Die Oper – Gegenstand aller Fragen

Es kann sinnvoll sein, sich mit solchen sehr unterschiedlichen, ja sogar gegensätzlichen, vielleicht sogar extremen Situationen auseinanderzusetzen, um sich ein Bild vom Zustand der Oper im Sommer 2023 zu machen – im Rahmen der Festivals und im Nachgang einer Pandemie, von der sich das kulturelle Leben nur schwer erholt. Man geht davon aus, dass nichts mehr so sein wird wie zuvor; das Publikum kehrt nur zögerlich zurück – mit welchen Mitteln lässt es sich überzeugen, und welche Chancen bestehen, ein breiteres Publikum zu gewinnen? Und all jene zu widerlegen, die bereit sind, die Oper endgültig der Vergangenheit zuzuordnen und fast schon zu entscheiden, dass diese Kunstform ausgedient hat.

Zwei Situationen fallen in diesen Sommermonaten besonders auf. Die eine muss man wohl als grotesk bezeichnen: Ein Dirigent, der beim Puccini-Festival mit verbundenen Augen die Bühne betritt. Nicht, um zu beweisen, dass er seine „La Bohème“ auswendig kennt, sondern um gegen die Inszenierung zu protestieren, die das Paris und seine Jugend von 1830 in den Mai 1968 versetzt hat. Schwer zu sagen, ob er geschummelt hat oder nicht – da seine Augenbinde an einigen Stellen durchscheinend war, hat er jedenfalls jeglichen Blickkontakt zu meinen Musikern unterbunden. Es gibt noch etwas anderes, und seine Geste erwies sich als eher politisch denn ästhetisch. Dieser Alberto Veronesi ist ein Aktivist der extremen Rechten, erhielt natürlich sofort Unterstützung von dieser Seite, wurde aber dennoch entlassen. Die Episode führt uns etwa fünfzig Jahre zurück, als heftig gegen Chéreau gekämpft wurde – man fragt sich, ob die Oper wirklich so unschuldig ist, wie sie scheint, oder ob sie vielleicht eine explosive Kraft bewahrt hat.

Die Geschichte der Inszenierungen über einen Zeitraum von fast einem Jahrhundert zeigt solche Verschiebungen: von den Sängern zu den Dirigenten und von dort zu den Regisseuren (seitdem Theaterleute die Schwelle überschritten haben – hier beispielsweise Brecht in Aix, inszeniert von Ostermeier und der Truppe der Comédie-Française). Doch die andere bemerkenswerte Situation führt zurück nach Bayreuth, zur Eröffnung der Festspiele am vergangenen Dienstag, wo beim neuen „Parsifal“ des amerikanischen Regisseurs Jay Scheib etwa 330 Zuschauer (von insgesamt 2.000) das Bühnenweihfestspiel durch ihre Augmented-Reality-Brillen verfolgten. Sie haben also eine andere Aufführung erlebt, die, wenn man so will, durch solche virtuellen Effekte bereichert wurde. Man sitzt im Festspielhaus, es gibt das, was auf der Bühne geschieht, und dazu kommt noch etwas anderes – man wird sehen, was dabei herauskommt, was man davon hat oder auch nicht; schade für diejenigen, die nicht davon profitieren, ganz im Gegensatz zum eigentlichen Ideal der Wagner-Zuschauergemeinschaft. Nun muss nur noch das Geld für weitere Brillen aufgebracht werden.

Bayreuth geht also in diesem Jahr technologisch neue Wege. Und beweist glücklicherweise nach wie vor die Fähigkeit, in letzter Minute fast sogar die Sänger der Hauptrollen zu ersetzen – wie im Fall der Ausfälle von Stephen Gould, John Lundgren und Joseph Calleja (der vom italienischen Repertoire auf „Tumber Tor“ umsteigen musste). Schuld daran sind die Hitzewelle, Infektionen, die den Ärzten Sorgen bereiten, Engagements in aller Welt – wer weiß schon, was noch alles. Auf jeden Fall eine Infragestellung der Festivals, die nicht mehr jene einzigartigen Momente sind, als die sie ursprünglich gedacht waren. Umso mehr, als die Finanzen zu Koproduktionen zwingen, die nach den Sommerferien anderswo wieder aufgeführt werden. Für viele Menschen ist das eine gute Sache, doch die Festivals verlieren dadurch ihren Status, und es wird ihnen vorgeworfen, dass sie nichts tun, um sich zu erneuern, und sich träge auf die Treue ihres Publikums verlassen.

Ein Festival, das ganz und gar Wagner gewidmet ist – ihm allein und einem begrenzten Repertoire an Werken –, kann nur auf abwechslungsreiche Interpretationen setzen, neue Lesarten, um Aufmerksamkeit und Interesse zu wecken (auch auf die Gefahr hin, diejenigen zu enttäuschen und zu entmutigen, die der Tradition verbunden bleiben, wie jene Freunde des Festivals, die aufgrund ihrer finanziellen Unterstützung als sehr einflussreich gelten). Anderswo greift man auf Uraufführungen zurück, wie in Aix-en-Provence, wo in diesem Jahr „Picture a day like this“ von George Benjamin auf dem Programm steht (siehe auch Seite 17). Eine Kammeroper, die Suche einer Frau, die ihr Kind sterben sah und erfährt, dass es wieder zum Leben erweckt wird, wenn es ihr gelingt, eine glückliche Person zu finden und einen Knopf vom Ärmel ihres Kleidungsstücks zu ergattern. Nach der Begegnung mit Zabella, die ihr die Augen für die Realität öffnet, bleibt das Ende jedoch offen. Mit großem Erfolg, sowohl musikalisch als auch inszenatorisch, befindet man sich in einem Märchen, in einer traumhaften Welt, auf moderne, zeitgenössische Weise. Vor einigen Jahren hatte Warlikowski in München bei der x-ten Wiederaufnahme von „Frau ohne Schatten“ als Einleitung Bilder aus „Marienbad“, dem Film von Alain Resnais, verwendet.

Warlikowski, zweifellos einer der einfallsreichsten und genialsten Regisseure der Gegenwart, inszenierte vor zwei Jahren in Salzburg eine faszinierende „Elektra“; diesen Sommer widmet er sich erneut „Macbeth“ (wobei er wieder mit Asmik Grigorian als Lady Macbeth zusammenarbeitet), und Verdi steht mit „Falstaff“ in der Inszenierung von Marthaler erneut auf dem Programm. Der Schwerpunkt liegt auf den Klassikern aus dem vergangenen Jahrhundert, allerdings in vielversprechenden Inszenierungen, die mit Spannung erwartet werden ; Aix hatte neben George Benjamin sogar „Wozzeck“ ins Programm aufgenommen – oft glaubt man, solche Werke mit voller Zuversicht anbieten zu können.