Inspiriert von den großen philosophischen und szenischen Werken der Menschheit entwickelt Laura Arend ein ganzheitliches choreografisches Projekt. Ihr Werdegang ist geprägt von Reisen und der technischen Ausbildung an renommierten Hochschulen. Mitten in der Entstehung von „Iara“, einem feministischen und mythologischen Stück, das von drei großartigen Tänzerinnen getragen wird und von einer musikalischen Untermalung zwischen klassischer Oper und elektronischer Musik begleitet wird, löst sich Laura Arend aus dieser Welt, die sie erschafft, um uns die darin verwobenen Themen näherzubringen.
Laura Arend, die am Conservatoire national supérieur de musique et de danse in Lyon und anschließend am Merce Cunningham Studio in New York ausgebildet wurde, entwickelte schon sehr früh eine anspruchsvolle Körpersprache, die von den verschiedenen choreografischen Kulturen geprägt ist, mit denen sie in Berührung gekommen ist. Verschiedene Einflüsse haben ihr Verhältnis zur Bewegung, zum Körper und zum choreografischen Schaffen geprägt: „Das kreative Schaffen war für mich schon immer eine treibende Kraft, die bereits in meinen Jahren in Lyon präsent war“, erklärt sie. Sie beschreibt ihren Umzug nach Israel im Jahr 2011, um der Kibbutz Contemporary Dance Company beizutreten, als „einen Wendepunkt“. Dort entdeckt sie eine bodenständigere, instinktivere Körperlichkeit: „Diese Erfahrung hat meine Herangehensweise an die Bewegung tiefgreifend verändert. Ich habe mir erlaubt, mich von der Bewegung durchdringen zu lassen und Risiken einzugehen.“ Heute bewegt sich ihr Stil genau zwischen den hohen Ansprüchen des klassischen Balletts und der „fast wilden“ Freiheit des zeitgenössischen Tanzes. „Ich suche nach einer verkörperten Sprache, in der die Technik nicht zur Schau gestellt wird, sondern die Emotion unterstützt, in der Virtuosität zu einer inneren Notwendigkeit wird und nicht zu einem ästhetischen Ziel.“
Während ihrer sieben Jahre in Israel praktizierte sie die von Ohad Naharin entwickelte „Gaga-Technik“. Ein Ansatz, der ihr Verhältnis zum Körper und zur Improvisation sowie ihre künstlerische Identität geprägt hat und sie vor allem dazu bewogen hat, vom Tanz zur Choreografie überzugehen. „Die Entdeckung dieser Technik war entscheidend. Gaga bietet keine Form, sondern eine Erfahrung. Man entwickelt dabei ein äußerst feines Gespür für Empfindungen, eine ständige Offenheit und eine Intensität ohne unnötige Anspannung. Das hat meine Beziehung zum Körper befreit.“ Die Choreografie drängte sich ihr schon sehr früh auf, fast instinktiv, und die Jahre, die sie in Israel verbrachte, haben dieses Bedürfnis noch verstärkt. „Die Arbeit als Tänzerin begeisterte mich, aber ich verspürte das Bedürfnis, meine eigenen Welten zu erschaffen, meine eigenen Fragen zu stellen, meine eigenen Mythologien zu entwickeln. Stücke wie „Yama“ oder „Five“ tragen diese Handschrift deutlich: eine viszerale Energie, eine engagierte körperliche Ausdrucksweise, eine selbstbewusste Freiheit. Gaga hat mir den Mut gegeben, diese Stimme zu leben.“
In Laura Arends Werk kommt ein lebendiges feministisches Engagement zum Ausdruck, das sich durch wunderschöne, kraftvolle, widerstandsfähig und solidarisch sind – ganz im Sinne ihres neuesten Werks „Iara“, eines „Balletts für die Amazonen von gestern und heute“, das diese Woche im Grand Théâtre de Luxembourg aufgeführt wurde. „Seit der Geburt meiner Kinder hat sich meine Wahrnehmung des Weiblichen tiefgreifend verändert. Die Mutterschaft hat meinen Schwerpunkt verlagert. Sie hat mich verletzlicher, aber auch kraftvoller gemacht. Ich habe begonnen, die Frau in ihrer ganzen Komplexität zu feiern: kriegerisch und zerbrechlich, sinnlich und spirituell, sanft und unbezähmbar.“ Die Entstehung von „Iara“ folgte ganz natürlich: Im Oktober 2023 hörte sie auf Tournee einen Podcast mit dem Titel „Die letzte der Amazonen“. „Ich spürte sofort eine fast körperliche Gewissheit. Das würde das Thema meines nächsten Stücks sein.“ In diesem Sinne möchte sie kein Stück gegen Männer schaffen, sondern ein Werk der Selbstbestätigung, „dieses außergewöhnliche ‚Tier‘ zu feiern, das die Frau ist. Die kollektive Kraft, die Schwesternschaft und die Weitergabe zu erforschen. Iara entstand aus diesem Wunsch heraus, eine vielfältige Kraft zum Vorschein zu bringen, die zugleich archaisch und zeitgenössisch ist “.
Der Mythos der Amazonen und insbesondere der legendären Kriegerin Iara, „diejenige, die im Wasser lebt“, vor dem Hintergrund der Traditionen der Tupi und Guarani, bildet den Rahmen, der sich ihr aufdrängte, um die Situation der Frau in der heutigen Zeit zu thematisieren. Ein Mythos, der in unserer Zeit Nachhall findet. „Was mich tief bewegt hat, ist, dass der Mythos von Iara von einer mächtigen Frau erzählt, die man zum Schweigen bringen, unschädlich machen und in ein gefährliches Wesen verwandeln will. Iara ist auch dem Vornamen meiner Tochter, Yaara, sehr ähnlich. Diese innige Nähe hat mein Engagement noch verstärkt. Ich denke oft darüber nach, was ich ihr vermittle, was ich ihr hinterlassen möchte.“
In ihren Werken verbindet die Choreografin regelmäßig verschiedene Disziplinen miteinander, indem sie beispielsweise Yoga in „Yama“ (2016) oder die Philosophie des Epikur in „Leon“ (2022) einfließen lässt. Diese Umsetzung abstrakter und spiritueller Konzepte prägt ihre aktuelle choreografische Sprache. „Meine Arbeit ist geprägt von dem Wunsch, den Körper mit etwas zu verbinden, das größer ist als er selbst. Ein philosophisches, spirituelles oder mythologisches Konzept in Bewegung zu übersetzen, ist für mich kein intellektueller Akt, sondern eine emotionale Notwendigkeit.“ Ihre Sprache ruht auf drei Säulen: Zunächst die Hervorhebung der weiblichen Kraft und das Bedürfnis nach Dialog mit der Welt. „Meine Reisen sind keine Kulissen, sondern Eintauchvorgänge. Jedes Gebiet hat mich innerlich bewegt. Und schließlich die letzte Säule: der Körper. „Ich setze mich für einen körperlichen, präzisen und engagierten Tanz ein. Selbst wenn ich von einem abstrakten Konzept ausgehe, kehre ich immer wieder zum Fleisch, zum Atem, zum Schweiß zurück. Der Körper ist der Ort der Wahrheit.“
Für Iara war eine Reise nach Brasilien entscheidend. „Was mich beeindruckt hat, war die allgegenwärtige Präsenz des Wassers: als lebenswichtiges Element, aber auch als geheimnisvolle und unbezähmbare Kraft.“ So spielt Wasser in dem Stück eine zentrale Rolle. Für die Choreografin steht es „für den Amazonas, für das Fruchtwasser, für den Ursprung, für den Mutterleib, für die Geburt“. Außerdem greift sie im Kern auf ganz konkrete Persönlichkeiten oder Bilder zurück, wie zum Beispiel Marielle Franco, „eine brasilianische Feministin und Aktivistin, die ermordet wurde, weil sie sich frei und politisch geäußert hat“. Da ist natürlich auch Simone Veil, die Tänzerin von Degas oder auch Gal Gadot, die Wonder Woman verkörperte. „Das Stück ist mit solchen Anspielungen gespickt. Vielleicht nimmt das Publikum sie wahr, vielleicht auch nicht. Mir gefällt die Vorstellung, dass es eine Art Schnitzeljagd geben könnte, eine Konstellation weiblicher Präsenzen, die sich durch die gesamte Aufführung ziehen “.
In „Iara“ thematisiert sie Fragen zwischen dem Intimen und dem Politischen. Sie begreift den Körper ihrer Darsteller als eine Form des Kampfes, des Widerstands und des Rituals: „Da ist der Kampf – im körperlichen Einsatz, in der Ausdauer, in der Art und Weise, wie sich die Körper dem Raum und der Musik stellen. Da ist das Ritual, in der Wiederholung, in der Zirkularität, in diesem fast archaischen Gefühl, dass sich auf der Bühne etwas wiederholt, wie eine Beschwörung. Und da ist der Widerstand. Widerstand gegen das Auslöschen, gegen Zuordnungen, gegen auferlegte Grenzen. Der Körper wird zu einem ebenso politischen wie poetischen Territorium “. Für dieses Stück umgibt sich Laura Arend mit den Tänzerinnen Miranda Silveira, einer ehemaligen Tänzerin des San Francisco Ballet, Catarina Barbossa und Mathilde Plateau. Künstlerinnen, die sowohl durch menschliche als auch künstlerische Affinität verbunden sind und mit denen sie das Thema der Schwesternschaft bearbeitet, um eine kollektive Emanzipation zu veranschaulichen. „Auf der Bühne ist die Schwesternschaft kein illustratives Thema, sondern eine Praxis. Wir haben am Zuhören, an der Unterstützung und am gemeinsamen Atmen gearbeitet. Daran, wie ein Körper einen anderen tragen kann, physisch und symbolisch.“ Die Choreografin wollte das Bild der isolierten Frau vermeiden – heroisch, aber allein. „Iara steht für kollektive Emanzipation. Eine Kraft, die aus der Gruppe entsteht.“
