Hollywood auf dem Prüfstand des „Queer Gaze“

Zu dem 1981 veröffentlichten Essay von Vito Russo, einem berühmten amerikanischen Aktivisten der LGBT-Bewegung, kam ein Dokumentarfilm hinzu, der dessen Titel („Celluloid Closet“) aufgreift. Er knüpft an dessen Vorhaben an, die Art und Weise zu untersuchen, wie Hollywood die Figur des Homosexuellen bzw. der Homosexuellen im Laufe des 20. Jahrhunderts dargestellt hat. Ein lehrreiches und ambitioniertes Vorhaben, wenn auch auf den kalifornischen Produktionsbereich beschränkt. Die Regisseure Rob Epstein und Jeffrey Freedman verbinden verschiedene Disziplinen miteinander und greifen dabei sowohl auf die Semiotik als auch auf die Geschichte des Kinos und seiner Darstellungen, auf Diskurse zur Zensur und auf die Ästhetik zurück. Einer der namhaften Mitwirkenden, der britische Historiker und Theoretiker Richard Dyer, wird in der Cinémathèque de Luxembourg zu Gast sein, um „Celluloid Closet“ im Rahmen des Filmclubs „Queer loox“ und des Pride Month vorzustellen.

Angereichert durch Beiträge von Wissenschaftlern und Erfahrungsberichte von Filmschaffenden – vor allem Drehbuchautoren sowie Schauspielerinnen und Schauspieler aus den betreffenden Filmen – geht „Celluloid Closet“ von der Feststellung aus, dass Schwule in Hollywood-Produktionen nur selten vorkommen und dann oft karikaturistisch dargestellt werden. Wenn sie in den Filmen nicht gänzlich fehlen, werden sie von heterosexuellen Figuren herablassend verspottet. Die Eröffnungssequenz des Films spricht Bände über diese Haltung; darin sieht man Al Jolson, einen großen Broadway-Star, der mit „The Jazz Singer“ (1927) noch berühmter werden sollte, wie er mit großen Augen „Boys will be Boys“ ruft, als er zwei Jungen sieht, die miteinander tanzen. Eine Ausgrenzung im Bereich des Sichtbaren, die im Gegenzug – und wenig überraschend – das Bild einer patriarchalischen, heteronormativen Gesellschaft zeichnet, die fest in ihren Überzeugungen verankert ist und den verschiedenen Formen der Andersartigkeit gegenüber gleichgültig oder verächtlich eingestellt ist. Und in der Schwarze und Homosexuelle mehr oder weniger denselben Rang einnehmen, in einem Wechsel zwischen sozialer Ausgrenzung und Ausgrenzung aus den Medien.

Bis in die 1970er Jahre, als das moralische Gefüge unter dem Einfluss der Bewegungen zur sexuellen Emanzipation und durch das Aufkommen einiger Filme, die sich zum Ziel gesetzt hatten, die Stigmatisierung von Schwulen positiv zu wandeln, Risse zu zeigen begann. Eines der Werke, das dieses neue Paradigma verkörpert, ist „The Boys in the Band“ (1970), das zum ersten Mal ein positives Bild der schwulen Gemeinschaft vermittelt. Zudem handelt es sich um eine Komödie mit Happy End – ein Genre, das mit der Dialektik früherer Produktionen bricht, in denen Homosexuelle entweder die Peiniger („Das Seil“, 1948, von Alfred Hitchcock) oder die vorbestimmten Opfer vorwiegend dramatischer und mitleiderregender Handlungen waren. Die Rolle des Mörders suggeriert die Vorstellung, Homosexualität sei eine psychische Erkrankung (Cruising, 1980, von William Friedkin, der von LGBT-Aktivisten heftig kritisiert wurde, die gegen den Film demonstrierten, auch während der Dreharbeiten). Die Rolle des Opfers hingegen reduziert jeden Schwulen auf einen Zustand der Hilflosigkeit, wie etwa den jungen Plato, der in „Rebel Without a Cause“ (1955) von Nicholas Ray erschossen wird. Sal Mineo, der an der Seite von James Dean die Rolle dieses Teenagers spielte, war übrigens einer der ersten amerikanischen Schauspieler, der sich öffentlich zu seiner Homosexualität bekannte. Wie so oft verschmilzt die Realität mit der Fiktion, und der Schauspieler mit seiner Figur.

Die 1990er Jahre markieren einen Bruch in der Darstellung dieser verfluchten Figur. In Anlehnung an Jean Genet (Un chant d’amour, 1950) und Rainer Werner Fassbinder (insbesondere Querelle, 1982) entstehen die Filme von Todd Haynes (Poison, 1991), Tom Kalin (Swoon, 1992), Gregg Araki (The Living End, 1992) oder auch von Gus Van Sant (My Own Private Idaho, 1991). Zu nennen sind darüber hinaus „Edward II“ (1991), „The Crying Game“ (1992), aber auch „The Wedding Banquet“ (1993) und „The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert (1994) als Beispiele für Filme, die die moralische Kodifizierung der Sexualität untergraben haben, die auf Heterosexualität und Fortpflanzung reduziert wurde, selbst wenn dabei das erotische Vergnügen, das die Spiele des Fleisches bereiten, geleugnet wurde.

Während der Film die Gültigkeit der Norm hinterfragt, versetzt „Celluloid Closet“ den Zuschauer in die Lage des Anderen und lädt ihn dazu ein, ein Gespür für die subtilen homosexuellen Anspielungen zu entwickeln – selbst in Filmen, die dies nicht vorgeben –, und öffnet so unseren Blick für verschlüsselte Lesarten der Realität. Der Zuschauer entdeckt dabei die mehr oder weniger verborgenen Details einer turbulenten Geschichte, die sich zwischen Heimlichkeit und diskreten, metaphorischen Erscheinungsformen bewegt – wie etwa die Penis-Pistolen, die sich Monty Clift und John Ireland in „Red River“ (1948, Hawks) gegenseitig zuwerfen. Nicht zu vergessen die amouröse Dualität zwischen den beiden Protagonisten von „Ben-Hur“ (1960, Wyler) oder jene köstliche und zensierte Szene aus „Spartacus“ (1960, Kubrick), die Tony Curtis beschrieb und in der ein Römer gesteht, „Austern“ ebenso zu lieben wie „Schnecken“. Die Drehbuchautoren und Filmemacher Hollywoods haben großen Einfallsreichtum bewiesen, um die bildlichen Verbote des Hays-Codes zu umgehen.

Es stellt sich auch die Frage nach dem Klischee und dessen beabsichtigten komischen Effekten, bei der die Meinungen und Empfindungen auseinandergehen. Viele bedauern die Stereotypen mit ihren zahlreichen weiblichen Attributen. Ein Gegensatz, der aus der griechischen Kultur stammt und auf folgender Gleichung beruht: Weiblichkeit = Passivität = Unterlegenheit; Männlichkeit = Aktivität = Überlegenheit (sexuell, aber auch sozial und staatsbürgerlich). Selbst die Initiationspraxis der griechischen Päderastie folgte einer solchen symbolischen Aufteilung. Der Schauspieler Harvey Fierstein ist wohl der Einzige, der die Figur der „Tunte“, die Ende der 1920er Jahre entstand, positiv bewertet. Er erklärt dies so: „Ich mag die Tunte, auch wenn es ein negatives Bild ist. Ich setze mich für Sichtbarkeit ein, koste es, was es wolle. Lieber ein negatives Bild als gar kein Bild. Und weil ich selbst eine Tunte bin.“

Es ist jedoch bedauerlich, dass Rob Epstein und Jeffrey Freedman so wenig auf die bemerkenswerten Ausnahmen eingehen, die die „queere“ Christina, gespielt von Garbo in Robert Mamoulians Film (Queen Christina, 1933), oder die Figur von Marlene Dietrich, die in Sternbergs Morocco (1930) auf der Bühne ihre Bisexualität zur Schau stellt. Es wäre sinnvoll gewesen, die Bedingungen, die es diesen bisexuellen und als Transvestiten auftretenden Figuren ermöglichten, im Kino zu entstehen – und zwar in einem Jahrzehnt, das vom Aufstieg des Faschismus und seiner maskulinen Symbole geprägt war –, eingehend zu untersuchen. Denn schon Garbo und Dietrich allein scheinen im Gegenteil die Hollywood-Industrie in ihrer ganzen Komplexität zu offenbaren, die sich nicht auf einen einzigen dogmatischen Ansatz reduzieren lässt, da ihre Produktion so reichhaltig und vielfältig war und letztlich vom Grad der Offenheit ihrer wichtigsten Mitarbeiter abhängt. Doch Nuancen werden, wie wir heute nur zu gut wissen, manchmal gerade von jenen ausgeblendet, die im Namen der demokratischen Inklusion Pluralität und Vielfalt der Standpunkte fordern. Dies verweist „Celluloid Closet“ auf die Widersprüche seines parteiischen Ansatzes.

„Celluloid Closet“, das Vito Russo gewidmet ist, bleibt dennoch ein wegweisender Dokumentarfilm, wie Hélène Walland, Programmgestalterin des 2013 gegründeten Queer-Filmclubs „loox“, betont: „ Dieser Film war der erste in Großbritannien, der sich explizit mit Homosexualität befasste und diese auf fortschrittliche und einfühlsame Weise behandelte. Ihm wird zu einem großen Teil die Liberalisierung der Einstellungen gegenüber Homosexualität in Großbritannien zugeschrieben. “ Zweifellos wird die Anwesenheit von Richard Dyer in Luxemburg, der im französischsprachigen Raum als Autor von „Le star-système hollywoodien“ und „Blanc“ bekannt ist, zum Erfolg der Vorführung beitragen.