Ihre Älteren versuchen, sie einzuordnen und ihnen einen Namen zu geben, doch die Millennials der Generation Y (die heute zwischen 25 und 35 Jahre alt sind) erkennen sich nicht unbedingt als Teil einer gemeinsamen Gruppe an. Die Vielfalt der Werke, die in den Räumen des Casino Luxembourg und in der Galerie des Rotondes im Rahmen der Ausstellung der fünften Triennale Jeune création zu sehen sind, belegt dies. Der vom Kurator Kevin Muhlen im April 2019 gewählte Titel „Brave new world order“ ließ zudem zahlreiche Interpretationsmöglichkeiten zu. Nach eigenen Angaben des Direktors des Casino Luxembourg „haben die Künstler nicht auf die Referenzen reagiert, die ich im Sinn hatte“, die eher auf vergangene Bezüge abzielten (natürlich Aldous Huxley). Eine Pandemie später müssen die „neue Weltordnung“ und die Welt danach erst noch definiert werden: Bewegen wir uns auf eine Gesellschaft zu, die von schwerwiegenden ökologischen und sozialen Problemen erschüttert ist, oder sollten wir Vertrauen in die Zukunft haben, die gerade geschrieben wird? Für Kevin Muhlen gilt weiterhin: „Wir haben hier das Porträt einer Generation, die ihre Gegenwart mit Bewusstsein und Urteilsvermögen annimmt.“ Doch mehr als ein klares Porträt wirkt die Doppelausstellung (an zwei Orten, mit doppelt so vielen Künstlern wie in den Vorjahren) wie eine Punkt-für-Punkt-Darstellung, wie eine Skizze, wie ein Kaleidoskop mit vielfältigen und manchmal widersprüchlichen Antworten.
Natürlich erinnern manche Werke an den Lockdown und die Pandemie, manchmal sogar zu Unrecht. So sind die langen Warteschlangen, die Julie Luzoir in einer 2012 begonnenen, gefilmten Performance zeichnet, nicht jene vor den „systemrelevanten“ Geschäften (und auch nicht vor Fast-Food-Restaurants bei deren Wiedereröffnung) : Sie entstand, als sie Menschen sah, die in Griechenland vor Suppenküchen oder in Zypern vor Banken warteten. Die Zeichnung speist sich aus realen Begegnungen, um anschließend ins Internet überzugreifen und diesen anonymen, stimmlosen Menschen eine Stimme zu geben. Das unwiderstehliche Video, in dem Clara Thomine sich in einem völlig leeren Flughafen in Szene setzt, wurde tatsächlich vor drei Jahren nachts gedreht… Dieselbe Künstlerin, mit ihrer unschuldigen Art und ihrem bissigen Humor, bringt „Tout doit disparaître“ auf den Markt, als wäre es der Schlussverkauf. Doch was sie verkauft, sind „ Gegenstände vom Weltuntergang “ : postapokalyptische Überbleibsel wie Luftballons, Becher und Eisbrocken. Sie konfrontiert uns mit unserer Konsumraserei in einem tautologischen Spiel: Die ökologische Katastrophe rührt vom übermäßigen Konsum her, also konsumieren wir die Überreste der Katastrophe.
Auch in den Videos von Marina Uribe geht es um Konsum. Im Rahmen einer Straßenumfrage wurden Düsseldorfer Einwohner zu ihrer Vorstellung vom Paradies bzw. von der Oase befragt (das Wort „Paradies“ hat eine doppelte Bedeutung: die einer irdischen Oase und die eines spirituellen Paradieses). Diese Antworten vermischen sich mit Werbeslogans von Discountern, die billiges Glück verkaufen. Das Ganze wird durch Bilder in stroboskopischem Rhythmus verwischt, während der Soundtrack das Bewusstsein einschläfert. Ein vielschichtiges Werk, das ein System anprangert, in dem das Geld regiert: „&Meiner Meinung nach hat unsere Generation die Aufgabe, das derzeitige kapitalistische System weiterzuentwickeln und es sowie seine kommerziellen Tricks drastisch zu verändern. Die aktuelle Politik wird in der Tat zu sehr von den Gesetzen des Marktes und von Lobbyarbeit bestimmt “, erklärt der Künstler. Axel Gouala erfindet auch Nicht-Orte. Am Eingang des Casino Luxembourg konfrontiert er uns gleich zu Beginn mit seiner „Falaise“, die – wie alle seine Installationen – industrielle Materialien wiederverwertet und umfunktioniert. Die Landschaft, die er aus Hohlziegeln erschafft, erinnert ebenso an die Skulpturen des Mount Rushmore wie an die romantischen Ruinen eines Caspar David Friedrich, und mit einer guten Portion Humor verwandelt seine Serie „Totem-Voyage“ und „GRS“ (in den Rotondes) Alltagsgegenstände, um sie der Welt des Sports, der Freizeit und des Reisens anzunähern: Spülhandschuhe werden zur Palme, ein Staubsauger und eine Bürste beginnen einen Tanz, ein Saugnapf erinnert an eine Insel. Standardisierte Welten, die man überall und zugleich nirgendwo findet.
Die Identität und der Platz jedes Einzelnen sind ebenfalls ein immer wiederkehrendes Thema. „A Truly Shared Love“, der poetische und äußerst ausgefeilte Film, in dem Émilie Brout und Maxime Marion sich selbst als eine Art Idealpaar in einem nicht minder gepflegten Interieur inszenieren, bezieht seine Ästhetik aus standardisierten (und normativen) Bildarchiven, die letztlich ziemlich beunruhigend wirken. Ebenfalls mit einer Off-Erzählung versehen, erinnert „Love in the Afternoon“ von Catherine Dauphin eher an einen Naturdokumentarfilm, in dem ein Paar (zu dem auch die Regisseurin selbst gehört) über das heutige Verständnis von Liebe nachdenkt und dabei zwischen verschiedenen Zeitebenen hin und her wandert. Auch hier eine sehr poetische Installation, die sich mit der Frage des Körpers als Ware und der Beziehung zum Anderen auseinandersetzt. Ebenfalls von unendlicher Poesie, bei der uns die Emotionen überwältigen würden, wären die Geräusche der benachbarten Werke nicht so aufdringlich (was daran liegt, dass es aus hygienischen Gründen nicht möglich ist, Kopfhörer anzubieten), Das Projekt #youtoo von Krystyna Dul ist eine Installation aus drei Bildern, die jeweils einen Teil einer sprechenden Person zeigen: ein Auge, einen Mund, Hände. Diese stummen Filme zeigen Frauen, die von sexueller Gewalt berichten, die sie erlebt haben. Auf den Boden werden ihre Worte projiziert, in die zweite Person umformuliert, um den Betrachter besser einzubeziehen. Schmerz und Emotionen finden sich auch in den Gemälden von Julie Wagener, die das noch immer oft tabuisierte Thema der psychischen Gesundheit behandeln. „It Hurts Until It Doesn’t“ besticht zunächst durch technische Meisterschaft, doch die morbide Bildsprache aus fahlen Körpern, verworrenen Geweben und der Haltung einer Totengestalt lässt keinen Zweifel am Zustand der dargestellten Personen aufkommen.
Man kann sich nicht mit 43 Künstlern auseinandersetzen, ohne sich Zeit zu nehmen. Der umfangreiche Rundgang durch die beiden Ausstellungen erfordert Zeit und Aufmerksamkeit. Zumal manche Videos mehrere Dutzend Minuten dauern. Am Ende bleibt ein seltsames Gefühl zurück, diese „Brave New World Order“ nicht wirklich fassen zu können, so groß ist die Verschiedenartigkeit: Die Sternenkarten der Katastrophennächte von Morgane Britscher, das bizarre und verborgene Interieur von Aurélie d’Incau, die Ready-made-Skulpturen von João Freitas, das Videospiel von Mad Trix, in dem jeder verliert, die traumhaften Porträts von Bruno Oliveira, die minimalistische Lichtinstallation von Aude Legrand … sagen letztendlich alles und das Gegenteil davon aus. Trauriger Optimismus, fröhliche Apokalypse, realistische Dystopie: An Oxymora mangelt es der Ausstellung nicht.
