D’Land : Die Produktion Ihres Films erstreckte sich über vier Jahre, von 2020 bis 2024, mitten in der Covid-Pandemie. War es dieser gesundheitliche Kontext, der Sie dazu veranlasst hat, drei Menschen in den Mittelpunkt zu stellen, die in einem Krankenhaus arbeiten?
Payal Kapadia : Eigentlich habe ich bereits 2018 mit der Arbeit an dem Film begonnen, lange vor Covid. Einige meiner Familienmitglieder waren damals sehr krank, und ich musste mich um sie kümmern. Ich war ständig unterwegs, von einer medizinischen Einrichtung zur nächsten, von einem Krankenhaus zum anderen. Ich war in meinem letzten Studienjahr als Filmregisseurin. Für meinen Abschluss musste ich einen etwa zwanzigminütigen Film abgeben. Da ich viel Zeit in den Wartezimmern verbrachte, beobachtete ich das Leben in den Krankenhäusern – das faszinierte mich. Es erschien mir spannend, dies in Szene zu setzen, insbesondere weil dort viele Frauen arbeiten. Die Frage nach den Beziehungen zwischen Frauen und der Arbeitswelt erscheint mir in der Tat von zentraler Bedeutung, und ich hatte hier den perfekten Rahmen, um sie anzugehen. Das Krankenhaus ist wie ein Mikrokosmos der Stadt: So viele verschiedene Menschen sind dort anzutreffen, so viele unterschiedliche Sprachen werden dort gesprochen. Ich begann mit der Arbeit an meiner Abschlussarbeit, und es stellte sich schnell heraus, dass diese die vorgesehenen zwanzig Minuten bei weitem überschreiten würde! Ich legte dieses Thema beiseite und widmete mich anderen Projekten. Dann kam Covid, was die Welt des Gesundheitspersonals weltweit wirklich in den Fokus rückte, was mich dazu veranlasste, dieses Projekt wieder aufzunehmen, so wie ich es mir ursprünglich vorgestellt hatte, denn es beinhaltet Themen, die mich schon sehr lange beschäftigen.
Sie würdigen die Freundschaft und Solidarität unter Frauen sowie das Klassenbewusstsein der Krankenschwestern. Frauen pflegen die Welt mit ihren Händen. Ich nehme an, dass Frauen für Sie ein entscheidendes politisches Thema auf dem Weg zu einer gleichberechtigten indischen Gesellschaft darstellen ?
Ich wollte mich von den Filmen distanzieren, die von Männern gedreht wurden und in denen Frauen auf die Rolle der Freundin, der Schwester beschränkt sind… Ich bin in einem Umfeld aufgewachsen, in einer Familie mit vielen Frauen, und so drängte sich mir das Leben der Frauen ganz natürlich als Thema auf, das es zu erforschen galt. Ich bin mir nicht sicher, ob das eine bewusste Entscheidung war; ich habe einfach die Geschichten aufgegriffen, in denen ich aufgewachsen bin. Und natürlich ist das politisch geworden. Eine Frau, die einen Film über Frauen dreht, das ist leider schon politisch! (lacht)
In der indischen Filmindustrie hat sich kürzlich eine Bewegung gebildet, die sexuellen Missbrauch durch Männer anprangert. Glauben Sie, dass dies der Beginn eines allgemeineren Bewusstseinswandels in Indien sein könnte, so wie es beispielsweise bei der #MeToo-Bewegung der Fall war ?
Das hoffe ich ! Dieser Bericht (der Hema-Kommission zu sexuellem Missbrauch in der indischen Filmindustrie, Anm. d. Red.) ist bemerkenswert, insbesondere die Gründung des Frauenkollektivs, das „Women in Cinema Collective“ mit Sitz in Kerala, das sich für die Rechte aller in der Filmindustrie tätigen Frauen einsetzt – nicht nur der Schauspielerinnen, sondern auch der Maskenbildnerinnen, Kostümbildnerinnen, Technikerinnen usw. Sie haben sich zusammengeschlossen, um die Veröffentlichung dieses Berichts zu erreichen – ein schönes Beispiel dafür, was weiblicher Zusammenhalt bewirken kann. Ich hoffe, dass dies einen strukturellen Wandel im Arbeitsrecht für Frauen in Kerala bewirken wird, was einen enormen Fortschritt darstellen würde. Ich finde es auch sehr ermutigend, dass es endlich zu Festnahmen gekommen ist, denn als es die #MeToo-Welle gab, wurden in anderen indischen Studios Fälle von missbräuchlichem Verhalten angeprangert, die jedoch ohne Folgen blieben. In Kerala sind die Gewerkschaften seit langem stark; dieser linksgerichtete Bundesstaat blickt auf eine lange Gewerkschaftsgeschichte zurück, weshalb die Regierung dort sicherlich eher bereit ist, diese Veränderungen anzunehmen. Hoffen wir, dass die anderen Bundesstaaten folgen werden!
In Ihren Filmen, beginnend mit „Afternoon Cloud“ (2017), inszenieren Sie unglückliche Liebesgeschichten. Es geht gewissermaßen um die Liebe im Widerspruch zur etablierten Ordnung, wie beispielsweise in den Melodramen von Douglas Sirk. Glauben Sie, dass die Liebe Menschen verändern und sie aus dem Griff von Dogmen und religiöser Moral befreien kann?
Ich glaube, dass Liebe und Revolution in gewisser Weise miteinander verbunden sind (lacht). Ohne Liebe kann man keine revolutionären Gefühle hegen. Liebe ist in Indien sehr politisch – eigentlich ist sie das überall, es hängt ganz davon ab, welche Privilegien man hat (oder eben nicht!). In Indien ist Liebe ein sehr präsentes Thema für meine Generation, für unseren Zeitgeist. Unsere Generation empfindet große Frustration in dieser Frage: Junge Menschen, die über finanzielle Mittel verfügen und in einer Art Modernität leben, werden in ihren Liebesentscheidungen eingeschränkt; sie sind in den sozialen Problemen des Kastensystems gefangen. Frauen sind davon am stärksten betroffen, da die Ehre der Familien von ihnen abhängt. Die Frau ist gewissermaßen deren Eigentümerin, was mich sehr wütend macht. Meine Filme kehren unermüdlich zu dieser Frage zurück.
Ihre Filme zeichnen sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit der Form aus: Sie greifen insbesondere auf heterogene Materialien zurück, wie beispielsweise die Gemälde von Arpita Singh in „Afternoon Clouds“. Auch Ihre Mutter, Nalini Malani, ist selbst Malerin und Videokünstlerin. Welche Verbindung stellen Sie zwischen Ihren Filmen und der Malerei von Arpita Singh sowie dem Werk Ihrer Mutter her?
Das Werk von Arpita, einer der ersten indischen feministischen Künstlerinnen, die ich sehr bewundere, unterscheidet sich stark von dem meiner Mutter: Es wirkt manchmal auf den ersten Blick schlicht, bedient sich jedoch oft Alltagsgegenständen wie Blumentöpfen, und ich liebe es, wenn diese Gegenstände mehr werden, als sie eigentlich sind. Aus ihrem Werk habe ich diesen Grundsatz abgeleitet: eine fast kindliche Naivität, die weit mehr verbirgt, als man vermuten würde. Meine Mutter hingegen behandelt in ihrer Kunst viele politische Themen. Was ich vor allem von ihr gelernt habe, ist, dass sie auf eine Vielzahl unterschiedlicher Medien zurückgreift: Fotokopien, Malerei, Druckgrafiken, Videos… Auch ich greife in meinen Filmen gerne auf eine solche Vielfalt an Formen zurück; es ist, als würde man ein Patchwork oder eine Collage gestalten. Diese Methode schätze ich sehr, als wäre der Film auf einem Küchentisch entstanden. Der handwerkliche, manuelle Aspekt ist mir sehr wichtig.
Ihr Kino ist auch ein Kino der Stimme, des Intimen. Oft lösen sich die Stimmen vom Körper der Figuren und gewinnen an Eigenständigkeit. Welche Bedeutung messen Sie dieser Trennung zwischen Körper und Stimme bei?
Das Besondere am Kino ist für mich der Schnitt. Von Bildern, von Tönen, von Tönen und Bildern. Der menschliche Geist besitzt die unglaubliche Fähigkeit, aus jeder Montage einen Sinn zu erschließen. Wir haben uns intensiv mit dem sowjetischen Kino der 1920er Jahre beschäftigt, mit Eisenstein, Pudowkin … deren Namen in meinem Film wie ein Slogan zu hören sind (lacht). Ich schätze daran die scheinbare Trennung zwischen den Elementen, obwohl man deutlich spürt, was sie verbindet, und ich versuche, dies im Kino nachzubilden. Ich vertraue darauf, dass das Publikum den Sinn findet. Auch ich selbst als Zuschauerin schätze es, wenn mir dieser Spielraum, dieser Freiraum geboten wird, um eine Bedeutung neu zu erschaffen. Die Lücken mit meinem Wissen und meiner Erfahrung zu füllen. Das liebe ich bei Miguel Gomes, insbesondere in „Tabou“, oder bei Chantal Akerman („News from Home“, 1977) und in „Cléo de 5 à 7“ (1962) von Agnès Varda. Das befreit mich !
Wird „All We Imagine As Light“ in den Kinos in Indien gezeigt?
Dank des Grand Prix in Cannes habe ich einen indischen Verleiher gefunden. Filme wie meiner bleiben oft unbemerkt, nicht so sehr wegen ihres Themas, sondern vielmehr wegen der indischen Filmindustrie, die so groß ist, dass nur wenige Verleiher es wagen, Werken wie diesem einen Platz einzuräumen. So gibt es viele unabhängige indische Filme, die man auf Festivals sieht, die aber leider nicht in den indischen Kinos laufen, obwohl es so viele hochwertige Werke gibt. Er wird also am 8. November in Indien anlaufen! Darüber freue ich mich sehr.
Haben Sie schon ein nächstes Filmprojekt im Sinn ?
Ich möchte einen Film drehen, der sich ausschließlich mit Mumbai befasst. Bei meinen Recherchen für den letzten Film habe ich so viele spannende Dinge über meine Heimatstadt entdeckt, dass ich ihr viele Werke widmen könnte ; aber die Dreharbeiten dort sind sehr kostspielig. Dieser Film wird sich ein wenig von den vorherigen unterscheiden – es wird wahrscheinlich ein Thriller werden! Aber man wird darin die Themen wiedererkennen, die mir am Herzen liegen!
