Das menschliche Dasein in wenigen Bildern

Im September 2023 wurde Gauri Gill im Rahmen einer Feierstunde im Victoria and Albert Museum mit dem bedeutendsten Fotografiepreis für nachhaltige Entwicklung ausgezeichnet. Der 2008 unter dem Vorsitz von Kofi Annan, Friedensnobelpreisträger von 2001, ins Leben gerufene Prix Pictet Human hat zum Ziel, das fotografische Schaffen zu fördern und die Öffentlichkeit für die großen Probleme zu sensibilisieren, mit denen die Menschheit konfrontiert ist: Migrationsströme, Umweltverschmutzung, militärische Konflikte, durch die intensive Ausbeutung der Ressourcen der Erde geschädigte Bevölkerungsgruppen…

Die Fotos von Gauri Gill, der Preisträgerin der Ausgabe 2024, sind ab heute im Cercle Cité zu sehen, zusammen mit denen der zwölf anderen Finalisten. Nach „Consumption“ im Jahr 2014 ist dies bereits das zweite Mal, dass Luxemburg den Prix Pictet Human ausrichtet. Eine Gelegenheit, das Beste aus dem Bereich der Dokumentarfotografie zu entdecken. Gauri Gill lebt in Neu-Delhi, wo die junge Frau ihr Kunststudium begann, das sie zunächst in New York und anschließend in Stanford fortsetzte. Sie erkundet ländliche Schulen in den Wüstenebenen von Rajasthan, einem Bundesstaat im Norden Indiens, der an Pakistan grenzt. Ein Langzeitprojekt, das 1999 begann und bis heute andauert, mit dem Titel „Notes du désert“. Ihre Schwarz-Weiß-Aufnahmen zeugen von der extremen Armut der Bewohner, denen es an allem mangelt und die den heftigen Kontrasten der Jahreszeiten – zwischen Überschwemmungen und schweren Dürreperioden – sowie zahlreichen Epidemien (Tuberkulose, Malaria) direkt ausgesetzt sind. Alles steht hier im Zeichen des Überlebens. Auffällig ist, dass die Kinder vor Gauri Gills Kamera nicht lächeln: Wir sind hier weit entfernt von den bunten Bildern Indiens, die für Westler auf der Suche nach einem alternativen Lebensmodell Gegenstand von Fantasien sind. So auch auf diesem Foto, auf dem uns zwei junge Mädchen unter einem Baum mit ihren tiefen, melancholischen Blicken anstarren. Oder auch der seltsame, aus dem Jenseits kommende Blick dieses jungen Mädchens, das sich in einem Spiegel widerspiegelt, ganz zu schweigen von diesem kleinen Jungen mit ausgebreiteten Armen, verspielt und einladend, wie ein kleiner indischer Christus. Das sind bescheidene, verzauberte Ausnahmen, die einer gnadenlosen Wüste des Todes entrissen wurden.

Die anderen Fotografen, die an der Ausstellung teilnehmen, erweitern diese Weltreise – die, wie so oft, von Leid geprägt ist. Der Einsatz von Schwarz-Weiß-Fotografie dominiert hier und versetzt die Gegenwart in den zeitlosen Rahmen der Wiederholung eines menschlichen Schicksals, das aus Exil, Verfolgung, Hunger und Hoffnung besteht. Ein Zustand der Verlassenheit, der sich in den Landschaften, im Schwarz der Kohle und in den Gesichtern der Bergleute in Oberschlesien im Süden Polens abliest, wo der Kohleabbau nach und nach eingestellt wird. Dort lebt Michal Luczak, der Urheber dieser Aufnahmen. Durch die vielen gegrabenen Stollen schwanken die Häuser und stürzen ein (ähnliche Symptome treten in Lothringen im Kohlebecken zwischen Saint-Avold und Forbach auf). Das beschreibt seinerseits der Fotograf Alessandro Cinque während seines Aufenthalts bei den indigenen Quechua in Peru: wie der Bergbau Böden und Wasser verseucht hat, zum Nachteil der lokalen Bevölkerung und des Viehs, das stirbt.

Anderswo, in der Arktis, schmelzen das Meereis und die Gletscher und brechen ihrerseits zusammen, was die Inuit-Jäger dazu zwingt, ihr traditionelles Land zu verlassen – wie Ragnar Axelsson seit vierzig Jahren dokumentiert. Dort begegnet man dem wehmütigen und nachdenklichen Gesicht eines jungen Mädchens, das im Schnee sitzt und die Situation zu begreifen scheint, aber auch der Auflehnung eines Rentiers, das wenig Lust zu gehen zu haben scheint. Federico Rios Escobar seinerseits begab sich zweimal, im September und Oktober 2022, zum „Darien-Kanal“, einer Meerenge, die Südamerika mit Mittelamerika verbindet. Ein gefährlicher Übergang, an dem sich mitten im Dschungel zahlreiche Migranten versammeln, die vor Elend, Pandemien und dem Klimawandel fliehen. Der Fotograf schildert die Route, die er genommen hat: „Wir sind von einer Küstenstadt in Kolumbien aufgebrochen, durchquerten landwirtschaftliche Betriebe und indigene Gebiete, überquerten den bedrohlichen „Hügel des Todes“ – wo es tödlich enden kann, wenn man sich nachts dort aufhält – und folgten gewundenen Flüssen, um schließlich in Panama in einem von Regierungsbehörden betriebenen Lager anzukommen. Abgesehen von dem Schrecken wurden wir Zeugen unzähliger Akte der Hilfsbereitschaft “.

Die Fotografie trägt stets einen Teil der Realität in sich, den sie zugleich dokumentiert und ästhetisiert, und bietet dem Betrachter so eine intime Erfahrung des Andersseins. Diese ästhetische Erfahrung wird durch die soziale Erfahrung des Künstlers ermöglicht, durch seine vollständige Einbindung in ein bestimmtes Umfeld. Die dokumentarische Erfahrung entspringt somit einer begleitenden Beziehung, was andere klinisch als „Subjekt“ bezeichnen. Daran erinnern uns schmerzlich, ganz in unserer Nähe, die „Kriegschroniken“ (2022), die Gera Artemova seit dem ersten Tag der militärischen Invasion der Ukraine erstellt. In ihrem „visuellen Tagebuch“, dessen Fotos jeweils paarweise erscheinen, verleiht die Fotografin metaphorischen Assoziationen Gestalt, die von der ohrenbetäubenden Präsenz des Krieges geprägt sind. Die Form des Diptychons ist auch diejenige, die Richard Renaldi bevorzugte, um Mensch und Tier harmonisch einander anzunähern.

Die lichtdurchfluteten Porträts von Siân Davey heben sich in der Ausstellung dadurch hervor, dass sie zeigen, wie sich mehrere Generationen einen Garten zu eigen machen – in dem sich nonchalante Teenager, ältere Menschen, die hier neue Kraft tanken, und nackt posierende Frauen abwechseln… Siân Davey greift in Farbe den Mythos des „hortus conclusus“ auf, des paradiesischen Gartens vor dem Sündenfall, der jeder Form schuldbewusster Nacktheit vorausging. Darüber hinaus hat die Fotografin Vasantha Yogananthan im Sommer 2022 – ebenfalls in Farbe – mehrere Kinder aus dem Bundesstaat Louisiana begleitet. Ihre zarten Porträts, die größtenteils während des Spielens entstanden sind, stehen durch ihre Leichtigkeit im Kontrast zur ungewissen Zukunft von New Orleans, einer Stadt, die vom Klimawandel bedroht ist und deren lokales Kulturerbe 2005 nach dem Hurrikan Katrina größtenteils zerstört wurde. Ob Zufall oder nicht: Beide Frauen gehören zu den wenigen Fotografinnen, die sich für die Farbfotografie entschieden haben. Hinzu kommen die seltsamen Masken, die die Bevölkerung der Inseln in der Straße von Hormus entlang der iranischen Küste trägt und die Hoda Hafshar fünf Jahre lang in ihren „Récits de vent“ dokumentiert hat. Diese haben ihren Ursprung in einem alten Glauben an die Existenz bösartiger Winde, die fähig sind, von jemandem Besitz zu ergreifen. Um sich vor diesem unsichtbaren Einfluss zu schützen, übernimmt ein spiritueller Führer die Aufgabe, über den Patienten mit dem Wind zu kommunizieren. Über ihren anthropologischen Wert hinaus sprechen uns diese Fotografien vor allem wegen der Migrationsgeschichte an, die dieser Ritus ans Licht bringt, da er möglicherweise im Zuge des Sklavenhandels von Südostafrika in den Süden des Iran gelangt ist.

Einzigartig sind auch die mit Nadellöchern durchbohrten Fotografien, die, sobald sie beleuchtet werden, den Eindruck einer Konstellation erwecken, die die von Yael Martinez zwischen 2019 und 2023 porträtierten Personen umgibt. Das sind die „Glühwürmchen“, die sich dieser Fotograf ausgedacht hat, der sein Projekt mit der Idee begann, eine Studie über Resilienz daraus zu machen. Jeder Lichtstrahl erhält so eine allegorische Bedeutung und steht dafür, wie Menschen eine negative Situation in positive Energie verwandeln können. Natürlich gibt es noch weitere Bereiche zu entdecken, wie beispielsweise die Momentaufnahmen von Vanessa Winship, die Schulmädchen in Anatolien in ihren Uniformen zeigen. Und auch wenn es schade ist, dass jeder Künstler auf die Ausstellung von nur vier Fotografien beschränkt war, erweist sich der zur Ausstellung gehörende Katalog als unverzichtbar, da er einen umfassenderen Einblick in ihre Arbeiten bietet.