Eine Architektin des Schattens und des Lichts

Der Titel der Ausstellung, „Mrs. N’s Palace“, ist einer monumentalen Skulptur entlehnt, die 1977 in New York entstand. Louise Nevelson war damals 78 Jahre alt, und sie hatte dreizehn Jahre gebraucht, um dieses Projekt zu vollenden. Der imposante, anthrazitfarbene Rahmen, in den sich das Publikum hineinbegeben konnte, grenzt mit seinen Abmessungen (355 × 607 × 457 cm) an Architektur. Das Werk besteht aus etwa hundert unterschiedlichen Objekten, die miteinander verflochten sind – eine für das Schaffen der aus der Ukraine stammenden New Yorker Künstlerin charakteristische Assemblage-Methode. Nevelson, die 1899 in der Region Kiew geboren wurde, erweist sich als Pionierin der Installation, die in diesem Bereich tätig war, lange bevor dieser Begriff in den 1960er Jahren theoretisch gefasst wurde. Sie selbst verwendet die Begriffe „Umgebungen“ oder „Atmosphäre“, um ihre Skulpturen zu bezeichnen, die ständig in einen Dialog mit Tanz, Architektur, Musik oder Bühnenbild treten. Mehr als nur Skulpturen sind die Werke von „Mrs N.“ Orte, die dazu gedacht sind, den Betrachter, Bewegung, das Spiel von Licht und Schatten sowie allerlei Krimskrams, den sie auf ihren Streifzügen durch New York gesammelt hat, aufzunehmen.

Die Ausstellung beginnt mit einer Gruppe vergoldeter Holzskulpturen, die im Dunkeln leuchten. Eine beeindruckende, goldene Konstellation, die der Künstler 1961 in der Martha Jackson Gallery in New York präsentiert hatte. In der Mitte entfaltet ein großes, mit Gold überzogenes Volumen strenge vertikale Linien (An American Tribute to the British People, 1960–1964); auf jede seiner Seiten wird das Hologramm von Merce Cunningham selbst projiziert, eingefangen mitten in einer Aufführung. Die Illusion ist perfekt, und die Überraschung gleich zu Beginn des Rundgangs ist überwältigend. Rückblickend erweist sich der Einsatz von Gold für die „Royal Tides“ als außergewöhnlich in Nevelsons Schaffen und entspricht ihrer kosmischen Weltanschauung. Wie sie selbst erklärt: „ Gold entspringt der Erde. Es ist wie die Sonne, wie der Mond, das Gold. In der Natur gibt es viel mehr Gold, als man denkt, denn jeden Tag verwandeln die Sonnenstrahlen alles, was sie berühren, in Gold. “

Der weitere Verlauf der Ausstellung gestaltet sich düsterer, da die meisten von Nevelson präsentierten Werke von Schwarz umhüllt sind – lange bevor Pierre Soulage dies zum Thema seiner Malerei machte. Man begegnet dort Kaltnadelradierungen, die menschliche Figuren in destrukturierten, aus dem Gleichgewicht geratenen Haltungen darstellen, so wie es auch die Komposition von Nevelsons einzigem Selbstporträt (1946) mit seinen wellenförmigen Konturen tut. Radierungen und Malerei bilden hier subtile Anklänge an den Videoausschnitt, der auf die gegenüberliegende Bilderschiene projiziert wird: Dort erkennt man Martha Graham, deren Körper und Kopf wie bei einer Pietà von einem langen schwarzen Schleier bedeckt sind, während sie ihren Körper im Ballett „Lamentation“ (1935) ausstreckt. Unter dem Videoausschnitt enthüllt eine Serie schwarzer Skulpturen aus Terrakotta Figuren, die nur durch wenige rudimentäre Züge (Augen, Nase, Mund) anthropomorph wirken, wie Kinderzeichnungen. Jede der „Dancing Figures“ besteht aus drei Teilen, die durch eine vertikale Achse miteinander verbunden sind; so können sie nach dem Vorbild der Choreografie unabhängig voneinander in Bewegung versetzt werden. „Ich glaube, dass körperliche Aktivität eine große Quelle der Intelligenz sein kann. Der moderne Tanz schärft zweifellos das Bewegungsbewusstsein, und es ist diese Bewegung, die aus dem Innersten des Wesens kommt, die uns unsere eigene Energie entstehen lässt. “, erklärt die Künstlerin, die über zwanzig Jahre lang bei Ellen Kearns Eurythmie praktizierte. Diese Verbindungen zu anderen Künsten zeugen von Nevelsons Neugier und ihrer interdisziplinären Ausbildung. Kurz nach ihrer Ankunft in New York im Jahr 1920 studierte sie Gesang bei der Opernsängerin Estelle Liebling, aber auch Schauspiel an der von Prinzessin Matchabelli und Frederick Kiesler gegründeten Schule. Wie die bildende Künstlerin in ihrer 1976 erschienenen Autobiografie berichtet, besuchte sie die ersten Aufführungen von Martha Graham. Später entwickelte sie eine Leidenschaft für die präkolumbianischen Kulturen.

Im weiteren Verlauf der Ausstellung werden weitere Facetten seines Schaffens offenbart, wobei die bei seinen Holzskulpturen angewandte Assemblage-Methode aufgegriffen wird. Bereits 1953 lässt sich der Künstler dabei überraschen, wie er verschiedene Pappkartons mit Sprühfarbe besprüht (Untitled). Seine Collagen werden minimalistischer, konzentrieren sich auf die Mitte des Rahmens und zeichnen sich durch eine bewegende Einfachheit der Mittel aus. So auch bei seinen beiden Collagen aus den 1950er- und 1980er-Jahren (Untitled), bei denen lediglich einige Rindenfragmente auf Karton aufgeklebt sind. An einer ganzen Wand reihen sich auf diese Weise konzipierte Werke aneinander, bestehend aus Metallblechen, Klebeband und Zeitungsausschnitten, die dem Ganzen den Charakter eines heterogenen Mosaiks verleihen. An anderer Stelle nimmt ein verrosteter Deckel in der Mitte des Ausstellungsraums Platz ein (Untitled, 1970), während sich andere Rahmen darauf beschränken, Holzabfälle an verschiedenen Stellen zu verteilen. In der Mitte des großen Saals sind mehrere bei einem Trödler aufgestöberte Artilleriekisten versammelt, die vertikal oder horizontal angeordnet sind und mit denen Nevelson wieder an das Thema Volumen anknüpft (Artillery Landscape, 1985). Ein langer Korridor stellt anschließend die von Nevelson angestrebten mondähnlichen Stimmungen nach. Dunkle Bauwerke reihen sich aneinander, alle durch dieselbe Farbe vereint, in denen man große vertikale Vorsprünge wiederfindet, die an die Stadt New York erinnern, wie es auch einige ihrer Titel andeuten, die einen himmlischen Bezug beanspruchen, wie beispielsweise „Skyscapes“, „Chapel“ oder „Sunken Cathedral“. Man schreitet durch die schwarzen Grabstätten einer unbekannten Religion, geschmückt mit Vertiefungen, in denen Fächer aus Schatten und Licht untergebracht sind.

Nevelsons gesamtes Werk präsentiert sich als eine fortwährende Variation desselben Projekts: die Erweiterung der Skulptur zu einem intimen und universellen Ort, der möglicherweise bewohnbar ist, ganz wie ihre „Dream Houses“, die sich an der Grenze zwischen Schutz und Selbstoffenbarung befinden. Eine Vorliebe für modulare Konstruktionen, die sie in verschiedenen Formen umsetzt, vom Vogelkäfig bis zu Militärkisten, vom Modell bis zu den Regalen einer Bibliothek, der das gigantische „Shadow and Reflection I“ (1966) seltsam ähnelt. Geprägt von Andacht und Spiritualität hat Nevelsons Werk auch einen kurzen Ausflug in die Farbe Weiß unternommen. Es ist übrigens diese Farbe, der sie 1977 bei der architektonischen Gestaltung der Saint Peter’s Church ausnahmsweise den Vorzug gab. Diese Installation ist heute die einzige, die in New York dauerhaft zu sehen ist. Die Kunstgeschichte hat ein kurzes und selektives Gedächtnis. Wem nützt das Vergessen ?