Bildlicher Dialog

Dies ist eine Gelegenheit, einen Einblick in die zeitgenössische Kunstszene von Paris zu gewinnen, wo die beiden Künstler leben und arbeiten. David Mbuyi, der aus Kinshasa (Kongo), wo er 1997 geboren wurde, begann vor sieben Jahren mit der Malerei im Atelier von Djamel Tatah, dessen großformatige Gemälde mit einsamen Gestalten heute einen festen Platz in französischen Sammlungen einnehmen. Ein Zeichen dafür, dass David Mbuyis Malerei in der Kunstszene zunehmend Beachtung findet, ist die Verleihung des Prix François Dujarric de La Rivière im Jahr 2020. Die 1996 geborene Beninerin Maria Adjovi hingegen setzt sich in ihrer Malerei mit spirituellen Fragen auseinander und setzt sich gleichzeitig mit ihrer persönlichen Geschichte auseinander, die vom schmerzhaften Verlust ihrer Mutter geprägt ist.

Auf beiden Seiten lässt sich ein gleicher Rückgriff auf ein fotografisches Modell feststellen. Dank seiner ursprünglichen Ausbildung zum Grafikdesigner erstellt David Mbuyi Aufnahmen, jedoch ausschließlich zu dem Zweck, diese nach eigenem Ermessen zu bearbeiten. Die jüngste Serie von Gemälden, die er präsentiert, fängt jedes Mal flüchtige und alltägliche Momente ein: Männer und Frauen auf dem Weg, die mit ihren täglichen Beschäftigungen beschäftigt sind – ganz im Stil der Volksfotografie von Walker Evans. Die Figuren von David Mbuyi, die er in verschiedenen Formaten und in einer entschieden koloristischen Manier darstellt, sind oft in Bewegung, wie diese in Annecy fotografierte, von Pflanzen umgebene Frau, die in einem Park joggt (Ohne Titel, 2025). Oder wie diese verkrüppelte alte Frau (Miroir, 2025), die ebenfalls im Maßstab 1:1 wiedergegeben ist und sich mit Krücken fortbewegt – ein Detail, das die Nöte der kongolesischen Bevölkerung verdeutlicht. Diese verborgenen Leiden lassen sich auch anhand der zerbrochenen Struktur des Bildes erahnen, das in seiner Mitte durch eine Zäsur unterteilt ist, die es in ein Diptychon verwandelt. Nicht weit davon entfernt zeigt ein kleines Gemälde einen schwarzen Mann im Profil, eine Hand an einen Baum gestützt, die andere auf die Hüften gelegt, in einer eleganten Körperhaltung, stilisiert durch einen Kontrapost, der der antiken Bildhauerkunst würdig ist (La cour, 2025). So erscheint uns dieses Wesen, von dem wir nichts wissen und das keiner erkennbaren Handlung nachgeht, wie ein griechischer Gott: weise und geduldig, träge und voller Anmut. Er steht im Innenhof eines Hauses, dessen Fassade ein merkwürdiges Spiel aus senkrechten Linien bietet, das die Komposition aufbricht.

Bei genauerer Betrachtung – und diese Feststellung gilt generell für David Mbuyi – weist die Komposition formale Unvollkommenheiten und grafische Unregelmäßigkeiten auf, die ebenso viele kleine Ausnahmen von der geometrischen Regel darstellen. Zudem fällt auf, dass der Joggerin der linke Arm fehlt und ihr blaugraues T-Shirt seltsam zackig geschnitten ist. Dies sind bewusst für den Betrachter hinterlassene Hinweise, die die infografische Aneignung durch den französisch-kongolesischen bildenden Künstler verdeutlichen. Für ihn ist die Malerei wie eine erweiterte Fotografie, ein Mittel, diese zu interpretieren und in einen kreativen und universellen anderen Raum zu führen: ein „Werkzeug, um aus dem Rahmen auszubrechen“, wie er es ausdrückt. Es geht also darum, den Blickwinkel zu befreien, so wie die Farben aus der Komposition zu emanzipieren. Ein letztes Porträt, nun frontal, ist besonders gelungen (Ohne Titel, 2025): Man sieht darin einen jungen schwarzen Mann, der mit einem Bündel auf der Schulter entschlossen voranschreitet, als wolle er sich seinerseits aus dem Rahmen befreien, überzogen von zahlreichen farbigen Segmenten, manchmal in Wildtönen, die den Eindruck von Lebendigkeit noch verstärken.

Auch Maria Adjovi nutzt die Fotografie als ein Dokument, das ihrer malerischen Praxis vorausgeht. Während David Mbuyi zu seinen Figuren keine besondere Vertrautheit pflegt, greift Maria Adjovi vor allem auf Familienfotos zurück, die intime Momente festhalten, insbesondere zwischen ihr und ihrer verstorbenen Mutter. Das erste in der Ausstellung gezeigte Gemälde bildet hier eine Ausnahme: Es handelt sich um ein Porträt der jungen Frau mit kurzen Haaren und einem Ohrring (La médaille, 2025). Eingehüllt in ein weit geschnittenes, majestätisches afrikanisches Gewand präsentiert sie sich in Dreiviertelansicht vor einem braunen Hintergrund, die Hände als Zeichen der Andacht vor der Brust gefaltet. Sorgfältig drückt sie eine Medaille an ihre Brust, die sich durch ihre Helligkeit von den warmen Farbtönen (Rot, Orange) ihrer Kleidung abhebt und das Porträt auf geheimnisvolle Weise in eine persönliche, geheime Erzählung einbettet, die sich ihrer Schöpferin nicht unterordnen lässt. Die sorgfältige und majestätische Ausführung dieses Selbstporträts erinnert an die Malerei der italienischen Renaissance, insbesondere an die von Mantegna, den Maria Adjovi besonders schätzt. „Meine Arbeit“, so die Preisträgerin des Prix Weil, „hat ihre Wurzeln in einer narrativen Konstruktion, die von intimen Geschichten, Texten und Begegnungen genährt wird, die in mir nachhallen. Ich lasse mich von einer Art Lebensmoral leiten, fast wie von einer Last, die dem Menschsein innewohnt. Durch die Motive, die ich male, versuche ich, eine Wahrheit zu vermitteln – eine Wahrheit im Blick, in der Lesart des Bildes, in der verschwommenen Geste der konkreten Dinge von einst. Meine fotografischen Vorlagen entstehen aus Inszenierungen, aus Fragmenten des Alltags oder aus Anlehnungen an die Kunstgeschichte. Ich versuche, Gefühle zu wecken, so wie es die Poesie tut. Ich gehe dabei nach dem Prinzip des Auslöschens und Neuanfangs vor, bis etwas zurückbleibt.“

Die Malerei ist für die junge Frau in der Tat ein Ort der Stille und auch der Erinnerung. Sie grenzt fast schon an Hellsehen, da sie die Lebenden mit denen verbindet, die uns verlassen haben. Die anderen Werke von Maria Adjovi stehen in engem Zusammenhang mit ihrem Familienleben, allen voran dieses Gemälde, auf dem Maria an der Seite ihrer Mutter zu sehen ist, beide um eine rosettenförmige Blume versammelt (Wie eine ausgestreckte Hand, ich erinnere mich an gestern, 2025). Die Malweise dieses Bildes ist typisch für den Stil von Maria Adjovi; im Gegensatz zu David Mbuyi, dessen Kompositionen stets klar umrissen sind, lässt Maria um die Gesichter herum unscharfe Bereiche, als wolle sie die schwierige Suche nach der Erinnerung spürbar machen, sowie farbige Flächen, die den glücklichen Moment feiern, den es heraufzubeschwören gilt. Ein weiteres Gemälde greift das Thema der Gemeinschaft wieder auf („Devoir de promesse“, 2025), in dem Maria sich dreimal in ebenso vielen verschiedenen Lebensphasen darstellt – von der frühen Kindheit bis ins reife Alter – in einer räumlichen Perspektive, die zu einer zeitlichen Perspektive wird. Kerzen erhellen die Komposition und ersetzen die Rosette aus dem vorherigen Gemälde.