„Sound of Falling (In die Sonne Schauen)“, der zweite Spielfilm der Berliner Regisseurin Mascha Schilinski, gehört zu jener Kategorie von Filmen, die keinen Mittelweg kennen: überbordend und exzessiv, angefangen bei seiner strapaziösen Laufzeit (155 Minuten), die Erzählung erstreckt sich über mehr als ein Jahrhundert Geschichte und verfolgt dabei die Fäden eines komplexen und geheimnisvollen Erzählgefüges. In Schilinskis Filmen ist die Zeit ein formbares, elastisches, durchquerbares Material: während die Kamera dem Zuschauer schwindelerregende Zeitsprünge auferlegt, die zwischen den 1910er Jahren und der Gegenwart hin und her springen, wird die Kohärenz der Erzählung durch eine Einheit des Ortes gewährleistet – ein weitläufiges Anwesen auf dem deutschen Land. Im Mittelpunkt des Films stehen die Leben seiner Bewohner, Generation für Generation, und insbesondere die einiger junger Mädchen, die innerhalb dieser Mauern ihre ersten inneren Zerrissenheiten erlebt haben.
Was dieses ehrgeizige Epos jedoch wirklich zusammenhält – noch vor jeglicher Handlung oder logischem roten Faden –, ist in erster Linie eine Atmosphäre oder vielmehr ein Gefühl. Wäre man gezwungen, in wenigen Worten zu erklären, „wovon“ „Sound of Falling“ in zwei Worten erklären müsste, würde man zweifellos antworten, dass es sich um einen Film über den Todestrieb handelt, diese geheimnisvolle Kraft, die uns von unten zu rufen scheint, wenn wir unser Gesicht über einen Abgrund beugen; die gespenstische Anziehungskraft einer unsichtbaren Schwelle, die eindringlich danach verlangt, überschritten zu werden. Im Zentrum des ästhetischen Vorhabens von Mascha Schilinski steht somit der Versuch, dem, was per Definition ungreifbar, unaussprechlich und unsichtbar bleibt, eine filmische Form zu geben: eine Leere, ein „Jenseits“, eine Abwesenheit von Sinn und Gefühl ; ein Tod, der sich als eine stets präsente Dimension darstellt, auch im Innersten des Lebens.
Einige der eindringlichsten Szenen in „Sound of Falling“ verkörpern diesen fieberhaften, fast tranceartigen oder von Besessenheit geprägten emotionalen Zustand auf besonders lebendige Weise. Während ihr Vater mit einem Mähdrescher das Getreide erntet, stellt sich die Jugendliche Angelika vor, wie sie sich auf den Boden legt und sich den Messern der Maschine hingibt. Vierzig Jahre später fragt sich die kleine Nelly, Angelikas Enkelin, was passieren würde, wenn sie sich der Strömung des Flusses, der am Haus entlangfließt, hingeben und das Wasser in ihre Lungen eindringen lassen würde, bis sie ertrinkt. Beide Sequenzen werden wie reale Handlungen inszeniert. Erst nach einem Moment des Innehaltens, wenn im Saal ohrenbetäubende Stille einkehrt, offenbart uns die Regisseurin, dass das, was wir gesehen haben, nur ein „Was-wäre-wenn“ war, eine Gedankenvorstellung ihrer jungen Figuren. Doch was wir in diesem Moment, in dem alles stillstand, gehört haben, war genau das Geräusch des Sturzes: eine unmerkliche und erschreckende Schwingung, ein hauchdünner Faden, der das Leben eng mit der Möglichkeit des Todes verknüpft.
Getreu seinem Titel ist „Sound of Falling“ somit ein Film, der sich obsessiv mit seiner akustischen Dimension auseinandersetzt: Dank einer technischen Meisterschaft, die an Virtuosität grenzt, überlagert die Regisseurin Stimmen und Geräusche und schafft so eine Art klangliche Tiefenschärfe. Die Echos vergangener Leben und Generationen spuken weiterhin in der Gegenwart herum, wie ektoplasmische Störungen. Die akustische Textur der Erzählung harmoniert zudem auf bemerkenswerte Weise mit ihrer visuellen Textur: In diesen Momenten des Pathos und der Stille kann der Zuschauer das kaum hörbare Knacken des Films wahrnehmen, genau so, wie die Leinwand das Flackern des Lichts wiedergibt, das auf die Filmemulsion belichtet wurde. Schilinski gelingt es so, das klangliche Äquivalent der Körnung einzufangen, die die wesentlichste materielle Eigenschaft des analogen Kinos darstellt.
Die Arbeit am Bild ist ebenso ambitioniert und maximalistisch wie die am Ton. „Sound of Falling“ ist ein Film, der akrobatische Kamerabewegungen, schwindelerregende Plansequenzen und kompositorisch äußerst komplexe Bildausschnitte vereint. Die Kameraarbeit strebt nach einer malerischen, haptischen und berauschenden Qualität, die durch den Einsatz einer perfekt beherrschten Farbpalette ermöglicht wird. Schilinski reiht sich damit in jene Tradition von Filmemacherinnen ein, die das Kino als synästhetisches Erlebnis begreifen – zugleich sinnlich und spirituell –, und steht damit in der Tradition von Bergman oder Tarkowski. Indem der Film das Licht und seine feinsten Schwankungen einfängt, soll er als Mittel der Transzendenz wirken: als Offenbarer der tiefsten Seele der Welt, als Instrument zur Entschlüsselung geheimer Realitätsebenen, die jenseits der Grenzen von Fleisch und Zeit verborgen liegen.
Diese Obsession veranlasst Mascha Schilinski, in ein entschieden vintage-prägendes visuelles Universum einzutauchen, in dem die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts, die viktorianische Gotik und die Fotogenität von Jean Epstein nebeneinander existieren – bis hin zu „The Virgin Suicides“ von Sofia Coppola oder „Das weiße Band“ von Michael Haneke. Wie auf einer Seite aus Aby Warburgs Atlas offenbaren scheinbar weit voneinander entfernte Bilder geheime Parallelen und mysteriöse Symmetrien. Doch der expressive Elan, der „Sound of Falling“ nährt, bleibt stets überbordend: Das kreative Laboratorium von Schilinski, einer visionären, aber noch unreifen Autorin, bringt mehr Anspielungen hervor, als der Film aufnehmen und verarbeiten kann, und erzeugt so einen Überfluss an Bildern, der den Zuschauer bombardiert und überwältigt. Als ob die Berliner Regisseurin, getrieben von der Dringlichkeit ihres rasenden Ausdrucks, eine fast übermenschliche Anstrengung unternähme, um uns an ihr Talent und ihre unbestreitbare visuelle Kultur zu erinnern.
Aus diesen Gründen ist „Sound of Falling“ ein unausgewogener und potenziell irritierender Film. Ein Film, der unter Überfluss leidet und nicht in der Lage ist, mit seinem systematischen Übermaß an Laufzeit, technischen Lösungen, inszenatorischen Einfällen und Bedeutungen umzugehen. Doch auch wenn die Gesamtstruktur der Erzählung unter diesen Mängeln leidet, lassen doch einige bewundernswerte Sequenzen die außergewöhnliche Kraft einer großen, aufstrebenden Regisseurin erahnen. Das verrückte und utopische Projekt eines Films über Tod und Reinkarnation stößt auf eine allzu freie und ungeordnete Bildsprache, doch Schilinskis Kino vibriert vor einzigartigen Momenten und plötzlichen Einfällen, die einen wahren Katalog unvergesslicher Szenen bilden.
Einer der poetischsten und zugleich erschreckendsten Momente des Films dreht sich um eine alte Daguerreotypie, die ein verstorbenes Mädchen zeigt. Das Bild, das in der viktorianischen Tradition der Post-Mortem-Porträts steht, verstößt gegen die heutige Sensibilität und überschreitet die Grenze des Anständigen, was man darstellen darf. Innerhalb dieser beunruhigenden Fotografie, die für eine der Protagonistinnen des Films zu einer regelrechten Obsession wird, vollzieht Schilinski jedoch eine einzigartige Umkehrung der Bedeutung: obwohl ihre träge Haltung an bestimmte blasse präraffaelitische Jungfrauen erinnert, erscheint das Mädchen, das unter der Leichenstarre erstarrt ist, auf der Daguerreotypie als klare Gestalt mit präzisen und deutlichen Konturen; im Gegensatz dazu weist das „unscharfe“ und schwer fassbare Profil der Mutter, die zum Zeitpunkt der Aufnahme noch sehr lebendig war, die verschwommenen Konturen eines Geistes auf. Die Lebenden können also das Aussehen der Toten annehmen und umgekehrt, in einem Rollenspiel, das uns an die Vergänglichkeit und das Geheimnisvolle des Daseins erinnert.
Indem er mit den erzählerischen und stilistischen Codes des Horrorfilms spielt, insbesondere mit dem Topos des „Spukhauses“, stimmt Schilinski darin einmal mehr sein „memento mori“ an und bekräftigt damit die absolute Durchlässigkeit zwischen Gegenwart und Vergangenheit, Seele und Körper, Geist und Fleisch. Und sein „Sound of Falling“ lebt von diesen Intuitionen, die Momente reinen und absoluten Kinos inspirieren. Um dessen Schönheit wahrzunehmen, ist der Zuschauer zu einer Übung in Geduld, Toleranz und Wohlwollen eingeladen. So wie wenn man einen Rohdiamanten betrachtet und sich mit Vergnügen vorstellt, was sich unter seiner rauen Hülle verbirgt.
