Es gibt diese Momente, die man am liebsten endlos genießen würde. Im Zeitalter von Netflix und Folgen, die automatisch mitten im Abspann weiterlaufen, sind die Enden nicht mehr ganz dieselben. „Tell me I’m not dreaming / But are we out of time?“, singt Damon Albarn zum Abschluss seines Konzerts in der Philharmonie an diesem Samstagabend. Ein ikonischer Song von Blur, vielleicht der schönste, den er je geschrieben hat, um den meisterhaften Auftritt eines außergewöhnlichen Musikers zu krönen. Ja, Damon, du träumst nicht, wir sind tatsächlich außerhalb der Zeit. Eine Zeit, die uns einholen wird, eine Stunde und fünfzehn Minuten nach dem Auftritt. Eine Zeit, die wir gerne die ganze Nacht lang verlängert hätten.
Damon Albarn ist vielleicht der faszinierendste (Nicht-)Popstar seiner Generation, ein Chamäleon, das seine Einflüsse unter anderem von seinem Idol David Bowie bezieht, mit dem er die Vorliebe für Verwandlung und Entdeckungslust teilt. In den dreißig Jahren seiner Karriere in der Musikbranche (Blurs Debütalbum „Leisure“ erschien 1991) hat sich der Brite immer wieder neu erfunden und eine spannende Diskografie aufgebaut, die stets in eine neue Richtung zu führen scheint. Ob Blur, Africa Express, Gorillaz, The Good, the Bad and the Queen, Rocket Juice and the Moon, The Heavy Seas oder einfach nur er selbst – jede Inkarnation ermöglicht es ihm, etwas Neues zu erkunden, vom Afrobeat bis zum Musical, vom Indie-Rock bis zum psychedelischen Funk, von Elektro bis Hip-Hop, ohne stilistische oder geografische Grenzen.
Der jüngste Lockdown führte ihn nach Island, seiner zweiten Heimat (er besitzt dort die Staatsbürgerschaft), wo er zu Beginn des Jahrtausends ein Haus baute, das den Blick auf das Meer, die Berge und die Gletscher freigibt und dessen Panoramafenster einen Ausblick auf das Schönste bietet, was die Natur zu bieten hat. Man konnte sich kaum vorstellen, dass Damon Albarn diese Zeit zu Hause nutzen würde, um sein Roggenbrot-Rezept zu verfeinern, und so komponierte er dort, inspiriert von einem Gedichtband von John Clare, den ihm seine Mutter als Teenager geschenkt hatte (Love and Memory, 1829), The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows, sein neuestes Konzeptalbum, das sich durch kontemplative Lyrik und atemberaubende Schönheit auszeichnet.
Was könnte zeitgemäßer sein als diese Ode an die Zerbrechlichkeit der Umwelt, vermittelt durch Pop-Songs, die doch eigentlich gar keine sind ? Stücke von beruhigender Schönheit, die nicht unbedingt auf Anhieb einfallen, sondern sich mit der Zeit in unseren Köpfen festsetzen, um uns schließlich nie wieder zu verlassen. Zeitlose Melodien, die am Klavier zwischen Island und Devon (im Südwesten Englands, wo er auch ein Haus am Meer besitzt) entstanden sind und durch Streicher, Blechbläser und Percussion bereichert werden – man hört sie am besten in einem Zug, wie einen langen Tagtraum.
Die szenische Umsetzung dieser Kompositionen ist vielleicht sogar noch schöner als die aufgenommene Version. Flankiert von acht Musikern (Gitarre, Bass, Schlagzeug, klassische und exotischere Percussion-Instrumente, Saxophon, Violinen und Cello) und am Flügel sitzend, hat sich Damon Albarn für den orchestralen Weg entschieden, um die ganze Schönheit dessen wiederzugeben, was er jeden Tag sieht, wenn er vor der Küste von Reykjavik seinen Morgenkaffee trinkt. Das Konzert beginnt im Halbdunkel mit jenem wiederkehrenden Motiv, das sich durch das gesamte Album zieht. Dann erklingt diese unter Tausenden unverkennbare Stimme, eine Stimme, die Gänsehaut verursacht. Wenn sich die Schatten lichten, erkennt man allmählich Damons Brille, getönt im Stil der von Elton John, mit dem er glücklicherweise nur in diesem einen Punkt vergleichbar ist.
Das Konzert ist als Reise konzipiert, als rasante, aber gehaltvolle Reise mit wenigen Zwischenstopps. Die Übergänge zwischen den Stücken sind besonders sorgfältig gestaltet und verleihen dem Ganzen einen experimentellen und jazzigen Touch, der das Gefühl der Einheit, das dieses Konzeptalbum vermittelt, noch verstärkt. Besondere Erwähnung verdienen „The Cormorant“, „The Tower of Montevideo“ und „Polaris“, die durch die Qualität der Musiker, die wir glücklicherweise in unserer Mitte haben, noch besser zur Geltung kommen.
Was die Auswahl angeht, gibt es keine Überraschungen: Die Stücke folgen genau in derselben Reihenfolge wie auf dem Album, aber was macht das schon aus. Die Schönheit der Arrangements, die Virtuosität der Musiker und diese Stimme entschuldigen alles, außer vielleicht die mangelnde Kommunikation eines überzeugten Pazifisten in diesen unruhigen Zeiten. „Thank you, merci, danke schön“ – mehr wird man dem Londoner nicht entlocken können. Damon Albarn verließ seine Komfortzone (hinter seinem Klavier) nur ein einziges Mal, um im langen Intro von „Combustion“ eine Art riesige Vuvuzela zu spielen. Man entlockte ihm auch ein leicht verlegendes Grinsen, als bei einem der mitreißendsten Titel („Royal Morning Blue“, der poppigste des Albums) ein Teil des Publikums etwas zögerlich und nicht immer im Takt in die Hände klatschte (eine unbestätigte Theorie besagt, dass es dieselben Leute sind, die auch klatschen, wenn ein Flugzeug landet).
Wenn man bei einem so anmutigen Auftritt unbedingt etwas zu bemängeln hätte, hätte man sich gewünscht, dass die Band angesichts ihres so reichhaltigen Backkatalogs etwas tiefer in die Materie eingestiegen wäre. Es ist kaum zu glauben, dass ein Stück aus seinem ersten Soloalbum (dem großartigen „Everyday Robots“ aus dem Jahr 2014, das in mancher Hinsicht ebenfalls düster und nachdenklich ist) keinen Platz in der Setlist finden konnte. Man denkt dabei insbesondere an das bemerkenswerte „Heavy Seas of Love“, von dem man schwören könnte, dass es wie geschaffen für eine solche Veranstaltung ist.
Wir begnügen uns mit einer kurzen, aber makellosen, fast schon feierlichen Meisterleistung, deren melancholisches Finale in Form einer Frage endet. „Where’s the love song to set us free?“, fragt Damon in „Out of Time“. Ein brennendes Rätsel, auf das heute offenbar niemand eine Antwort zu haben scheint.
