Was die Zeichnung so zeitgemäß macht

Lange Zeit galt das Zeichnen lediglich als vorbereitende Übung für die Malerei – ähnlich wie das Drehbuch für die Realisierung eines Films –, doch heute ist das Zeichnen allein aufgrund seiner bildnerischen Qualitäten Gegenstand einer schönen Ausstellung im „Mètre carré“. Die Veranstaltung in Metz mit dem Titel „Vom Bleistift zur Maus“ findet im Rahmen des „Printemps national du dessin“ statt, bei dem in dieser Saison zahlreiche Messen wie die Art Paris organisiert werden, um die zeitgenössischen Anwendungsmöglichkeiten der Zeichnung bekannt zu machen.

Trotz der bescheidenen Räumlichkeiten ist die von der Leiterin des Hauses, Emmanuelle Potier, gestaltete Ausstellungsinszenierung besonders sorgfältig ausgearbeitet. Dadurch wirkt die Präsentation der rund zwanzig ausgewählten Werke auf wundersame Weise luftig und offen. Eine erste Gruppe von Werken ist ganz selbstverständlich eine Hommage an die Hand und damit an den „homo faber“, den jeder Künstler als meisterhafter Schöpfer verkörpert. Zwei Tuschezeichnungen von Petra Mrzyk und Jean-François Moriceau machen das Papier zu einem Raum, der dem Kampf und den feministischen Bestrebungen gewidmet ist. Die skurrilen Figuren der ersten Zeichnung – ein Ballett aus Händen, die menschliche Gestalt annehmen und vielleicht aus einem Wortspiel (eine Hand / ein Mensch) entstanden sind – lassen in Wirklichkeit eine ironische Situation entstehen: eine auf eine Brust reduzierte Frau, umgeben von zahlreichen potenziell „manipulativen“ Männern… Die zweite Zeichnung mit ihrem Wald aus erhobenen, vereinen Händen ist ein poetisches Manifest für die Emanzipation der Frau.

Die Darstellung der Hand ist ein selbstreflexiver Akt, der sicherste Weg, die eigene Tätigkeit und die eigenen Werkzeuge in Szene zu setzen und zu reflektieren, aber auch, die Grenzen der sozialen Ordnung zu verschieben. So wie Romain Cattenoz mit Bleistift die Arbeitshandschuhe darstellt, die er zum Transport von Kunstwerken in Museen verwendet, und damit ein Arbeitswerkzeug zum Gegenstand der Kunst erhebt (und sich selbst in den Rang eines Künstlers). Die Hand steht ebenfalls im Mittelpunkt bei Philippe Garenc in seiner als Kolorist geschaffenen Arbeit auf Schulpapier mit vier Kugelschreibern (Hammering Life, 2023), einer Farbenpracht, die sich in einem seltsamen und ein wenig beunruhigenden Universum entfaltet, ähnlich wie seine „Fragmente einer inneren Kosmogonie“ (2023), die aus einem Gebiss, einem Apfel und anderen willkürlichen Gegenständen und Kreaturen (Würfel, Messer usw.) bestehen. Die Künstlerin, die zudem einen partizipativen Zeichenworkshop mit Kreide geleitet hat, erklärt auf ihrer Website: „Nuancen, Tonwerte, manchmal subtile, manchmal wilde Überschneidungen – ich lasse das entstehen, was ich darstellen möchte. Diese Bilder sind das Ergebnis des Umherirrens: des Umherirrens der Hand, des Auges, des Geistes, meines Körpers. Unbewusstes, Unterbewusstes, Bewusstes, Schelmisches, Imaginäres, Ästhetisches.“ Ein Ansatz, der an den der Surrealisten erinnert, allen voran an André Masson, den Erfinder der automatischen Zeichnung.

An der gegenüberliegenden Bilderschiene dominiert die Farbe Blau und verbindet mehrere Werke miteinander. Da ist zunächst diese wunderschöne iPad-Arbeit von Louise Sartor, die eine weinende Skulptur darstellt (Ero, 2020) und deren Stil und sommerliche Farbtöne an den Stil von David Hockney erinnern – um denjenigen zu nennen, der diese Technik populär gemacht hat. Es ist dieselbe blaue Farbe, die den Hintergrund der Kohlezeichnung von Miriam Mechita bildet, auf der sich im Profil ein Frauenbusen abhebt, und die sich auch an der Spitze des mit Kugelschreiber gezeichneten Pariser Obelisken wiederfindet, geschaffen von Davide Bertocchi, einem italienischen Künstler, der von konischen Formen fasziniert ist. Das älteste Denkmal von Paris weist zudem eine aufsteigende Richtung auf, der sich die beiden vom Kino inspirierten „Roludom“-Strandskulpturen von Laurent Brunel perfekt anschließen. Die Gesichter von Buster Keaton und Stan Laurel wirken wie zwei humorvoll gestaltete Bildnisse, die auf künstlich verlängerten Hälsen ruhen.

Schnell und lebhaft, fast wie hingekritzelt, wirken dagegen die poetischen und lyrischen Zeichnungen von Mircea Cantor und Camille Blatrix (Neil und ich, 2016), die sich beide ganz auf das Paar konzentrieren. Eine mit Filzstift gezeichnete Skizze, die von üppiger Vegetation geprägt ist, lässt uns die sonnendurchfluteten Gemälde des Sizilianers Salvo erkennen. Konzeptioneller, aber auch kostspieliger sind die Werke von Bruno Munari („Movimento di Luce“, 1950) und von Ben, der sich mit der ihm eigenen Sparsamkeit der Mittel darauf beschränkt, einige Wörter in Weiß auf einen schwarzen Hintergrund zu schreiben („C’est la jungle“, 2012). Nicht weit davon entfernt befindet sich ein wunderschönes, himmlisches Aquarell von Nicola De Maria (Astri fatati verdi, 1991), einem der noch viel zu wenig bekannten Vertreter der Turiner Transavantgarde.

Die grafische Arbeit und der Dialog, den Emmanuelle Potier in den letzten Jahren mit der Künstlichen Intelligenz geführt hat, erweisen sich als äußerst spannend. Dabei stützt sie sich auf Lamuse, ein IT-Projekt, das mithilfe von Algorithmen Bilder generiert und es ermöglicht, „die Zusammenhänge zwischen Zwang, Inspiration und Schöpfung zu erforschen“, wie der Wissenschaftler Bart Lamiroy in einem Artikel in The Conversation erklärt. Ausgehend von einem vorgegebenen Bild (zum Beispiel einem Gemälde von Matisse) lassen sich die zahlreichen Varianten und Verformungen verfolgen, die dabei entstehen und die Emmanuelle anschließend aufgreift, um ihre eigenen Kompositionen zu schaffen. Das Computerprogramm liefert der bildenden Künstlerin somit eine unerschöpfliche Quelle an Bildern. So lässt sich in einer ihrer Bleistiftzeichnungen eine Madonna mit Kind als Ausgangsvorlage sowie die verstreuten Überreste einer Landschaft im Hintergrund erahnen. Doch das ursprüngliche Vorbild spielt keine Rolle, bemerkt Emmanuelle Potier; denn es handelt sich lediglich um einen Ausgangspunkt, und was zählt, ist, was sie daraus macht. So wie beispielsweise, wenn sie das malerische Vorbild durch die Darstellung schwerer und starrer Formen in Richtung Skulptur verschiebt. Dies ist ein schöner Einblick in die damalige Zeit und in die Mittel, die Künstlern heute zur Verfügung stehen, um den Horizont ihrer Kreativität immer weiter zu erweitern.