Die Dunkelheit sehen

Die Handelsbörse mit ihrer monumentalen Rotunde und ihrer Kuppel, die das je nach Tageszeit wechselnde Licht filtert, ist ein wahrhaft außergewöhnlicher Ort für dieses Projekt. Für diese Ausstellung wurden die Fenster des Gebäudes mit einer Kunststofffolie abgedeckt, die das natürliche Tageslicht in das Licht der Abenddämmerung verwandelt, als würde die gesamte Institution in die Dämmerung übergehen. Diese szenografische Entscheidung ist nicht nebensächlich und spricht den Besucher körperlich an, noch bevor er auf das erste Kunstwerk trifft. Man taucht in einen dämmerungsartigen Zustand ein. Das Licht ist nicht mehr nur eine neutrale Umgebungsgröße, sondern wird zu einem dramatischen Element, und darin hält die Ausstellung ihr grundlegendes Versprechen ein.

Der philosophische Bezugspunkt, der den Parcours strukturiert, stammt von Giorgio Agamben : „ Der Zeitgenosse ist derjenige, der seinen Blick auf seine Zeit richtet, um darin nicht das Licht, sondern die Dunkelheit wahrzunehmen “, schreibt der Philosoph in einem Text*, der die Kuratorin Emma Lavigne inspiriert. Die Idee ist fruchtbar : die Dunkelheit nicht als Versagen des Blicks zu betrachten, sondern als kritische Haltung, als eine Art, der Blendung zu widerstehen. Emma Lavigne formuliert es auf ihre Weise : „ Man geht nicht von einem weißen Blatt aus, sondern von einem schwarzen, um das Licht und die Werke hervorzubringen. “ Eine schöne Formulierung, die etwas Treffendes über die Absicht aussagt.

In der großen Rotunde besticht „Camata (2024)“ von Pierre Huyghe als hypnotisches Werk. Ein autogener Film, der in Echtzeit durch Algorithmen des maschinellen Lernens bearbeitet wird, wird auf eine riesige Leinwand unter der Kuppel projiziert, deren Licht sich im Laufe der Stunden verändert. Das Werk beschwört etwas Uraltes herauf: die Wüste, die robotische Präsenz und das künstliche Gedächtnis, das – wie der Künstler es ausdrückt – weder Ergebnis noch Sinn hervorbringt. Angesichts von „Camata“ wird deutlich, was Hell-Dunkel im Zeitalter der Algorithmen bedeuten kann: nicht mehr der Kontrast zwischen gemaltem Licht und Schatten, sondern zwischen dem, was die Maschine erzeugt, und dem, was sie auslöscht – zwischen dem Bild und seiner Abwesenheit. Pierre Huyghe vereint das Nicht-Existierende und das Verschwundene in einem einzigen visuellen Fluss und versetzt damit die Technik Caravaggios in ein völlig neues Terrain. Es handelt sich um das Meisterwerk der Ausstellung, das ursprünglich in der Punta della Dogana in Venedig präsentiert wurde.

In Galerie 3 präsentiert sich Victor Man, ein fünfzigjähriger rumänischer Maler, als der zeitgenössische Maler des Hell-Dunkel-Kontrasts im wahrsten Sinne des Wortes. Seine in Grünbronze gehaltenen Gemälde zeigen Figuren, die wie Erscheinungen aus einem dunklen Hintergrund hervortreten – auf halbem Weg zwischen der flämischen Tradition und einer melancholischen postsowjetischen Sensibilität. „Titiriteros“ (2023) zeichnet eine düstere Szene, in der die Figuren zwischen der Welt der Lebenden und der Welt der Schatten zu schwanken scheinen. Hier geht es nicht um Hommage oder Zitat, sondern um eine ganz und gar persönliche Bildsprache, die von innen heraus erarbeitet wurde. Der Maler ist einer der wenigen Künstler hier, der das Chiaroscuro wirklich verinnerlicht hat, anstatt es nur als Thema aufzugreifen.

Im weiteren Verlauf des Rundgangs folgt dann „Fire Woman“ (2005) von Bill Viola, ein kontemplatives Video, das von den großen Meistern inspiriert ist. Der Künstler filmt Figuren, die in Zeitlupe aus dem Schatten hervortreten, wobei er Dauer und Lichtintensität so meisterhaft einsetzt, dass das Erlebnis eine ganz neue Dimension erhält. Die Langsamkeit wird hier zu einer Form des Widerstands in einer Welt, die von immer schnelleren Bildern übersättigt ist; der Videokünstler zwingt dem zeitgenössischen Betrachter eine mittelalterliche Zeitlichkeit auf.

Viele Werke scheinen eher aufgrund ihrer dunklen Farbgebung, ihrer schwarzen Hintergründe und ihrer gedämpften Farbpaletten ausgewählt worden zu sein als wegen der Auseinandersetzung mit der Dialektik von Licht und Schatten als strukturellem oder philosophischem Prinzip. Die 24 Vitrinen von Laura Lamiel, die im Korridor rund um die Rotunde angeordnet sind, zeigen weiße Stoffe, Neonröhren, Gemälde und kleine Kulissen, die die Künstlerin als „Landschaften“ bezeichnet – ein akribisches, elegantes Werk, das mit archivarischer Detailgenauigkeit konstruiert ist. Im Kontext dieser Ausstellung läuft es jedoch Gefahr, von den spektakulären Werken, die es umrahmen, in den Hintergrund gedrängt zu werden. Die Anordnung in den Vitrinen schafft Distanz.

„Axial Age“ (2005–2007) von Sigmar Polke, eine großformatige Installation, die mit ihren lichtdurchlässigen, von wechselndem Licht durchfluteten Leinwänden an eine Kapelle erinnert, ist eines der faszinierendsten Werke der Ausstellung – vorausgesetzt, man nimmt sich die Zeit, die es erfordert. Hier wird das Spiel von Licht und Schatten nicht durch den Pinsel, sondern durch das Gehen erzeugt: Erst wenn man durch die Galerie geht, nimmt man die Schichten aus Transparenz und Opazität wahr. Es handelt sich eher um eine seltene Wahrnehmungserfahrung als um eine technische Demonstration.

Wir gehen weiter und entdecken Alina Szapocznikow, eine Überlebende der Konzentrationslager, die zunächst in Prag und anschließend an der École des Beaux-Arts in Paris ausgebildet wurde. Die Künstlerin schuf Skulpturen, die zwischen Pop-Verführung und beunruhigender Fremdartigkeit oszillieren. In diesem Universum steht Schönheit neben dem Schrecken – eine Spannung, die in einer Ausstellung, die den Schatten der Gegenwart gewidmet ist, mit besonderer Kraft nachhallt.

Etwas weiter entfernt zeigt „3 Heads Fountain (Andrews 2)“ (2005) von Bruce Nauman eine Skulptur, die sich zwischen Poesie und Makabrem bewegt und die Grenzen zwischen Lebensquelle und Todesträger verwischt. In „Untitled“ (2020) schließlich beherbergt ein Koffer aus Stahl Fragmente einer religiösen Holzskulptur – ein Symbol für die Zerrissenheit des Exils und die Assimilation von Kulturen. In Danh Võs Schaffen wird jedes Werk zu einer Schichtung persönlicher, kolonialer und religiöser Erinnerungen, in der das Spiel von Licht und Schatten die Form einer stets unvollendeten Geschichte annimmt.

Zu entdecken gibt es auch „Crossroads“ (1976) von Bruce Conner, der Aufnahmen des ersten amerikanischen Unterwasser-Atomwaffentests im Bikini-Atoll im Jahr 1946 zusammenfügt – eine 37-minütige Auseinandersetzung mit dem Schrecken und dem Erhabenen dieses apokalyptischen Ereignisses. 23 Aufnahmen derselben Explosion, kombiniert mit einer hypnotischen Musikkomposition von Patrick Gleeson und Terry Riley: Der in extremer Zeitlupe gefilmte Atompilz wird hier zum Symbol einer erschreckenden Schönheit.

Im Studio im Untergeschoss lässt Philippe Parreno den Besucher in „La Quinta del Sordo“ (2021) eintauchen: Goyas Madrider Haus, das im Schein von Kerzenlicht als 3D-Modell wiederaufersteht und die gespenstischen Figuren der „Pinturas negras“ zum Vorschein bringt. Und im Auditorium beschwört „Melted into the Sun“ (2024) von Saodat Ismailova die Gestalt von Al-Muqanna, einem Mystiker des 13. Jahrhunderts, in einer visuellen Reise herauf, in der sichtbare und unsichtbare Welten miteinander verschmelzen.

Bleibt die umfassendere Frage nach der Einordnung der Ausstellung in die aktuelle Kulturlandschaft. Die Kuratorin Emma Lavigne sieht in dem Thema einen Widerstand gegen das, was sie als das „ Zuviel an Licht und künstlichen Gefühlen “ unserer Zeit beschreibt. In dieser politischen Absicht liegt etwas sehr Gesundes. Es geht darum, der Blendung zu widerstehen, den Strömen überbelichteter Bilder mit künstlichen Inhalten in den sozialen Netzwerken und dieser ständigen Inszenierung von allem und jedem, aus der ein ungesunder Wettbewerb entsteht, Neid entsteht, weil er nicht auf Wissen beruht, sondern auf dem Schein, mit dem Handel getrieben wird.

Das Chiaroscuro war in seiner ursprünglichen Form eine schockierende Technik, fast schon gewalttätig in der Art, wie das Licht vor dem Hintergrund der Dunkelheit hervorbrach. Die Ausstellung hingegen setzt auf eine Atmosphäre der beschaulichen Kontemplation. Hier sind die Schatten eher gezähmt und die Dunkelheit gezähmt. Sie hätte noch tiefer in das Herz der Dunkelheit vordringen können. Doch diese Beherrschung ist kein Mangel, sondern eine explizit eingenommene Haltung.

„Clair-obscur“ ist eine bemerkenswert gut konzipierte Ausstellung, die sich durch eine stimmige szenografische Gestaltung auszeichnet und von zahlreichen Werken von seltener Intensität getragen wird. Sie sagt etwas Wahres über unser heutiges Verhältnis zu Licht und Dunkelheit aus, über die Versuchung, zu sehen, und die Notwendigkeit, nicht alles zu zeigen.