Selten gab es bei den Filmfestspielen von Cannes eine Ausgabe, bei der der Wettbewerb so viele Diskussionen auslöste, und nur wenige Spielfilme fanden einhellige Zustimmung. Was die weiblichen Darstellerinnen betrifft, geht der Preis an die beiden Darstellerinnen aus „Soudain“ von Ryusuke Hamaguchi, einem sehr schönen (und sehr langen) Film über die aufkeimende Freundschaft zwischen einer überarbeiteten Leiterin eines Pflegeheims (Virginie Efira) und einer Theaterregisseurin im Krebsstadium IV. Einige Kritiker sprechen von der freundschaftlichen Utopie, die der Film entwarf, als hätte der erbitterte Antikapitalist Mark Fisher die rabelaisische Abtei von Thélème in Besitz genommen, um dort eine foucaultsche Heterotopie zu erschaffen. Andere werfen ihm den offen didaktischen Charakter vor, der dazu führte, dass Mari (Tao Okamoto) in der Mitte des Films einen langen Vortrag über die selbstzerstörerischen Auswirkungen eines Spätkapitalismus hielt, der mit gefräßiger Gleichgültigkeit alle Ressourcen des Planeten – menschliche wie natürliche – verschlingt.
Während manche in Andrej Swjaginzews „Minotaur“ (Grand Prix) – einer Neuinterpretation von Chabrols „Die untreue Frau“, in der ein Unternehmensleiter aufgefordert wird, eine Liste mit vierzehn Mitarbeitern vorzulegen, die zur Unterstützung der Kriegsanstrengungen eingezogen werden sollen – einen Weg findet, Probleme im Zusammenhang mit der Untreue seiner Frau zu lösen – eine erste russische Auseinandersetzung mit dem Krieg in der Ukraine, während andere den Film als inszenatorisch schwerfällig und in seiner Botschaft zu offensichtlich empfanden.
Schließlich wurde gerade „Fjord“, mit dem Cristian Mungiu in den sehr exklusiven und überwiegend männlichen Kreis der Regisseure mit zwei Goldenen Palmen aufgenommen wurde, von der französischen Presse mehr als verhalten aufgenommen. „Les Inrocks“ geht sogar so weit, den Film als den „unwürdigsten“ dieses Wettbewerbs zu bezeichnen, und das alles nur, weil sie in die Falle einer oberflächlichen Interpretation eines Films getappt sind, der uns geschickt in eine trügerische Empathie für diese reaktionäre und streng gläubige Familie lockt, die nach ihrer Ankunft in Norwegen feststellt, dass ihre christlichen Werte und ihre altmodische Erziehung wozu manchmal auch Ohrfeigen oder Prügel gehören, mit einem fortschrittlichen Norwegen konfrontiert werden, das ihnen ohne zu zögern ihre fünf Kinder wegnimmt. Andere wiederum werden den subtilen Mechanismus der Mehrdeutigkeit eines Films erkannt haben, der uns nach den Grenzen unseres Mitgefühls und nach der Gewalt fragt, die unvermeidlich entsteht, wenn ein Wertesystem – so fortschrittlich es auch sein mag – auf Kosten eines anderen durchgesetzt wird.
Diese Unentschlossenheit hat sich in der Preisträgerliste niedergeschlagen, da die Jury ein möglichst breites Spektrum abdecken wollte und damit ins Schwarze traf, als sie sich dafür entschied, Schauspielerduos statt einzelner Darbietungen auszuzeichnen – denn es ist wahr, dass der Erfolg von „Coward“ dem wunderschönen Film von Lukas Dhont über eine queere Liebe, die inmitten der Schützengräben des Ersten Weltkriegs zwischen dem charismatischen Francis (Valentin Campagne), der Kabarettvorstellungen inszeniert und eine Truppe von Soldaten-Schauspielern leitet, die sich als Frauen verkleiden, und Pierre (Emmanuel Macchia), dem schüchternen Bauern – die berührende Darstellung seiner beiden Hauptdarsteller. Die Entscheidung, sowohl Virginie Efira als auch Tao Okamoto auszuzeichnen, war ebenso klug, denn diese beiden (oder vier) Schauspielpreise würdigen den Dialog und den Austausch, anstatt das monolithische Spiel eines (zwar brillanten) Javier Bardem als monströsen, patriarchalischen Regisseur in „El Ser Querido“ von Rodrigo Sorogoyen oder den ebenso beeindruckenden Swann Arlaud, der den Pétain-Anhänger und Urgroßvater des Regisseurs Emmanuel Marre in „Notre Salut“ verkörpert.
Dagegen wirkt dieselbe Jury äußerst unentschlossen, als sie den Preis für die beste Regie sowohl an Pawel Pawlikowski für „Fatherland“ als auch an die beiden Javiers – Ambrossi und Calvo – für „La bola negra“ vergibt. Diese beiden Spielfilme haben, abgesehen von einem kriegerischen und literarischen Hintergrund, semantisch gesehen absolut nichts miteinander zu tun. Pawlikowski erzählt von der Rückkehr Thomas Manns aus dem Exil, der sich 1949 mit dem Selbstmord seines Sohnes Klaus auseinandersetzen und die doppelten Versuche eines in zwei Teile gespaltenen Deutschlands bewältigen muss, sein Werk und seine Person für sich zu vereinnahmen. Der ambitionierte erste Queer-Film des spanischen Duos verwebt drei Geschichten und zwei Epochen rund um ein verschollenes Manuskript von Federico García Lorca. Zudem unterscheiden sich die beiden Beiträge formal stark voneinander: bei Pawlikowski eine beherrschte und monolithische Inszenierung, bei Ambrossi und Calvo eine üppige und fulminante.
Betrachtet man die acht prämierten Filme – „Coward“, „La bola negra“, „Fatherland“, „Minotaur“, „Fjord“, „Soudain“, „Notre salut“ und „L’aventure rêvée“ –, so stellt man fest, dass mehr als die Hälfte davon Kriegsfilme sind, von denen nur „Moulin“ von László Nemes leer ausgeht, diese Allgegenwart in der Preisträgerliste unterstreicht umso mehr einen Wettbewerb, der ohnehin schon im Zeichen der Angst vor der ewigen Wiederkehr stand, in dem die Last der weltweiten Konflikte des vergangenen Jahrhunderts die Furcht widerspiegelt, Europa könnte erneut in Kriege versinken, die bereits überall im Gange sind.
Im Gegensatz zur Transparenz des Films von Zviagintsev, mit dem er den Wunsch teilt, unauffällige Opportunisten zu zeigen – weit entfernt von dem Helden Moulin und dem kollaborierenden Monster Barbie, wie sie von Nemes dargestellt werden –, Emmanuel Marre, der große Favorit einer französischen Presse, die ihn in den Himmel lobte, geht mit dem Preis für das beste Drehbuch nach Hause. „Notre Salut“, sein zweiter Spielfilm, erzählt die Geschichte seines Urgroßvaters, einem begeisterten Pétain-Anhänger, der die Karriereleiter erklimmt – oder vielmehr kopfüber hinunterstürzt – und schließlich, wie ein naives Pendant zu Maximilian Aue in Jonathan Littells „Les Bienveillantes“, in die Logistik der Deportation der Juden verwickelt wird. Marre rekonstruiert den Briefwechsel seiner Urgroßeltern und zeichnet so ein kompromissloses Familienporträt, in dem Henris Ehefrau als Einzige es wagt, den moralischen Niedergang ihres Mannes in feinfühligen, melancholischen und urkomischen Worten zu beschreiben, und dabei das nuancenreiche Porträt eines kleinen Mannes zeichnet, der von Gelegenheit zu Gelegenheit fast wider Willen zum Kollaborateur wird, und zeigt, dass es zwischen Widerstandskämpfern und Verrätern es jene Menschen gab, die aus Überlebenswillen und aus Stolz an der schlimmsten Katastrophe der Menschheit teilnahmen, ohne jemals das Gefühl gehabt zu haben, sich die Hände schmutzig gemacht zu haben.
Das Fehlen des anderen, etwas autobiografisch geprägten Films im Wettbewerb, „Gentle Monster“, der von dem Schock ausgeht, den die Regisseurin Marie Kreutzer erlebte, als sie erfuhr, dass Florian Teichtmeister, einer der Darsteller ihres Films „Corsage“, wegen Besitzes von kinderpornografischem Material angeklagt worden war, spiegelt die geringe Begeisterung der Jurys an der Croisette für Autofiktion wider. Bereits im vergangenen Jahr ging der wunderschöne und poetische Film „Romeria“ von Carla Simon leer aus, und auch in diesem Jahr geht „Amarga Navidad“ (in der französischen Übersetzung „Autofiction“) von Pedro Almodóvar ohne Preis nach Hause. Er befindet sich in guter Gesellschaft: Auch der erhabene „Paper Tiger“ von James Gray, der auf dem Höhepunkt seines Schaffens steht, bleibt erneut unberücksichtigt. Ebenso wie vier der fünf Regisseurinnen: Marie Kreutzer, Jeanne Herry, Charline Bourgeois-Tacquet und Léa Mysius fehlen trotz ihrer Filme, die mit viel Feingefühl von den Problemen handeln, die unsere Demokratien zerfressen (Alkoholismus, Pädophilie …), in der Preisträgerliste. Nur die Deutsche Valeska Griesebach, die für ihren sehr langen und etwas ermüdenden Film „Das geträumte Abenteuer“, der in Bulgarien spielt, in einem kleinen Dorf an der türkischen Grenze spielt und von einer starken Frau handelt, die versucht, eine auf mysteriöse Weise verschwundene Bekannte aus der Patsche zu helfen, rettet die Situation ein wenig, indem sie den Preis der Jury gewinnt. Nach dem phänomenalen Gleichstand zwischen „Sound of Falling“ (Mascha Schilinski) und „Sirat“ (Oliver Laxe) im letzten Jahr ist das wirklich nicht viel.
Ein sicherer Blick
In einer Ausgabe, in der es keine unumstrittenen Meisterwerke gab, standen Park Chan-wook und seine Kollegen vor einer schwierigen Gratwanderung, wie die Vielzahl der ex æquo vergebenen Preise zeigt. Das Gleiche lässt sich jedoch nicht über die Jury unter dem Vorsitz von Leïla Bekhti sagen, die Sandra Wollner zur unangefochtenen Königin von „Un Certain Regard“ gekrönt hat. Mit „Everytime“, einer bewegenden, von Lyrik durchdrungenen Familiengeschichte, hat sich die österreichische Filmemacherin als eine der herausragendsten Entdeckungen dieser Festivalausgabe etabliert und fast einhellige Begeisterung ausgelöst.
Und was die Zuschauer an der Croisette in seinen Bann gezogen hat, ist keineswegs eine kollektive Halluzination: Als Chronik einer Familie, die von unbeschreiblichem Trauerschmerz zerrissen ist, beginnt „Everytime“ wie ein Bildungsroman, bevor er fast unmerklich in eine Geistergeschichte übergeht. Das Ganze wird mit der instinktiven Anmut einer Regisseurin von seltenem Talent gefilmt. Nach einem minimalistischen Auftakt und einem zweiten Akt von großem psychologischem Realismus (der stellenweise an „Aftersun“ von Charlotte Wells erinnert), erreicht Wollner in einem visionären Epilog ihren Höhepunkt, in dem ihre Inszenierung endlich ihren ganzen Anspruch entfaltet. Realität und Fantasie verschmelzen dort zu einer halluzinatorischen Reise, bis hin zu einem Finale von unwirklicher Pracht. Das Kino wird so zu einem utopischen Raum: einem Ort, an dem man in der Zeit zurückreisen, seinen Geistern begegnen und vielleicht die tiefsten Wunden der Seele heilen kann. Maria Sole Colombo
