberer, dann verstehen sie aber, dass man ein Buch schreibt, indem man jeden Tag daran arbeitet.“ Ian De Toffoli, Forscher, Romanautor, Kritiker und vor allem Dramatiker, ist ebenfalls der Ansicht, dass Einsätze an Schulen dazu beitragen, den Beruf des Schriftstellers zu entmystifizieren. Stolz auf das zu sein, was man geschrieben hat, bedeutet laut Tullio Forgiarini, Autor unter anderem von „La Ballade de Lucienne Jourdain“, auch, die Bedeutung der französischen Sprache zu verstehen und somit einen Sinn darin zu finden, die mühsamen Grammatikregeln zu lernen. Auch die Autoren profitieren davon. Muno, beeindruckt vom Stil einer ihrer Schülerinnen, ließ sich davon inspirieren. Forgiarini schätzt die unverblümte Sprache, die manche verwenden, was zu Absätzen führt, die sehr authentisch klingen, während De Toffoli von ihren Bemühungen, an Stil und Techniken zu arbeiten, bewegt ist. Begeistert erklärt er: „Das ist der ganze Reiz, ich würde sogar sagen, der Genuss des Textes.“
Zum Abschluss der interdisziplinären Veranstaltung, die sie gemeinsam mit Sandrine Guivarch organisiert hat, betont Tonia Raus, Assistenzprofessorin für französische Sprache und Literatur sowie deren Didaktik, betont, dass Veränderungen in der Art des Unterrichts bereits spürbar sind und dass die Komplementarität zwischen Künstler und Lehrkraft angenommen werden muss, um diese Begegnungen zu „sozialen Neuerfindungen“ zu machen. Neben dem schulischen Umfeld finden solche Begegnungen auch zwischen Künstlern und Wissenschaftlern statt. Dies gilt beispielsweise für die Brüder Godinho und Giovanni Zazzerra, die im Rahmen einer künftigen Tanzaufführung zum Thema Erinnerung und Demenz – „Labyrinth“ – eine Woche an der Universität Luxemburg verbrachten und ihre Zeit zwischen dem Austausch mit den Forschern und ihrem Projekt aufteilten. Es ist nicht das erste Mal, dass das Labor mit Künstlern zusammenarbeitet; der Verein Art2Cure hat bereits Kunstwerke ausgestellt, um Spenden für die Forschung zu neurodegenerativen Erkrankungen zu sammeln. Zehn riesige Gehirne von „Mind the Brain“, von denen jedes eine Krankheit veranschaulichte, hatten 2019 die Stadt Esch bevölkert, um das zehnjährige Jubiläum der biomedizinischen Forschung zu feiern. Angesichts der faszinierenden Komplexität des Gehirns und seiner Synapsen erklärt der Regisseur Fabio Godinho, er habe Poesie, Empathie, Fantasie und Ungewissheit zurückbringen wollen. Eine Unsicherheit, die laut dem Tänzer und Choreografen Giovanni Zazzera auch von den Wissenschaftlern geteilt wird. „Auch sie akzeptieren die Unsicherheit, sie haben die Ehrlichkeit zuzugeben, dass sie es nicht wissen.“ Die Künstler bringen ihre eigene Sichtweise ein, so wie Marco Godinho angesichts einer wissenschaftlichen Karte, die er nicht entziffern kann: „Ich habe mir eine Geschichte ausgedacht, die nichts damit zu tun hat …“, verrät er lachend. Auch wenn, wie der Maler und Bildhauer Jean Dubuffet sagte, „die Kunst sich nicht in die Betten legt, die man für sie gemacht hat“, bleibt sie doch ein willkommener Gast.
