Kaum 26 Jahre alt, und schon bewegt sich Julien Hübsch in seinem künstlerischen Schaffen zwischen Reife und Gelassenheit – den Kennzeichen von Künstlern, die Bestand haben. Denn während zu viel Ernsthaftigkeit die Kreativität erstickt, leitet eine nützliche Weisheit die Karriere eines Künstlers. Dieses Rezept weiß der Luxemburger in die Praxis umzusetzen, und seit mehreren Jahren, nach einer Teilnahme an „Generation Art“ und einem langen Aufenthalt im Hariko in Bonnevoie, hat sein Ansatz eine entscheidende Wende genommen, sodass er nun die Abstraktion in all ihren Formen tiefgreifend erforschen kann. Er zählt zu den Künstlern der neuen Generation des Großherzogtums: Er stellt nun für das Kollektiv Cueva, bei Art2Cure, der renommierten Triennale Jeune Création sowie in der CAW in Walferdange aus und wird von Galerien wie der Valerius unterstützt, wo er im Rahmen der Ausstellung YLA (Young Luxembourgish Artists) vertreten ist, während er weiterhin für The Choppy Bumpy Peaches oder Sheebaba in die Saiten greift. Auch wenn man ihm früher oder später das Etikett „aufstrebendes Talent“ nicht mehr anheften wird, genießt er es vorerst in vollen Zügen und nutzt diese Zeit des Durchbruchs, um Neues auszuprobieren, sich Fehler zu erlauben, aber vor allem zu experimentieren und aus dieser rasanten und so bereichernden Dynamik zu lernen.
Vor fünf Jahren trafen wir Julien Hübsch in seinem Atelier im ehemaligen Hariko. Obwohl er in der luxemburgischen Kunstszene noch ein Neuling war, vertrat er bereits die Ansicht, dass „jede Kunst wahr ist“. Ein Gedanke, der sich in seinem Innersten ebenso weiterentwickelt hat wie in den verschiedenen Ausprägungen seines Schaffens: „Alles, was als ‚Kunst‘ gilt, hat seine Daseinsberechtigung; es wird immer offensichtlicher, dass alles als ‚Kunst‘ betrachtet werden kann.“ Als Hariko Ende 2018 geschlossen wurde, machte er sich mit diesem Leitgedanken im Herzen auf den Weg zu den Kursen von Thomas Schmidt, Heike Aumüller und Shannon Bool an der Kunsthochschule Mainz. Da ihm seine figurative und neoexpressionistische Arbeit nicht mehr zusagte, beschloss er, ganz von vorne anzufangen, um „eine künstlerische Praxis zu entwickeln, die nicht ständig mit dem verglichen wird, was ich zuvor gemacht habe“. Eine Entscheidung, die er heute als eine der besten seines Künstlerlebens betrachtet und die es ihm ermöglichte, Abstand zur luxemburgischen Kunstszene zu gewinnen. „So kann ich eine umfassendere Perspektive entwickeln, da ich an einer deutschen Schule bin, mit einer kanadischen Lehrerin und internationalen Referenten.“
Er fängt also ganz von vorne an, um die Möglichkeiten der Abstraktion voll und ganz auszuloten. Für ihn ist es wichtig, die figurative Kunst zu kennen, um den Prozess der Abstraktion verstehen zu können: „&Das Abstrakte ist in seiner Herangehensweise viel vielseitiger; man kann überall und in allem abstrakte Kompositionen sehen, und man kann sie mit verschiedenen Mitteln und Materialien schaffen “. In diesem Sinne eröffnet er sich unbegrenzte Möglichkeiten und wagt den Schritt in andere Bereiche wie Skulptur, Malerei, Installation, Umweltkunst oder all das gleichzeitig: „&„denn es besteht nicht mehr die Notwendigkeit, dass das Ergebnis etwas Konkretem ähnelt“, erklärt er.
Ziemlich provokativ und mit dem Versuch, Klischees auf manchmal brutale Weise zu durchbrechen, waren seine Anfänge ziemlich aufsehenerregend. Auch sein künstlerischer Ansatz und der daraus resultierende Diskurs haben sich verändert, da Julien Hübsch nicht mehr mit dem Finger auf die Menschen und Probleme zeigen will, mit denen er sich auseinandersetzt: „Meine Arbeit ist weniger aggressiv, aber in ihrer Konzeption viel präziser geworden. Sie hat sich ohne jede Heuchelei radikalisiert. Ich erzähle keine persönlichen Geschichten mehr, die manchmal erfunden oder vage sind. Im Gegenteil, es gibt einen Raum, der unumgänglich ist, der in unserem Alltag existiert und der in all seiner Schönheit und Hässlichkeit wahr ist.“
Sein Werk konzentriert sich somit hauptsächlich auf die Malerei, doch heute entwickelt er gerne Projekte, die Installation und Performance miteinander verbinden, ganz im Stil seiner Vorbilder Mark Rothko oder Monica Bonvicini. Hübsch richtet seinen Blick nun auf den ihn umgebenden städtischen Raum und die verschiedenen Akteure, die sich darin bewegen. „Ich versuche, abstrakte städtische Situationen zu schaffen und zu erzählen. Deshalb beginne ich, den Raum um mich herum zu analysieren: Stillgelegte Baustellen oder Straßenmarkierungen zeigen Kompositionen, die bei genauerem Hinsehen an abstrakte Malerei erinnern.“ Nach mehreren Jahren, dazu noch persönlichen Abenteuern und einer überstandenen Pandemie, erzählt seine Arbeit eine ganz andere Geschichte und will sich von sich selbst lösen: „Ich möchte ein Universum schaffen, das eine universellere Reaktion hervorruft. Eine Baustelle, ein Graffiti, Bauschutt entlang einer Autobahn – all das bildet eine Bildsprache, die banal erscheint, aber ein enormes Potenzial birgt.“
In diesem Sinne erklärt der Künstler, dass seine jüngsten Arbeiten den zeitgenössischen Aspekt des Graffitis mit einer Analyse des städtischen Raums verbinden, in dem es wahrgenommen wird. Eine künstlerische Richtung, die er mit dem „Post-Vandalismus“ in Verbindung bringt, einem Begriff, der 2019 vom Künstler Stephen Burke geprägt wurde, „um alle Kunstformen zusammenzufassen, die sich mit dem städtischen Raum auf zeitgenössische Weise und gemäß aktuellen Trends auseinandersetzen“. Als er zufällig auf Instagram auf diese Definition stieß, identifizierte er sich sofort mit dieser neuen Welt: „In Luxemburg wurde ich immer gefragt, ob ich aus der Street-Art-Szene komme, und das hat mich genervt. Nicht, dass ich die Akteure dieser Szene nicht mögen würde, sondern einfach, weil das nicht das ist, was ich mache. Der Begriff ‚Post-Vandalismus‘ hat mir die Möglichkeit gegeben, den städtischen Raum auf eine umfassendere Weise zu erkunden.“
Seine immersive Installation „Asleep in perfect blue buildings“, die er 2019 auf dem Salon du CAL ausgestellt hatte, fasst die drei Kernbegriffe, die seine künstlerische Praxis leiten – „Skulptur, Malerei und Umgebung“ – recht gut zusammen. Durch die Kombination von Holz, Leinen, Filz, Seil, Gleditsia-Blättern, Kunststoff und einer Matratze, wobei die Farben Weiß, Beige und Blau im Vordergrund stehen, findet man darin sowohl in der Form als auch im Inhalt das, was seine aktuelle Praxis ausmacht: „Mit diesem System habe ich das Kompositionsprinzip der abstrakten Malerei integriert, ohne wirklich zu malen. Vielmehr habe ich ein Bild im Raum konstruiert. Meine Installationen sind oft sehr immersiv (wie die für das Gebäude IV realisierte Installation zeigt; Anm. d. Red.) und spielen stets mit dem Prinzip der Komposition und den Farben “.
In „The Buff Project“, das er 2020 in Mainz realisierte, greift er den „Graffiti“-Geist wieder auf, um ihn zu erforschen und anschließend in seiner Ausstellung „Chantier abstrait/to be continued“ im CAW in Walferdange im März dieses Jahres neu zu interpretieren. Eine weiter ausgearbeitete Version einer „geheimen“ Ausstellung, die er im vergangenen November in Mainz unter dem Titel „Chantier abstrait/what if“ realisiert hatte. Aufgrund der Hygienemaßnahmen fand die Ausstellung ohne Publikum statt; daher lag es für ihn nahe, zu zeigen, was er während eines Pandemiejahres geschaffen hatte, in dem alles zum Stillstand gekommen war – insbesondere die Baustellen, für die er ein tiefes Interesse hegt: „ Mir wurde das immense Potenzial dieser unvollendeten Bauten bewusst, die größtenteils nur einen vorübergehenden Daseinszweck haben. Was ich zudem besonders interessant finde, ist, dass viele dieser städtischen Kompositionen dank Menschen entstehen, die keinem künstlerischen Ziel folgen. “
In seinem Ansatz kommt eine starke Ästhetisierung der Baustelle zum Ausdruck. Diese Bilder des Alltags, die für unsere Augen fast unsichtbar sind, da „diese Baustellen“ so fest in unserem Leben verankert sind. In seiner performativen Installation „Attracted by abstractions / Fin des travaux le…“, die im Institut d’Art Contemporain Poky gezeigt wurde, ist diese Idee des Bauens allgegenwärtig und wird durch eine tägliche Dekonstruktion in Gang gesetzt: „Wir haben die Skulptur dekonstruiert – gemeinsam mit den Kuratorinnen und Künstlerinnen Julia Gerke, Alina Röbke und Ruben Brückel – über einen Zeitraum von fünf Tagen dekonstruiert; jeder Tag hinterließ uns eine neue Form der Komposition und zeigte diesen unvollendeten Zustand, der sich im Prozess der (De-)Fabrikation befindet “. Das Publikum sieht dann jeden Abend den Stand der Baustelle und nimmt ihn als künstlerische Installation zwischen Realität und Ästhetisierung wahr: „Die Grenzen zwischen realer Baustelle und konstruierter/künstlerischer/gewollter Baustelle sind verschwommen“, erklärt der Künstler.
Auf dem Höhepunkt seiner künstlerischen Karriere hatte er im Jahr 2021 insgesamt etwa acht Ausstellungen. Ein ziemlich plötzlicher Schritt, den er mit viel Spontaneität gemeistert hat: „Wir haben uns alle gefreut, endlich wieder Ausstellungen machen zu können, nach einem Jahr, in dem es kaum nicht-virtuellen künstlerischen Austausch gab. Und da die Triennale wegen der Pandemie verschoben wurde, hatte ich viel Zeit, mich darauf vorzubereiten.“ Im Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain (und parallel dazu in den Rotondes) im Rahmen dieser renommierten Triennale Jeune Création 2021 stellt diese Präsentation seiner Arbeit somit eine Ehre für den jungen Künstler dar: „&„das Casino ist mein liebster Ort für Kunst in Luxemburg, ja sogar in der Großregion. Ich gehe schon seit meiner Kindheit dorthin, daher war es für mich wirklich ein etwas surrealer Moment, meine Arbeit in dieser renommierten Institution zu zeigen “.
Und da es keine Zufälle gibt, erhält er zudem Unterstützung von der Galerie Valerius und einen Platz in der Ausstellung „YLA“ (Young Luxembourgish Artists). Eine etablierte Position als einheimischer Künstler, die er nun sowohl im öffentlichen als auch im privaten Kunstbereich zu genießen beginnt, obwohl er diese beiden Bereiche als sehr unterschiedlich betrachtet. „Ich hoffe, dass ich eine institutionelle Karriere in Luxemburg wie auch anderswo aufbauen kann, und in diesem Sinne freue ich mich, dass die aufstrebende Szene unterstützt wird. Ich habe zwei Jahre lang meinen Lebensunterhalt durch den Verkauf meiner Werke finanziert, als ich im Hariko arbeitete, daher kenne ich die private Seite, aber mein aktuelles Werk zielt nicht darauf ab, die Rückenlehnen von Sofas zu schmücken. Es ist wichtig, das zu tun, was ich wirklich will, und dies zu erreichen, ohne den privaten Markt mit einem ‚Basquiat 2.0‘ versorgen zu müssen.“
Bei unserem ersten Treffen zögerte der Luxemburger nicht, Su-Mei Tse – die wie er bildende Künstlerin und Musikerin ist – als Beispiel anzuführen, eine der führenden Künstlerinnen der luxemburgischen Kunstszene. Heute strebt Julien Hübsch unter dem Label „ émergence “ – durch die Einbindung in die Triennale Jeune Création 2021 oder die Ausstellung YLA – ebenfalls eine vielversprechende Karriere als Künstler an. Im November wird er übrigens am Robert-Schuman-Kunstpreis in Saarbrücken teilnehmen. Einen Preis, den Su-Mei Tse im Jahr 2001 gewann, woraufhin sie eingeladen wurde, den luxemburgischen Pavillon auf der Biennale in Venedig zu vertreten. „Ich sage nicht, dass ich mir dasselbe erhoffe, aber wenn man von großen Ambitionen und Träumen spricht, muss man Venedig erwähnen. Realistischer betrachtet hoffe ich jedoch einfach nur, Kunst machen zu können und weiterhin in dieser Welt zu leben; wenn dies mit einem gewissen institutionellen Erfolg einhergeht, umso besser “, schließt Julien Hübsch.
