„ Es gab diesen entscheidenden Moment: die Entdeckung von „Kid A“. Ich erinnere mich, wie ich das Album gekauft und es immer wieder angehört habe, völlig verblüfft und beeindruckt, und mich ständig gefragt habe: Wie haben sie das nur geschafft? Wie haben sie es geschafft, Elektro und Rock so organisch und fließend zu verbinden ? “ Samuel Reinard erinnert sich an das, was man heute – in unserer Welt, in der ein immer größerer Teil unseres Wortschatzes anglisiert wird – als „Trigger“ bezeichnen würde. Das Anhören dieses Radiohead-Albums weckte in ihm den Wunsch, nicht, es nachzuahmen – „das war unmöglich“ –, sondern zu verstehen, wie um alles in der Welt sie das geschafft hatten, um sich davon inspirieren zu lassen, diese damals noch unnatürlich anmutende Verbindung nachzuahmen, die den Grundstein für einen echten Paradigmenwechsel in der Musiklandschaft zu Beginn des Jahrtausends legen sollte, um ihre Funktionsweise zu ergründen und sie in das musikalische Universum der zwei, später drei kreativen Köpfe dessen zu übertragen, was später Hal Flavin werden sollte.
Während Samuel Reinard sich bemüht, herauszufinden, wie man Gitarren mit „Playable Electronics“ kombinieren kann, entdeckt Marc Clement, wie er seine Stimme verzerren kann – und das zu einer Zeit, als es Melodyne und Autotune noch nicht oder kaum gab : Mithilfe jenes Tools, das die Stimmen von Zeugen in Radioberichten über Gerichtsverfahren unkenntlich macht, lernt der Sänger, den etwas „Mickey-Mouse“-artigen Effekt zu entfernen, wie er sagt, und schafft es, eine zweite Version seiner eigenen Stimme zu erzeugen, mal eine Oktave tiefer, mal eine Quinte höher. Was Mike Koster betrifft, der vor seinem Beitritt zum Duo der Meinung war, dass Elektro-Musik nicht sein Ding sei (er drückt es noch deutlicher aus), zwang ihn die Herausforderung, sich gegen die Synth-Bässe durchzusetzen, dazu, sein Bassspiel neu zu erfinden: Ganz im Gegensatz zu den Klängen, die er in „Soul Season“ – der Stoner-Rock-Band, in der er zuvor spielte – aus seinem Instrument hervorbrachte, stieg er nun in die Höhen auf oder verzerrte seinen Bass.
Die Parallelen zwischen Radiohead und Hal Flavin gehen noch weiter: Die Aufnahmen zu „The Talk“, der EP, die sowohl ihr Meisterwerk als auch ihr Abschiedswerk sein sollte, fanden an Silvester in der Ferienwohnung von Charel Stolz und Jacques Hoffmann statt – inmitten eines, wie Mike Koster sich erinnert, dichten Nebels. Abgeschieden unter dieser Nebelglocke bastelte das Trio drei Tage lang an Computern und Vorverstärkern herum, und zwar „wahrscheinlich, ohne auch nur eine einzige Note zu spielen“, und schließt sich damit den Aussagen einiger Radiohead-Musiker an, die sich an die endlosen Aufnahmen zu „Kid A“ erinnern, als Thom Yorke und Johnny Greenwood, ganz vertieft in die Entdeckung eines neuen Klangkosmos, vergaßen, dass sie ursprünglich in einer Rockband waren. „Man muss zugeben, dass wir uns vielleicht ein wenig verirrt haben“, räumt Reinard ein.
25 Jahre später, als sich Internetnutzer um Tickets (und nebenbei auch um ein paar Haare) für die Termine einer Europa-Tournee von Radiohead rissen, für deren Erwerb man nicht nur unerschöpfliche Geduld und ein Talent beim Ausfüllen von Formularen brauchte, das einem Mitarbeiter des Finanzamts würdig war, sondern auch das, was man gemeinhin als „Glücksfall“ bezeichnet, haben sich die Mitglieder der ehemaligen Band Hal Flavin auf andere Musikprojekte verteilt – man findet zwar Marc an den Synthesizern und („zu selten“, meint Mike Koster) am Gesang bei „Ice in My Eyes“ und Mike Koster am Bass in derselben Band sowie bei „Skreen Brule“ wiederfindet, hat Sam Reinard inzwischen die Leitung von „Ryvage“ übernommen, einem Elektro-Projekt, in dem er neben der Liebe zu Elektro-Sounds auch die konzeptionelle Dimension wiederfindet, die von Anfang an Teil des Hal-Flavin-Abenteuers war.
Alle drei sind sich übrigens einig, dass Hal Flavin „die beste Schule“ (Mike Koster), „die entscheidende Etappe“ (Samuel Reinard) oder auch „das Fundament für alles, was danach kam“ war, auch wenn Reinard sich nach der Erfahrung mit Hal Flavin bestärkt fühlte, die künstlerische, logistische und konzeptionelle Verantwortung für ein ganzes Soloprojekt zu übernehmen, gibt Marc Clement zu, dass er das Bedürfnis hatte, etwas sehr „Anti-Hal-Flavin“ zu machen, und sagt mit der für ihn charakteristischen, manchmal etwas verschmitzten Schüchternheit, dass er zwar nicht sicher sei, ob seine ehemaligen Co-Musiker von dieser Entscheidung sehr begeistert seien, er das Bedürfnis gehabt habe, eine musikalische Position einzunehmen, in der er nicht die künstlerische Vision tragen müsse – und in der er einfach wieder die Freude am Musizieren finden könne. Zusammenfassend lässt sich sagen: Während Marc Clement froh war, sich ein wenig von der Last der Verantwortung zu befreien, war Sam Reinard bereit, noch mehr davon zu schultern, und dieser gegensätzliche Umgang mit ihrer Karriere nach Hal-Flavin zeugt vielleicht nicht von gegensätzlichen Persönlichkeiten – man ist weit entfernt von Dinosaur Jr., deren Mitglieder nicht miteinander sprechen, obwohl sie immer noch in der Band spielen –, sondern von sich ergänzenden Persönlichkeiten, die auch den Ursprung des Projekts bildeten.
Ein kleiner Rückblick auf die Anfänge von Hal Flavin: Während Marc Clement in London studierte, verbrachte Sam Reinard seine Studienzeit in Paris. Die beiden besuchten sich gegenseitig, um gemeinsam die Museen der beiden Hauptstädte zu erkunden, und kamen schnell ins Gespräch über Musik – und schließlich dazu, selbst Musik zu machen. Aus dieser Freundschaft entstanden erste Kompositionen, die im Rahmen ihres Engagements im Theaterkollektiv ILL entstanden; von dort stammt auch ihre Vorliebe für die künstlerische, konzeptuelle Seite ihrer Musik, die sie auch dann beibehielten, als aus Mousse 20 (der ursprüngliche Name des Projekts) zu Hal Flavin geworden ist, die Musik sich von ihrem eher dekorativen Kontext als Soundtrack gelöst hat und man nach einem kurzen Gastspiel am Bass von Cédric „ Tchiggy “ Czaika am Bass, Mike Koster hinzukam; das Trio wurde später für seine Live-Besetzung durch Aloyse Weiler und anschließend durch Thomas Copier am Schlagzeug vervollständigt.
Dieser Wunsch, dass ihre Musik nicht nur im Dienste eines Theaterstücks oder einer Ausstellung stehen soll, rührt auch daher, dass sie nicht hinter ihren Computerbildschirmen bleiben wollen, die Idee der „Bedroom Music“, die einst das Bild junger Männer und Frauen, die auf ihrer Gitarre klimpern, durch das von Geeks ersetzt hatte, deren Gesichter im bläulichen Schein eines Computerbildschirms badeten. Damals waren die Mittel noch recht rudimentär, um Musik zu schreiben, die die Beziehung zwischen Mensch und Maschine thematisiert. Wir befinden uns in einer Zeit, in der Bands wie The Strokes, The Libertines oder Bloc Party – vielleicht zum letzten Mal – die klassische Konstellation der Indie-Rockband zelebrieren. Sie freuten sich, Unterstützung bei der Kufa zu finden, wo Flappi (von den Kufa DIY Recording Studios) ihnen neue Musikprogramme zeigte. Reinard ergänzt die Erinnerungen von Marc Clement, indem er in ihre Galerie wertvoller Helfer Pierre Banchi, bei dem sie in Paris aufnahmen, inmitten von Computern, aus denen Geräusche wie von einer Kaffeemaschine drangen, und bei dem sie stundenlang Samples zerschnitten und bereits damals eine bedingungslose Liebe zu Field Recordings teilten.
Neben der Unterstützung durch diese Pioniere des technischen Tüftelns gab es auch music:LX, von dem sie – ebenso wie Monophona, mit denen sie häufig auftraten – zu den allerersten Nutzern gehörten. Zu den eindrücklichsten Erinnerungen zählen ihre letzten gemeinsamen Konzerte in Frankreich mit Monophona, bei denen neben der Freude darüber, das Set ihrer Band bis zur Perfektion ausgefeilt zu haben, eine Nostalgie, die ihrer Zeit vorausging, da beide Bands am Ende ihres Weges angelangt waren, sowie eine gewisse Uneinigkeit darüber, wie wahr die Aussagen des jeweils anderen waren. Als Marc ein Essen mit Schinken in Kruste und Austern in Brest in Anwesenheit von Patrice Hourbette erwähnt und eine Anekdote zu diesem Abendessen erzählt, unterbricht Sam ihn schroff mit den Worten „Nein“. Marc greift dieses „Nein“ dann wieder auf, als würde er erkennen, dass er sich etwas ausdenkt, dass es weder so noch unbedingt in derselben Stadt stattgefunden hat, wobei sich beide jedoch auf den Schinken in Kruste und die Austern einigen – den kleinsten gemeinsamen Nenner ihrer Erinnerungen, an den sich Sam vor allem wegen der darauf folgenden Magenbeschwerden erinnert.
Und die vielleicht auch damit zusammenhingen – wer weiß –, dass wir bereits wussten, dass es das Ende der Band war : „&Warst du schon mal in einer Beziehung, die nicht mehr funktioniert und von der du weißt – auch wenn es unendlich traurig ist –, dass es nur noch die Trennung gibt? Na genau “, bemerkt Mike Koster lakonisch, während Marc Clement „ die Komplexitäten hinter den Plattitüden in Pressemitteilungen, in denen von künstlerischen und persönlichen Differenzen die Rede ist “, anspricht. Sam Reinard erinnert sich seinerseits daran, dass jeder die Band in unterschiedliche Richtungen weiterentwickeln wollte – dass aber in einer Band mit der Besetzung von Hal Flavin nicht alles machbar war.
Wenn es um unvergessliche Konzerte geht, erwähnt Reinard auch die Reisen nach England und zurück, von denen einige im DIY-Stil organisiert wurden, wobei die Idee – die Sam Reinard nach wie vor gefällt – darin bestand, alles aus den (mageren) Einnahmen aus dem Merchandise-Verkauf zu finanzieren und sich damit durchzuschlagen, während andere staatliche Fördermittel über music:LX erhielten. „Wir haben außergewöhnliche musikalische Erlebnisse gehabt, wie zum Beispiel, als uns Leute zu einem Festival in ihrem Garten eingeladen haben. Dort haben wir mit The Joy Formidable gespielt, die damals noch niemand kannte. Aber wir haben auch katastrophale Momente erlebt.“ Und Marc Clement fügt hinzu: „Wie dieses Konzert, das wir im Rahmen einer Hochzeit gegeben haben, obwohl das Brautpaar gar nicht wusste, dass wir spielen würden, und wir alles andere als sicher waren, ob wir dort willkommen sein würden. Am Ende des Konzerts gingen wir die Treppe eines alten, an den Saal angrenzenden Gebäudes hinunter, und eine Frau kam die Treppe hinauf, um uns entgegenzukommen. Sie warf sich auf mich und machte sehr deutlich, dass sie wollte, dass ich sie küsse. Nur dass der Ehemann unten an der Treppe auf uns wartete, der von den Absichten seiner Frau überhaupt nichts wusste und sichtlich nicht begeistert war. “ Schließlich gelang es Mike Koster, allen zu erklären, dass Marc sich nicht mit dem irischen Groupie küssen würde, und das Trio konnte eine Schlägerei gerade noch so vermeiden.
Es folgten weitere unvergessliche Konzerte: das „Italia Wave“ mit Placebo oder das „Primavera“ in Barcelona – große Festivals, bei denen „der Druck einerseits höher ist – weil man in der Liga der Großen spielt – und andererseits geringer: die Leute fahren danach wieder weg, man sieht sie nie wieder und sagt sich, dass es ihnen entweder gefallen hat oder eben nicht “, erklärt Reinard, als ob sich die geografische Distanz in einer emotionalen Distanz niederschlagen würde, als ob mit dem sich entfernenden Erwartungshorizont auch die Angst vor der Beurteilung nachlassen würde. Mike Koster erinnert sich an ein Konzert im „Chapeau Rouge“ in Prag, wo die Band während einer „Zombie-Night“ im Keller eines Weinguts auftritt. Als er das Plakat sieht, auf dem der Eintrittspreis steht, denkt er sich zunächst, dass es ein gewagtes Unterfangen ist, den Leuten eine Band in Rechnung zu stellen, die sie überhaupt nicht kennen – und doch ist das Publikum zahlreich erschienen.
Damals gelang es der Band zwar, Arbeit und Musik unter einen Hut zu bringen – „ ich nahm mir immer frei, um im Ausland aufzutreten “, erklärt Koster –, so geschah dies auf Kosten von logistischen Verrenkungen und Kunststücken, die manchmal sehr riskant und immer kräftezehrend waren: Reinard erinnert sich an ein Konzert in London, bei dem er und Koster bereits am Vortag mit dem Transporter losfuhren und den Tontechniker Reinards Auto abholen ließen, der die Fahrt über Nacht zurücklegte, während Clement erst am selben Morgen einen Flug nahm. „Wir kamen alle gerade noch rechtzeitig zum Soundcheck an, spielten und machten uns direkt danach wieder auf den Weg – und das alles, um die Strecke zwei Tage später noch einmal zurückzulegen. Es war auch die jugendliche Energie, die uns durchhalten ließ.“
Und gleichzeitig war es genau diese Lebensweise, die sie sich zu eigen machten – wenn sie schon nicht die irischen Fans umarmen konnten –, genossen sie ihn in vollen Zügen und wollten beispielsweise alle Produktionsschritte einer Platte wie „The Talk“ mitverfolgen, was sie dazu veranlasste, an einem Tag eine Hin- und Rückreise von Luxemburg nach London zu unternehmen, um zu sehen, wie Mike Marsh, der unter anderem das Mastering für Depeche Mode übernommen hatte, dabei vorgehen würde. „Wir haben gesehen, dass auch er das Rad nicht neu erfunden hatte – und dass er bei der Arbeit die Musik sehr, sehr laut hörte“, sagt Reinard. „Aber wir konnten uns die Bänder von Depeche Mode anhören“, fügt Koster hinzu.
Was die Entwicklung der Branche angeht, die die drei Mitglieder von Hal Flavin von ihren verstreuten Standorten aus mit Interesse verfolgen – alle drei sind nach wie vor Teil ihres Ökosystems –, sehen sie diese weniger pessimistisch als andere : „ Die Branche hat sich ebenso wie die Popmusik schon immer parallel zum technologischen Fortschritt weiterentwickelt. Auch wenn Spotify und Co. natürlich eine sehr dunkle Seite haben, gibt es doch auch positive Aspekte “, meint Reinard. Und Clement fasst zusammen: „ Es war noch nie so einfach, Musik aufzunehmen und zu veröffentlichen. Zugegeben, die Branche, wie wir sie vor Jahren kannten, liegt in Trümmern. Aber wenn etwas in Trümmern liegt, bedeutet das auch, dass Trümmerteile herumliegen. Und aus diesen Trümmerteilen lässt sich etwas Schönes schaffen. “ In Japan spricht man von Kintsugi, wenn es darum geht, den Bruch und die Reparatur als Teil der Geschichte des Objekts zu zeigen. Ich bin mir nicht sicher, ob Marc Clement, als er das sagte, bemerkt hat, dass er damit auch gerade über das Trio Hal Flavin gesprochen hatte.
