Nach ihrem Leben

Mein letzter Wille… Meine letzten Wünsche. Stellt sich ein zeitgenössischer Künstler – sei er nun eher jung oder in den besten Jahren – die Frage nach seinem Nachruhm? Hat er schon einmal darüber nachgedacht, welches Werk er der Zukunft hinterlassen wird? Die Antwort könnte einfach sein: „Das“ Gemälde, „die“ Installation oder „das“ Video, das der Künstler für das prägendste hält, wird das sein, was bleibt. Eine „narzisstische“ Wahl, ganz im Sinne einer Gesellschaft, in der der Lebensdrang des Eros gegenüber Thanatos maßlos gefeiert wird. Doch seit der Pandemie, der Krankheit und dem Tod, seit der Erkenntnis, dass der Planet Erde schwer erkrankt ist, und seit den bewaffneten Konflikten, die wieder vor die Tore der westlichen Welt zurückgekehrt sind, gibt es Whistleblower, zu denen auch die Künstler gehören.

„My Last Will“ ist also ein Manifest in Form eines Testaments, das man in unserem bequemen Konsumkult nicht einfach nur im Vorbeigehen besichtigen kann. Gleich zu Beginn wird die Zahl der Todesopfer weltweit in Echtzeit auf einem riesigen LED-Bildschirm in der Eingangshalle des Kunstzentrums angezeigt (Santiago Serra, „Death Counter“). Man geht davon aus, dass ein Teil von ihnen, bevor sie starben, ihren letzten Willen zu Papier gebracht hat. Die Testamente der 32 Künstler, die einen dicken Stapel versiegelter Blätter bilden – wie es bei einer notariellen Urkunde üblich ist –, können nach der Ausstellung eingesehen werden. Der umfangreiche Band (Hrsg. Walther und Franz König) ist der Ausstellungskatalog, der die Intentionen von „My Last Will“ enthält. Denn die Idee – provokativ selbst für die konzeptuell über ihr Schaffen nachdenkenden Künstler von M+M (Marc Weis und Martin De Mattia) – bestand darin, ihre Gäste zu bitten, ihnen das Pflichtenheft des Werks zu übergeben, das ihr visuelles Schaffen für diese Ausstellung charakterisiert.

Drei Auszüge davon sind im ersten Stock des Casinos im zentralen Bereich zu sehen, als wären wir Besucher Forscher aus einer Zeit nach dem Tod der Künstler. Was waren ihre Anliegen? Da sind zum Beispiel die Fotomontagen der Zwillinge L.A. Raeven, deren einzigartiges Gesicht zur Hälfte aus dem Gesicht der einen und zur Hälfte aus dem der anderen besteht. Einzigartig wird die eine erst nach dem Tod der ersten sein, und so haben sie für die Ausstellung die Roboterpuppe Annelies geschaffen, die ihr tröstender Ersatz bleiben wird …

Aber fangen wir ganz von vorne an und besuchen wir dieses „imaginäre Museum“, in dem man auf einem weichen, pollen-gelben Teppich spaziert, um ein so ernstes Thema mit Hoffnung, Abstand und sogar ein wenig Humor zu betrachten. Schließlich ist Pollen das Leben. Heißt es im Volksmund nicht „Löwenzahn mit den Wurzeln essen“? Genau das sieht man auf den ersten Blick, sobald man die letzten Stufen der Treppe erklommen hat: einen schwarzen Schuh, aus dem Grün sprießt. Wir wären nicht in unserer Zeit, wenn die Bedeutung von Iván Argotes Werk so einfach wäre. Seine „Wild Flowers: A Foot“ gehören zu den politischen Werken der Ausstellung. Die indigenen Völker erlangen ihre Rechte zurück, die Statuen der Kolonisatoren werden gestürzt und die Vegetation überwuchert ihre Trümmer.

Eine ähnliche Umkehrung findet sich in dem Video „White Cube“ von Renzo Martens (der die Niederlande auf der Biennale in Venedig vertritt). Der „Cercle d’Art des Travailleurs de Plantation Congolaise“ (CATPC) fertigt darin Skulpturen aus Lehm an, der aus lokalen Flüssen gewonnen und in den Niederlanden mittels 3D-Verfahren aus Kakao und Palmöl nachgebildet wird – Rohstoffe, die einst im Kongo ausgebeutet und von den Kolonialherren exportiert wurden. Bemerkenswert sind dabei die Ironie des Titels „White Cube“ und die Klarsicht des Künstlers: Der kolonialistische Kontext lässt sich angesichts der Form der selbst pflanzlichen Statuetten nicht neutralisieren, die somit dem kolonialen Erbe nicht entzogen werden können…

Gemälde im klassischen Sinne sind in der Ausstellung im Vergleich zum Einsatz neuer Technologien eher selten. Dennoch besticht das großformatige Gemälde „Cosmic Player“ von Portia Zvavahera (Simbabwe) durch seine Ausdruckskraft: Zwei Figuren in mystischer Vereinigung, Motive aus ihren Träumen, schweben in einer ornamentalen Umgebung, die an die Schablonenkunst ihres Landes angelehnt ist. Es gibt weitere (gezeichnete) Ausdrucksformen, die in den Bereich der persönlichen Erzählung fallen: kurz zu erwähnen sind das Storyboard von Agnieszka Polska „My Last Will“ oder das von Marcel Dzama „D’ailleurs, c’est toujours les autres qui meurent?“, das die Inschrift auf dem Grab von Marcel Duchamp zitiert…

Das Casino, das diese Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Kunstsammlung Chemnitz präsentiert – hier kommen fünf Originalwerke hinzu –, knüpft an sein ursprüngliches Bestreben an, ein Forschungsraum für zeitgenössische Kunst zu sein. Dabei kommt der Humor nicht zu kurz. So zum Beispiel das Selfie des Schweizer Künstlers Olaf Breuning, dessen Selbstporträt sich auflöst, bis am Ende nur noch das „Daumen hoch“-Emoji übrig bleibt. Sozusagen, um zu sagen: „Mission erfüllt“. Bei Eric Van Lieshout ist es das Werk selbst, das in „The Inheritance“ verschwindet – und zwar durch die Schuld seines Vaters, der in einem Moment der Großzügigkeit in seinem Wahnsinn die Werke seines Sohnes an seine Freunde verschenkt hat.

Diese Momente der Atempause sind angesichts der Thematik selbst und der bisweilen bedrückenden Atmosphäre notwendig. So wie in dem Video des Kollektivs MASEBO, das uns scheinbar zu sagen scheint: „Das ist es, was euch erwartet.“ Die faltige Haut ihrer Mütter, die ein Leben voller Mühen widerspiegelt, wird in einem Kinosaal auf eine große Leinwand projiziert. Man hört auch die Grabinschrift mit den schlichten Initialen B.B., hinter denen sich im Gegensatz dazu das verehrte Werk von Bertolt Brecht verbirgt (Simon Wachsmuth, Epitaphe, Ausgeführte und Ausständige). Es ist „die“ poetische und wundersame Bedeutung des menschlichen Schaffens, die auch die Weltkarte feiert, die auf dem Foto von Cément Cogitore, „Zodiac“, direkt auf den Rücken eines Mannes tätowiert ist.

„Inspiriert von einem Holzschnitt von Albrecht Dürer verwebt der Künstler Motive von der Antike bis zur Gegenwart auf untrennbare Weise miteinander. Die Geschichte des Bildes ist geprägt von einer ununterbrochenen Abfolge von Erbe und Weitergabe “, wird uns erklärt. Dies gilt auch für die Fotoserie von Ricarda Roggan über die Brillen von Ernst Bloch, Beethoven und Schlegel. Die Gläser aus „Apokryphen“, die aus der Vergangenheit stammen, scheinen uns anzublicken. Was ist ihr Erbe, was wissen wir darüber? Erinnerung, Vergessen, ewige Rückkehr zum Anfang, in der Geste selbst: Su Mei-Tse (Shaping, Video) formt einen Topf aus Ton auf einer Töpferscheibe. Das Material wird zur Vase, sackt jedoch zusammen, sobald die Hände nachlassen. Alles ist nur eine Abfolge von gegenwärtigen Augenblicken.

Wenn man wieder ins Erdgeschoss hinuntergeht, kann man sich ausruhen und nachdenken – ist das eine Art, sich Vergebung zu erwirken? &– über die Zukunft, die die Wunden hinterlassen werden, die wir der Erde zugefügt haben, in der Gruft (der verwendete Begriff „Grabkapelle“ ist nicht von ungefähr gewählt). Nur dass der schallisolierte Raum auf ein Endlager für Atommüll in Finnland ausgerichtet ist. Das Kultobjekt mag zwar ästhetisch gelungen sein, besteht aber aus aufgestapelten Toilettenschüsseln.

„My Last Will“ sollte mit der ganzen Aufmerksamkeit besichtigt werden, die die bildende Kunst in ihrer zeitgenössischen Ausdrucksform und beim Einsatz modernster Techniken und Technologien verdient. Es empfiehlt sich, die Erläuterungen zu den einzelnen Künstlern herunterzuladen. QR-Codes, Videos und Tonaufnahmen spielen bei „My Last Will“ eine wichtige Rolle. Wenn man ihnen folgt, erhält man ein besseres Verständnis der Werke.