Diese Jahreszeit lädt geradezu dazu ein – umso mehr bei der letzten Ausgabe des „Land“ in der Form, die Sie gerade in den Händen halten –, ganz subjektiv die Ausstellung auszuwählen und zu benennen, die sich am stärksten in die Erinnerung an die Ausflugsreisen der letzten Monate eingeprägt hat. Wen würde es überraschen, dass hier der Name Louise Bourgeois genannt wird, deren Ausstellung im Unteren Belvedere in Wien noch bis zum 28. Januar 2024 zu sehen ist? Es gibt nur wenige Künstler – in diesem Fall fallen mir keine anderen Namen ein, aber der Leser wird wissen, an wen er denken soll –, die einen so sehr berühren, herausfordern und mit solcher Wucht bewegen. Ohne jegliche Zugeständnisse, weder an sich selbst noch an diejenigen, die sich mit ihr auseinandersetzen. Mit allen Risiken – nein, wenn man ihr Glauben schenkt, ist es genau das Gegenteil: „Kunst ist eine Garantie für geistige Gesundheit“. Auf jeden Fall, ob Therapie, Exorzismus oder nicht, ist das ästhetische Vergnügen immens, umso mehr in der Kulisse der Säle des Wiener Palastes (auch des unteren).
Und auch wenn Louise Bourgeois heute als Künstlerin allgemein bekannt ist – vor allem für ihre Skulpturen, vor allem ihre gigantischen Spinnen, bekannt ist, so gab es bisher in Europa kaum Gelegenheit – ja, sie war praktisch nicht vorhanden –, ihre Gemälde kennenzulernen, also das, womit sie ursprünglich begann, bevor sie den Pinsel beiseitelegte. Übrigens war es Fernand Léger, ihr Lehrer in den 1930er Jahren, der sie in diese Richtung gelenkt hatte; sie folgte seinem Rat erst viel später, endgültig um 1950, doch Zeichnungen und Radierungen gab es immer.
Ein Wort, da es das Material ihrer Kunst ist: ihre Geburt (1911) in einer Familie von Restauratoren antiker Wandteppiche, die Untreue des Vaters, die Krankheit der Mutter, die 1932 starb. Der Vater seinerseits starb 1951, in dem Jahr, in dem Louise Bourgeois eine Psychoanalyse begann. Nach ihrer Heirat mit dem Kunsthistoriker Robert Goldwater im Jahr 1938 – weniger als einen Monat nach ihrem Kennenlernen – ging sie nach Amerika: „Runaway Girl“, wie der Titel eines Gemäldes aus jenem Jahr lautet. Eine Zelle, „Cell (Choisy)“, etwa fünfzig Jahre später, ein wahrer Käfig, der ein Modell des Elternhauses umschließt, über dem die Klinge einer Guillotine droht. Das Werk von Louise Bourgeois umfasste bei ihrem Tod im Jahr 2010 etwa sechzig „Cells“, darunter „Last Climb“, in dem sie die Wendeltreppe ihres New Yorker Wohnhauses gerettet hat.
Erste Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten im Juni 1945, eine zweite zwei Jahre später mit 17 Gemälden, darunter die Serie „Femmes Maisons“: geschwungene, miteinander verbundene und vermischte Frauenkörper, kombiniert mit starren architektonischen Formen, also Häusern; Es ist der Kopf der Frau, der dabei im Mittelpunkt steht, ihr Oberkörper, manchmal wird der gesamte Körper verwandelt, eingesperrt. Louise Bourgeois hat eines ihrer Themen gefunden – oder das eindringlichste: die Weiblichkeit (ob sie Feministin ist, muss jeder für sich selbst beurteilen) und damit das Paar und die Sexualität. 1951 unternahm sie eine Reise nach Italien, das damals bei amerikanischen Künstlern so beliebt war, und daraus entstand später eine „Femme Maison“ aus weißem Marmor, gefolgt von einer weiteren aus Stoff.
Der Übergang zur Bildhauerei erfolgte bereits Ende der vierziger Jahre mit den „Personnages“, einer Art schlanker Totems, die zweifellos ebenso sehr dem surrealistischen Geist wie dem Vorbild Giacomettis zu verdanken sind. Es folgten Experimente mit den unterschiedlichsten Materialien wie Gips, Latex, Harz … Die Wiener Ausstellung hat diesen doppelten Vorteil: Sie zeichnet den Werdegang von Louise Bourgeois originalgetreu nach und lädt uns jederzeit zu einem Hin und Her zwischen Gemälden, Zeichnungen, Radierungen und Skulpturen ein. Der Katalog enthält darüber hinaus in handschriftlicher Form zahlreiche Texte der Künstlerin, ihre psychoanalytischen Schriften, die sie sowohl auf Französisch als auch auf Englisch verfasste: „ Mir war stets bewusst, dass die Stille wie ein Grabdeckel über mich fallen und mich für immer verschlingen könnte… “.
Vielleicht richtet sich seine Kunst gerade dagegen. Und das führt dazu, dass man sich zu keinem Zeitpunkt der Dringlichkeit entziehen kann, die ihm eigen ist. Man kann sich noch so sehr in die barocke Opulenz des großen Saals setzen – in dessen Mitte erinnert uns die „Last Climb“-Zelle sofort an die Realität. In einer Zeit, in der Fragen der Teilhabe und Inklusion im Mittelpunkt stehen – man verwendet ja den Begriff „Wunder“ –, lässt sich sagen, dass jede Kunst, die etwas taugt, einbezieht, sei es ein kleines Stück gelber Wand oder ein großer, hysterischer Bogen, und wir wiederholen: Sie fordert heraus, was zu einer Rückkehr zwingt.
