Es ist kurz nach 22 Uhr an diesem Samstag, dem 25. Juni, und das Ende der Welt steht bevor. Der bedeckte Himmel erhellt sich immer wieder, der Donner grollt und der Regen prasselt auf die Hauptstadt nieder. Dort unten, ganz am Ende des Tals, scheren sich fünf Schweden in schwarz-weißen Anzügen weder um das schlechte Wetter noch um ihre ersten Klöße, und das Publikum, das zum Teil wegen ihnen gekommen ist, revanchiert sich dafür. The Hives waren der Headliner des Siren’s Call, zurück nach zwei Jahren Pause. Eine Band, deren größte Erfolge gut zwanzig Jahre zurückliegen und die man im Jahr 2022 eigentlich nicht mehr erwartet hätte, aber eine echte Live-Band: begeisternd, ausdrucksstark, mitreißend – Eigenschaften, die man nach Covid besonders zu schätzen weiß.
Die Stärke des „Siren’s Call“ liegt zweifellos in der Lage: Der Veranstaltungsort erstreckt sich hauptsächlich über die Ecken und Winkel der Abtei Neumünster und reicht bis zum benachbarten „Melusina“, über einen idyllischen Waldweg entlang des Flusses, der von Laternen in Form verschiedener Fabelwesen beleuchtet wird. Auch wenn der Ort bei schönem Wetter besonders zur Geltung kommt, muss man zugeben, dass uns das Programm dieser Ausgabe weniger begeistert hat als die ausgezeichneten Bio-Weine, die auf dem Vorplatz serviert wurden. Ursprünglich eher Indie-Pop und geschmackvoll, geht das Programm dieses Samstags ein wenig in alle Richtungen und mischt insbesondere etwas veralteten, effekthascherischen Rock (also The Hives), allgegenwärtigen Pop-Rock (Nothing But Thieves) sowie (sehr) junge lokale Nachwuchskünstler (Chaild, Naomi Ayé), mitreißenden angelsächsischen Post-Punk (Enola Gay, The Clockworks), ausgefeilten Neoklassik (Hania Rani) sowie Electro-Pop nach indischer Art (Priya Ragu) oder französischer Art (Fischbach).
Bei einer solchen künstlerischen Vielfalt spielt der Aspekt der Entdeckung zwangsläufig eine wichtige Rolle, und wir begrüßen das Bestreben der Organisatoren, zusätzlich eine ganze Reihe von Begleitveranstaltungen anzubieten, die sich insbesondere um Handwerk, Ökologie und Kinder drehen – letztere wurden in diesem Jahr mit den zahlreichen „Minimënster“-Aktivitäten besonders verwöhnt. Kurz gesagt: Bei einem so breit gefächerten Angebot ist es nicht verwunderlich, dass die beiden Konzerte, die uns am meisten beeindruckt haben, absolut nichts gemeinsam haben. Da wäre zunächst Hania Rani, eine polnische Komponistin im neoklassischen Stil. Aus ihrem Klavier entweichen melancholische, hypnotische Melodien, die von einer Begleitband – insbesondere Schlagzeug und Kontrabass – hervorgehoben werden. Man erkennt, welchen Weg sie seit ihrem ersten Album „Esja“, das minimalistisch wie kaum ein anderes war, zurückgelegt hat. Seit „Home“ (ihr zweites Album) finden Gesang und elektronische Klänge ihren Platz in reichhaltigeren, vielschichtigen Arrangements. Ein ebenso sanfter wie komplexer Auftritt, der inmitten eines so dichten und abwechslungsreichen Programms schwer zu erfassen ist, aber unbestreitbar atmosphärisch und ästhetisch bemerkenswert ist.
Ein paar Deziliter einer Mischung aus Regenwasser und Schweiß später betraten vier aufgedrehte Jungs aus Belfast die kleine Bühne des Melusina, um das Festival zu beenden. Hier herrschte nicht gerade Finesse, sondern eher eine euphorisierende Spannung, eine mehr oder weniger kontrollierte Wut während eines Auftritts, der wie ein Schlag ins Gesicht wirkte. Der Sänger heizt dem Publikum ein, der Schlagzeuger lässt sein T-Shirt fallen, der Gitarrist stürmt in den Saal, um einen Pogo anzufachen. Ihr habt es sicher schon erraten: Enola Gay war nicht gekommen, um das Angebot der Food Trucks zu testen, sondern um die durchnässten Überlebenden, die dem Konzert von The Hives entkommen waren, umzuhauen. Überwiegend Post-Punk (Bass, Rhythmus), aber hier und da mit Anklängen an Hip-Hop (die Phrasierung) oder sogar Hardcore (die Gitarren), hat das Quartett nicht an Energie gespart, um das Publikum mitzureißen, das anfangs noch etwas zurückhaltend war, aber schnell erobert wurde und sich völlig gehen ließ.
Bei allem Respekt gegenüber den Hives und allen Künstlern des „Siren’s Call“ stand das eigentliche Highlight erst zwei Tage später auf dem Programm, als Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner, alias The Smile, dem jüngsten Ableger des Radiohead-Universums – jenem kreativen Magma, aus dem seit etwa fünfzehn Jahren zahlreiche mehr oder weniger miteinander verbundene Projekte hervorgehen. Und was für ein Projekt! Das großartige Album von The Smile (A Light for Attracting Attention) erinnert nicht nur an die Glanzzeiten von Radiohead. Es scheint drei Jahrzehnte musikalischer Experimente, der Suche nach Klängen und Texturen zu vereinen, und das Ganze wird durch die komplexen Rhythmen von Tom Skinner, dem Schlagzeuger des avantgardistischen Jazz-Quartetts Sons of Kemet, noch verstärkt.
Pünktlich um 21 Uhr betritt das Trio die Bühne, untermalt von einem Gedicht von William Blake (mit dem Titel „The Smile“), das von Cillian Murphy vorgetragen wird: „ There is a Smile of Love / And there is a Smile of Deceit / And there is a Smile of Smiles / In which these two Smiles meet “. Alle scheinen gut gelaunt zu sein, Thom Yorke hat zu diesem Anlass sogar seine Hosenträger angezogen. Das Konzert beginnt mit dem großartigen Eröffnungsstück des Albums, „The Same“. Leider lässt der Sound zu wünschen übrig und schwankt eine gute halbe Stunde lang zwischen akzeptabel und zumindest schlecht, bis hin zu „We Don’t Know What Tomorrow Brings“, einem mitreißenden Stück mit Krautrock-Anklängen, und dann „Skrting on the Surface“, vielleicht der offensichtlichste Ausdruck des Jazz-Einflusses auf diese Kompositionen.
Was für eine Freude, unsere jugendlichen Helden wiederzusehen – mal spielen sie hier Bass mit einem Bogen, mal überwältigen sie uns mit einer erstaunlichen Stimme, die man trotz eines unverständlichen Lärms verdientermaßen noch wahrnehmen kann, wenn man mehr als sechzig Euro für die Konzertkarte bezahlt undman sich für etwas mehr als eine Stunde vor einem Superstar wiederfindet, der noch nie einen Fuß auf luxemburgischen Boden gesetzt hat. Zwischen den Songs des Albums fügte die Band einige neue Kompositionen ein („It’s a new, new one“, so Thom Yorke nach der Darbietung von „Colours Fly“) und bewies damit, dass dieses Nebenprojekt auf Dauer angelegt ist (eine hervorragende Nachricht).
Der erste Teil des Sets endete mit der gelungenen Kombination aus „The Smoke“ und „You Will Never Work in Television Again“, und an dieser Stelle gebührt dem Tontechniker ein großes Lob dafür, dass er den Kurs korrigiert hat. Das Intro von „The Smoke“ ist umwerfend: eine Basslinie mit zeitlosem Groove, einer der Songs des Jahres und, wenn man der Reihe von für die Nachwelt hochgehaltenen Handys Glauben schenken darf, einer der Publikumslieblinge. Dann kam der Moment der Zugabe, die mit „Pana-Vision“ begann – einem weiteren Highlight des Albums –, gefolgt von „Open the Floodgates“, einer schlichten Klavierballade, bei der man alle Feinheiten einer der markantesten Stimmen unserer Generation wahrnehmen konnte, und endete zwei Songs später, bei Einbruch der Dunkelheit mit dem exzellenten „FeelingPulledApartByHorses“, ursprünglich ein Radiohead-Demo, das später zu einer Single von Thom Yorke wurde und an der Schnittstelle von Krautrock, Drone, Electro, Psychedelic Rock und Post-Jazz angesiedelt ist. Kurz gesagt: eine perfekte Synthese des Weges, den diese phänomenalen Musiker zurückgelegt haben, von denen man nicht mehr gehofft hatte, sie noch einmal so inspiriert zu erleben.
