Ich schreie flüsternd

Weißes Quadrat: Wenn sie vor einer fast makellosen Wand stehen bleibt – in ihrer Latzhose, die eher an eine Arbeitskleidung als an ein modisches Outfit erinnert –, denkt man, dass man etwas im Werk von Aurélie d’Incau (geb. 1990 in Luxemburg) übersehen hat. Auf den ersten Blick sieht das Werk, das sie für die Triennale des Jeunes (diesen Sommer in den Rotondes und im Casino Luxembourg) geschaffen hat, aus wie ein mit Bleichmittel behandelter Mondrian: weiße Stoffrechtecke, auf Keilrahmen gespannt. Der Titel gibt uns einen kleinen Hinweis: „Ech gesinn eppes wat s du net gesäis“ und lädt uns ein, hinter den ersten Eindruck zu blicken. „Es ist eine Einladung zu einer Art Spiel, das das Kind in uns allen anspricht“, erklärt sie. Mit der Kamera seines Handys ausgestattet, kann der Besucher kleine Szenen entdecken, die sich im Inneren der gespannten Leinwände abspielen – eine Parallelwelt, die man nur durch das Bild, das man davon macht, wahrnehmen kann. Auf Aufforderung der Künstlerin hin – durch den Text auf dem Wandschild – werden wir so zu Voyeuren. Eine Möglichkeit für sie, unseren täglichen Bildkonsum und unser Hass-Liebe-Verhältnis zur virtuellen Welt zu hinterfragen. Sie verweist auf eine Art Frustration darüber, nicht direkt in das Innere des Werks blicken zu können, sowie auf eine Spannung zwischen dem Realen (den kleinen Figuren und den verborgenen Kulissen) und dem Virtuellen (den Bildern, die wir davon machen).

Mit diesem Verfahren regt Aurélie d’Incau den Betrachter dazu an, über den ersten Eindruck hinauszuschauen – „Neugierde kann man lernen und trainieren“, sagt sie – und bezieht ihn in das Werk mit ein. „Ich nutze ihre Aufmerksamkeit oder ihr unbewusstes Verhalten als Medium.“ Die Interaktion steht im Mittelpunkt aller Arbeiten der Künstlerin. Das war bereits bei „Zuch“ der Fall, das sie 2018 in den Rotondes präsentiert hatte. Auch dort war die Installation nur über ein Smartphone sichtbar und belohnte die Neugier derjenigen, die „es wagen, ihr Handy auf ein Abenteuer zu schicken“. In diesem Fall filmte das Gerät auf einer elektrischen Eisenbahn eine Kulisse in einer schwarzen Box und gab einen kleinen, personalisierten Animationsfilm wieder. Diese beiden Werke machen sich über unsere Abhängigkeit vom Smartphone lustig und fördern sie zugleich, denn ohne es hat man keinen Zugang zum Werk. Das fasst die Ambivalenz des Charakters und der Arbeiten von Aurélie d’Incau recht gut zusammen, die sich selbst als „gleichzeitig Großmutter und Kind, auf jeden Fall nicht wirklich erwachsen“ definiert: Sie wirft einen kritischen Blick auf die Gesellschaft, ist eine ewige, unzufriedene Nörglerin und nutzt gleichzeitig das Spiel und das Verspielte als kreatives Werkzeug, ganz wie kleine Kinder, die sich eigene Welten und imaginäre Freunde erschaffen.

„Erwachsene können spielen, sie haben es nur vergessen“, sagt sie und betrachtet das Spiel als die höchste Form des Lernens. „Das Spiel ist eine politische Waffe, denn es hinterfragt die Freiheit des Menschen, seine Fähigkeit, sich an andere und an gemeinsam festgelegte Regeln anzupassen (um diese manchmal besser umgehen zu können).“ Beim Spielen testet man den anderen und sich selbst in einem sozialen Paradigma: „Ich möchte den Einfluss des Einzelnen innerhalb des kollektiven Denkens aufzeigen“, fügt sie hinzu. Ihr Werdegang hatte übrigens mit einem Studium der Politikwissenschaften begonnen, weil sie „die Welt verändern“ wollte. Als sie dort „einen Mangel an Kreativität“ feststellte, wechselte sie zu einer künstlerischen Ausbildung in Maastricht (Bachelor in Visual Arts), die sie in Lissabon (Master in Artistic Education) fortsetzt – stets mit der Intuition, über ihre Zuschauer Einfluss auf die Gesellschaft nehmen zu können. „Als Künstlerin fühle ich mich dafür verantwortlich, zur Verbesserung der Gesellschaft beizutragen.“

Schon in ihren Abschlussarbeiten bezog Aurélie d’Incau das Publikum so stark mit ein, dass sie es verunsicherte oder in die Enge trieb. So ist „Igloo“ (2017) eine monumentale interaktive Installation, die nur für die Dauer des Besuchs existiert: Die Konstruktion wird nach und nach zerstört, während die Besucher in den Raum eindringen. Das Werk existiert nur durch die Anwesenheit des Publikums, auch wenn dieses es zerstört. Damit spielt sie mit dem Konzept des Schmetterlingseffekts (jede Geste hat Konsequenzen, auch wenn diese noch so fern sind).

Die Forschungen, die Aurélie d’Incau in ihrer künstlerischen Praxis leiten, sind eng mit pädagogischen Theorien verbunden – sie ist der Ansicht, dass Kunst ein Mittel zur Sensibilisierung sein muss – sowie mit den Neurowissenschaften, einem streng wissenschaftlichen Ansatz, der ihrer eher intuitiven Arbeitsweise einen Rahmen gibt. Das Ergebnis sind Werke, die „weder protzig noch instagramtauglich“ sind, die aber langfristig zum Nachdenken anregen – wie ein Traum, an den man sich nur bruchstückhaft erinnert und der eine leise Melodie im Hinterkopf hinterlässt. Das ist es, was sie dazu bringt zu sagen, dass sie „flüsternd schreit“: Sie erschüttert die gängige Sichtweise der Betrachter, hinterfragt deren Überzeugungen, stellt deren Weltbild in Frage – jedoch auf eine leichte, Low-Tech-Art und Weise, fast unmerklich. Daraus ergibt sich ein „Zerrissensein“ zwischen dem Wunsch nach Anerkennung als Künstlerin und einer entschieden diskreten Kunst, bei der sich die Künstlerin hinter dem Handeln des Besuchers zurückzieht.

Kollektiv Die kollektive Arbeit ist eine Form der Antwort auf diese Spannung, insbesondere wenn sie aus einem Forschungs- und Schaffensaufenthalt hervorgeht. Dies gilt für „Antropical“, das Aurélie d’Incau 2016 (zusammen mit der Künstlerin Clio Van Aerde) im Rahmen des Kolla-Festivals ins Leben gerufen hat – mit einer Künstlerresidenz, aus der jährliche Publikationen hervorgingen. „Die Idee der Forschung bestand darin, das Engagement des Publikums außerhalb eines institutionellen Rahmens durch unabhängige künstlerische Praktiken anzugehen“, fasst sie zusammen. Fünf Jahre später hat sich Antropical zu einem internationalen Kollektiv mit rund zwanzig internationalen Künstler*innen entwickelt, die sich für soziale, ökologische und spielerische Praktiken begeistern, ganz im Sinne ihres „Ministry of Strange Affairs“. Ein Büro auf Rädern stellte Pässe für den „State of Mind“ aus – eine Hinterfragung bürokratischer Abläufe und der Sinnhaftigkeit von Grenzen, die dabei Ironie und Spott nicht außer Acht lässt. Beim Betreten des Festivalgeländes im Jahr 2019 mussten die Besucher Grenzkontrollen passieren, bei denen sie einen Pass für den utopischen Staat Kolla erhielten. Die neuen Bürger wurden über die Gesetze von Kolla informiert und mussten an bestimmten interaktiven Performances teilnehmen, um das Gelände wieder verlassen zu dürfen. „Aufgrund mangelnder Disziplin seitens unserer Grenzpolizei befürchten wir, dass zahlreiche illegale Festivalbesucher ohne die erforderlichen Dokumente und Visa in die reale Welt zurückgekehrt sind“, schreibt die Website des Kollektivs scherzhaft, während sie weiterhin Kunstwerke schafft, die für die Inhaber dieses skurrilen Reisepasses zugänglich sind. Im vergangenen Jahr, als kein Festival stattfand, legten die Künstler von Antropical einen 29 Kilometer langen Wanderweg an, der von etwa zehn meist interaktiven Kunstwerken gesäumt war. Mit „Eng aner Siicht op d’Natur“ wollten sie so die Rolle der Kunst bei der Wiederannäherung von Mensch und Natur erforschen.

Aurélie d’Incau nahm im März 2020 auf Einladung von Nora Wagner gemeinsam mit Carole Louis und Trixi Weis an einem gemeinsamen Künstleraufenthalt teil. „Jamais peut-être“ war eine Möglichkeit, mit anderen Künstlerinnen zusammenzuarbeiten, ohne physisch anwesend zu sein – bedingt durch den Lockdown. Eine Woche lang schuf jede von ihnen Werke, die nach dem Prinzip der „Cadavres exquis“ an die anderen weitergereicht wurden. Im November wird die Künstlerin im CaW in Walferdange zu sehen sein. Für ihre Ausstellung „Noitibihoc“ hat sie beschlossen, ihre Mitstreiterin Clio Van Aerde einzuladen, um gemeinsam eine Ausstellung zu gestalten, in der „Menschen willkommen sind, die ihr spielerisches Ich (wieder)entdecken möchten“. Kinder sind zwar willkommen, doch richtet sich die Ausstellung vor allem an Erwachsene aus allen beruflichen Bereichen. Der Spielplatz basiert auf der Geschichte zweier Bürokraten, die versehentlich auf die Erde gefallen sind und vergessen haben, wer sie waren und wie sie ihre Arbeit richtig erledigen. Nun müssen sie sich eine neue Persönlichkeit ausdenken und überlegen, wie sie ihr Leben (de-)komponieren können. Das Publikum soll ihnen dabei helfen. Der Titel, „cohibition“ rückwärts gelesen, klingt wie das Gegenteil von Hemmung… Das Besondere an allen Kreationen von Aurélie d’Incau