Stock „Eine intellektuelle und künstlerische Verschwendung“. Carole Lorang, die Direktorin des Escher Theaters, sorgt für Aufruhr, indem sie auf die (Fehl-)Funktionsweise des Theaters in Luxemburg hinweist: Produktionen, die im Rhythmus von sechs Wochen Probenzeit auf nur drei bis vier Aufführungen folgen, was manche Schauspieler zu der Aussage veranlasst: „Wir spielen nur zehn Prozent der Zeit: Das ist ein Land der Proben.“ Ein Wettlauf, den niemand mehr will und der die Künstler, die Institutionen, die sie programmieren, sowie die materiellen Ressourcen (zum Beispiel für Bühnenbild und Kostüme) erschöpft. Für freischaffende Künstler und Techniker ist dieser Marathon angesichts der üblichen Vergütungen jedoch unverzichtbar, um von ihrem Beruf leben zu können. Die Themen der beiden Podiumsdiskussionen, die am Montag im Rahmen der Branchentagung zum Theater organisiert wurden – Nachhaltigkeit und Umweltverantwortung einerseits, Arbeitsbedingungen andererseits – sind daher miteinander verflochten und bilden ein Knäuel, aus dem es schwerfällt, den ersten Faden zu ziehen.
„Was den Umweltschutz und die Arbeitsbedingungen angeht, könnten wir so weitermachen wie bisher – bis wir gegen die Wand fahren“, betont der Regisseur Stéphane Ghislain-Roussel, der der Arbeitsgruppe zu diesem Thema bei der Theater Federatioun angehört. Er ist der Ansicht, dass jede Phase der Produktion im Hinblick auf Verantwortung und Ressourcenschonung durchdacht werden muss. Dazu gehören Überlegungen zu Materialien, Energie, Mobilität des Publikums und der Künstler sowie zu den Kommunikationskanälen… Die Arbeitsgruppe hofft, einen Verhaltenskodex für ökologische Verantwortung auszuarbeiten, „ eine langfristige Aufgabe, die das Engagement aller sowie des Ministeriums und internationaler Experten erfordert “, fügt der Regisseur hinzu und nennt dabei die Bemühungen des Opernfestivals von Aix-en-Provence als Beispiel.
Um dieser vergänglichen Kunstform, dem Theater, Nachhaltigkeit zu verleihen, braucht es mehr Kompetenzen und mehr Räume, betont die freiberufliche Bühnenbildnerin und Kostümbildnerin Peggy Wurth: „ Schon bei der Konzeption von Kostümen und Bühnenbildern muss man daran denken, wie man sie wiederverwenden, recyceln und lagern kann. Das sind Einschränkungen, die zu mehr Kreativität zwingen, und das lässt sich lernen. “ Über die Frage der Lagerung und die Schaffung eines Bestands, der die verschiedenen Produktionen versorgen würde, wird derzeit nachgedacht. Bühnenbilder, Requisiten, Perücken, Kostüme, aber auch technische Ausrüstung könnten dort gelagert werden, „unter guten Bedingungen hinsichtlich Konservierung, Archivierung und Zugänglichkeit“, plädiert Peggy Wurth. Am Ende des Vormittags kündigte Kulturministerin Sam Tanson (déi Gréng) an, dass sie erwäge, das Schuman-Gebäude für diesen Zweck zu nutzen. Bislang wurden jedoch weder ein Projekt noch ein Termin noch eine verantwortliche Person genannt.
Für die Künstler ist das Repertoire ihr Gedächtnis, ihre Erfahrung, ihr Repertoire, ihre Kultur. „Wir produzieren viel zu viel und hetzen von einem Stück zum nächsten“, kritisiert Carole Lorang, der sich alle anderen Teilnehmer gerne anschließen. Deshalb hat sie sich dafür entschieden, regelmäßig Wiederaufnahmen von Stücken zu programmieren, die bereits vor mehreren Spielzeiten uraufgeführt wurden – überarbeitet und angepasst. Damit möchte sie ein Repertoire schaffen, das sowohl materielle – durch die Wiederverwendung von Bühnenbildern und Kostümen – als auch intellektuelle Nachhaltigkeit ermöglicht – indem sie den Schauspielern die Möglichkeit gibt, eine Rolle mehrmals im Abstand von mehreren Jahren zu spielen und sich so tiefer in die Figuren hineinzuversetzen. „Auf das Repertoire zurückzugreifen ist eine Möglichkeit, die Lebensdauer der Stücke zu verlängern“, fügt Nathalie Jacoby, Direktorin des Nationalen Literaturzentrums in Mersch (CNL), hinzu, die eine „literarische Amnesie“ in Bezug auf luxemburgische Theaterstücke befürchtet: „ Ein Stück, das vor zehn Jahren aufgeführt wurde, existiert nur noch in der Erinnerung der Zuschauer, die es gesehen haben. “ „Angesichts der Veränderungen in der luxemburgischen Gesellschaft, der Neuankömmlinge und der jungen Menschen gibt es Raum für Wiederaufnahmen und Tourneen“, betont die Leiterin des Escher Theaters. Die Idee fester Ensembles oder Theatergruppen (wie es in Deutschland der Fall ist) wurde jedoch von allen Beteiligten verworfen, die darin mehr Einschränkungen als Vorteile sehen.
Inflation Die hektische Geschäftstätigkeit und das rasante Tempo, denen die gesamte Branche ausgesetzt ist, stehen im Fokus der Kritik. „Niemand lässt sich freiwillig auf diese Flut von Produktionen ein, aber für viele von uns ist es eine finanzielle Notwendigkeit“, erinnert Sophie Langevin, Schauspielerin und Regisseurin sowie Vorsitzende des Vereins Actors.lu. „Um eine Überproduktion zu vermeiden, müssen die Künstler besser bezahlt werden.“ Damit wird der Aspro (Luxemburgischer Verband der darstellenden Künste) angesprochen, der eine Tabelle mit Tarifempfehlungen für die verschiedenen Berufe der darstellenden Künste erstellt hat, die der Schauspieler Konstantin Rommelfangen vorgestellt hat. Der Stundenlohn liegt kaum über dem qualifizierten Mindestlohn, was mit mehreren Pausen zwischen zwei Produktionen begründet wird. Dieser Stundenlohn von 25 Euro gilt für alle Berufe gleichermaßen; Friseur, Lichttechniker oder Regisseur unterscheiden sich lediglich durch die Dauer ihres Engagements für ein Stück. Lediglich Erfahrung und Dienstalter sorgen für ein höheres Einkommen, was der Aspro bereits den Vorwurf einer „Beamtenmentalität“ eingebracht hat.
Diese Empfehlungen werfen viele Fragen auf: Was ist zu tun, wenn eine Person zwei Aufgaben wahrnimmt (Ton und Licht, Kostüme und Bühnenbild …), ab wann ist die Betriebszugehörigkeit zu berechnen (das erste Stück, die Mitgliedschaft bei der Sozialversicherung …), wie sind Ruhezeiten zu berücksichtigen … Aber sie haben den Vorteil, dass sie das Berufsglossar klarstellen und die Institutionen durch die Einleitung eines kritischen Dialogs in die Pflicht nehmen. „Das ist eine Zeitbombe“, sagt die Regisseurin Anne Simon. „In diesem Dokument bringen die Künstler zum Ausdruck, was sie brauchen, um mit ihrer Arbeit ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Nun ist es an den Institutionen, den Theatern und den Kulturzentren, zu prüfen, wie sie ihre Arbeitsweise und ihre Produktionsabläufe anpassen können, um diese Gehälter zu bezahlen. Letztendlich wird es Aufgabe der Politik und der öffentlichen Stellen sein, darauf zu reagieren. “ Nach den von der Aspro berechneten Beispielen würde eine Theaterproduktion mit sieben Schauspielern, einer auf drei Wochen verkürzten Probenphase und fünf Vorstellungen rund 150.000 Euro kosten – eine Summe, mit der kleine Theater zwei, höchstens drei Produktionen pro Jahr finanzieren könnten. „Die vorgeschlagenen Tarife sind für manche Einrichtungen sowohl zu hoch als auch zu niedrig, um von zwei Produktionen pro Jahr leben zu können“, meint ein Beobachter der Szene. „Unser Ziel ist es nicht, weniger zu arbeiten, sondern anders zu arbeiten“, betont Anne Simon erneut. Sie hofft, sich in langfristige Projekte einbringen zu können, die mehrere Monate oder sogar mehrere Jahre dauern. „Die Pandemie hat uns Zeit gegeben, nachzudenken und uns Fragen zu unseren Aufgaben und unserer gesellschaftlichen Rolle zu stellen. Wir müssen kritisch sein können, Intellektuelle sein und uns die Mittel verschaffen, um unverzichtbar zu sein.“ Diese langfristige Arbeit bedeutet nicht, sich während dieser ganzen Zeit vom Publikum abzuschotten. Sie möchte daher „Schaffensphasen, Forschungsfragmente und Experimente präsentieren, um mit dem Publikum in einen Dialog zu treten, …“ Dem stimmt Stéphane Ghislain-Roussel zu und betont die Bedeutung von Performances und leichten Formen, die nicht unbedingt mit großem Bühnenbild und aufwendiger Inszenierung einhergehen müssen. „Wenn man sich mehr Zeit für den Schaffensprozess nehmen kann, kann man auch öfter auftreten, denn die Aufführung wird besser, ausgereifter und eindringlicher sein“, fügt er hinzu und vertritt die Ansicht, dass eine Mindestanzahl an Vorstellungen vorgeschrieben werden sollte. Weniger Produktionen erfordern eine strengere Auswahl und bedeuten für das Publikum qualitativ hochwertigere Vorstellungen.
Publikum Die geringe Anzahl an Aufführungen der Stücke hänge mit dem begrenzten Publikum zusammen – dieses Argument wird immer wieder vorgebracht. Zwar ist das Land klein und das potenzielle Publikum nicht unbedingt so mehrsprachig wie die Produktionen, doch vor allem mangelt es schmerzlich an Fachkräften für Vermittlung und Kommunikation. Tom Leick-Burns, der Direktor der Théâtres de la Ville de Luxembourg, die mit einem Jahresbudget von 1,8 Millionen Euro zu den am besten ausgestatteten Einrichtungen zählen, stellt fest: „In den letzten zehn oder zwanzig Jahren haben die Künstler eine sehr große und schöne Entwicklung durchlaufen und sich zunehmend professionalisiert. Jetzt müssen die Institutionen diesem Trend folgen und die Fachkräfte sowie die Kompetenzen gewinnen, um noch weiter voranzukommen. “ Viele Einrichtungen arbeiten mit nur einem (wenn überhaupt) Kommunikationsbeauftragten, der für Presse, Publikum und Schulen zuständig ist, und zudem arbeiten die kleinen „privaten“ Theater mit einer weitgehend ehrenamtlichen Verwaltung und begrenzten Mitteln.
Unter diesem neuen Publikum, das es zu gewinnen gilt, stehen insbesondere die „Netflix-Generation“ (um nicht von den Millennials zu sprechen) und die nachfolgenden Generationen im Fokus. „Was die Mittel und das Know-how zur Kundengewinnung, -entwicklung, -bindung, -analyse und -betreuung angeht, stecken wir noch in der Steinzeit. Wer kann schon glauben, dass ein Plakat an einer Bushaltestelle ausreicht, um junge Menschen anzulocken?“, fragt Stéphane Ghislain-Roussel. Das betrifft die Programmauswahl, die Kommunikationsmittel, aber auch das Verhältnis zur Schule und zur Bildung. Ein Glied in der Kette, das zu fehlen scheint: „Es gibt eine starke Nachfrage seitens der Grundschullehrer, und diese Vorstellungen haben keine Schwierigkeiten, ihr Publikum zu finden. Bei den Älteren hingegen hängt es vom guten Willen der Gymnasiallehrer ab, die nicht verpflichtet sind, ihre Schüler ins Theater oder zur Kultur im Allgemeinen zu führen“, beklagen mehrere Schulleiter.
Im Rahmen dieser Vormittagsveranstaltung wurden tiefgreifende und strukturelle Fragen zur Stellung und zum Status der Kultur im Allgemeinen und des Theaters im Besonderen aufgeworfen. Dieser Austausch ist nur ein Ausgangspunkt, und wie Sam Tanson einräumte, gibt es für ihn „noch Hausaufgaben zu erledigen“&: die Investitionen des Kulturministeriums in den chronisch unterfinanzierten Theaterbereich zu verbessern oder Fortschritte bei der Umnutzung der Villa Louvigny als Plattform für kreatives Schaffen und Begegnungen mit dem Publikum sowie des Robert-Schuman-Gebäudes zu erzielen. Die Dynamik ist in Gang gekommen, die Hoffnungen sind groß – es wäre sehr bedauerlich, sie jetzt zu dämpfen.
