Blau in all seinen Facetten

Von der Bluesmusik über das berühmte Album „Kind of Blue“ von Miles Davis bis hin zu dem von Yves Klein populär gemachten Blau und Picassos „Blauer Periode“ – die Farbe Blau feiert in der Kunst ein wahres Fest. Dabei handelt es sich um ein äußerst junges Phänomen. In der Antike noch verpönt – wie das Fehlen passender Begriffe im Lateinischen belegt –, ist Blau heute die beliebteste Farbe der westlichen Bevölkerung: eine Umkehrung der Werte, die sowohl einen Wandel in der Wahrnehmung als auch eine bedeutende gesellschaftliche Entwicklung widerspiegelt. Die Herkunft dieses Wortes, so erinnert der Historiker Michel Pastoureau, geht auf die germanischen Sprachen (blau) zurück, aber auch auf das Arabische (azur), das den anderen, am weitesten verbreiteten Begriff zur Bezeichnung dieser Farbskala lieferte. „Barbar“ ist also aufgrund seiner germanischen Ursprünge das Blau.

Die Galerie PJ (Metz), geleitet von Ji Sun und Pierre Funes, hat die Farbe Blau zum Leitmotiv und Thema ihrer neuen Ausstellung zeitgenössischer Kunst gewählt, die noch bis zum 5. April zu sehen ist. Auf dem Programm stehen fünf Künstler aus Europa und Asien, die durch die Ausstellungsgestaltung geschickt miteinander in Verbindung gebracht werden und in einen Dialog treten. Beginnen wir mit dem südkoreanischen Künstler Junj Deok Shin, dem erfahrensten der an dieser Gemeinschaftsausstellung teilnehmenden Maler – und bemerkenswerterweise kann sich die Galerie PJ rühmen, die erste zu sein, die seine Werke in Europa präsentiert. Die zarten Gemälde des Künstlers, die beide das gleiche Format (90,9 x 72,7 cm) haben und zur gleichen Serie „Kaleidoscope/Quantum Mechanics (2021) gehören, präsentieren sich uns in der Tiefe eines Geheimnisses oder eines esoterischen Rätsels. Dennoch bleiben die darin dargestellten Objekte vertraut: Blätter und eine Sanduhr auf blauem Hintergrund, ergänzt durch kleine Figuren, die an jene erinnern, die man in den frühen metaphysischen Gemälden von De Chirico findet. Für sich allein betrachtet scheinen diese figurativen Elemente auf der Leinwand zu tanzen, als wären sie schwerelos; ohne jeden praktischen Zweck werden sie um ihrer inneren Eigenschaften willen und wegen ihres gleichen Wertes angesichts der vergehenden Zeit dargestellt, ganz im Sinne der Vanitas-Motive. Zwar weisen beide Gemälde von Junj Deok Shin in ihrer Mitte eine kreisförmige Form auf, doch nur eines davon enthält Zahlen, die jedoch keiner numerischen Logik folgen. Auf beiden Seiten herrscht eine Art Gelassenheit und Leichtigkeit, die übrigens an die im 17. und 18. Jahrhundert besonders beliebten Grotesken-Dekore erinnert. Dagegen stehen drei sehr schöne kleine Gemälde, die wir einem anderen südkoreanischen Künstler, Geo Yul Jang, verdanken. Der erst zweiunddreißigjährige junge Maler schöpft seine Inspiration aus der Natur, insbesondere aus den Blumenmotiven, auf die er sich spezialisiert hat. Ausgehend von Zeichnungen, die er direkt am Ort seiner Beobachtung anfertigt, hält er die elementare Struktur der Pflanzen und Blumenformen fest, bestehend aus Farben und Linien, die im Moment skizziert wurden. Das Motiv wird, sobald es auf die Leinwand übertragen ist, neu interpretiert, wobei es seinen dynamischen und lebendigen Charakter behält, wie die pulsierenden Linien seiner Farbspektren (Gelb, Rot, Grün, Blau) zeigen – ein Regen aus Farben, der nur durch einen dickeren orangefarbenen Strich unterbrochen wird. Eine Kompositionsweise, die auf jedem seiner Gemälde identisch ist. Diese stehen in wunderbarer Resonanz mit den beiden benachbarten Gemälden, die wir dem in Venedig ansässigen Maler und Galeristen Hervé Bordas verdanken. Seine beiden Kompositionen sind offensichtlich expressionistischer Prägung. Das erste zeigt vor einem Hintergrund, auf dem sich Zeitungsinschriften entziffern lassen, die ihm als Grundlage dienen, einen Baum mit nach oben ragendem Geäst (C’ métallique, 2023). Stilistisch erinnert es an Mondrians figurative Phase oder, aus jüngerer Zeit, an die lyrischen Gemälde von Joan Mitchell und Simon Hantaï. Das zeigt, wie sehr das Werk durch seine ausgeprägte Lyrik zu berühren vermag. Ebenso gelungen ist das zweite, dazu gehörende Gemälde, „Flowers“ (2023), ein Gewirr aus leuchtenden Farbtönen, das hauptsächlich aus vertikalen Schraffuren besteht.

Neben den von Bordas und Geo Yul Jang gemalten Porträts von Bäumen und Blumen stehen drei großformatige Tafeln von Dominique Funes. Es handelt sich um drei poetische Ansichten der Milchstraße mitten im Winter, aufgenommen aus einer leicht unterhalb liegenden Perspektive, um die kahlen Bäume im Vordergrund, deren Äste sich rot schimmernd in die Höhe erheben, gleichermaßen zur Geltung zu bringen. Zu diesem jüngsten Triptychon, das der Unendlichkeit des Himmels und seinen vielfältigen Nuancen gewidmet ist, gesellt sich ein Gemälde von bescheidenerer Größe, in dem sich jedoch dieselbe „surrealistische“ Fremdartigkeit wiederfindet (man denkt dabei insbesondere an Delvaux). Unter dem Titel „À ras du sol“ (2025) spielt der Künstler mit Farbflächen und Texturen (Papier, Pflanzen) ganz nah am Boden, um dort eine nächtliche und geheimnisvolle Tierwelt zu entdecken: Hier wagt sich eine Eidechse auf einen Spaziergang; dort krabbeln ein paar Ameisen zwischen Zweigen und Kieselsteinen umher. So wird der Künstler zum Dichter, der zugleich das unendlich Große und das unendlich Kleine betrachtet.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht schließlich eine junge italienische Künstlerin. Die aus Vicenza stammende Silvia Giordani ist Absolventin der Akademie der Bildenden Künste in Venedig und malt vorwiegend Landschaften in Acryl. Landschaften ohne jegliche menschliche Präsenz, mit einer mondähnlichen und stillen Atmosphäre, die offensichtlich literarisch geprägt sind und von dystopischen Romanen und Science-Fiction inspiriert wurden. Die Grenze zwischen Realität und Fantasie wird so durchlässig: Der Betrachter wird eingeladen, in einer fremden, undefinierten, ungewissen Umgebung Platz zu nehmen. So auch bei ihren „Castels“ (2025), deren geschichtete Wände zwischen dem Mineralischen und dem Pflanzlichen oszillieren; ihre „Sleeping Forests“ (2025) hingegen ähneln Korallen oder Stalaktiten. Ihre beiden anderen Gemälde bezaubern durch ihren ungewöhnlichen Einsatz von Farbe und Texturen: ein Ozean aus Samt, durchzogen von rosa Stelen (Sailing the Velvet Seas, 2025), oder auch dieses majestätische Wäldchen, das sich in den gedämpften, tiefen Indigotönen präsentiert (Indigo Grove, 2024).