Von Kutter bis Schauls

Im Herzen der Hauptstadt wuchsen im Stadtteil Limpertsberg zwei der bedeutendsten luxemburgischen Künstler des 20. Jahrhunderts auf: den Maler Joseph Kutter, der 1941 viel zu früh verstarb, und den Bildhauer Lucien Wercollier (1908–2002), dessen Karriere ebenso lang wie intensiv war. Beide starben dort, wo sie geboren wurden – in Luxemburg –, und ihre Werke werden von den wichtigsten Institutionen des Landes gesammelt. Ein dritter Künstler, der noch immer lebt, stammt ebenfalls aus dem Limpertsberg: Roland Schauls. Die Galerie Reuter Bausch widmet ihm derzeit eine Ausstellung mit dem Titel „Nouvelles fantaisies“. Eine Gelegenheit, seine jüngsten Werke zu bewundern, die seit dem Wegfall der Galerie Clairefontaine, die ihn vertrat, nicht mehr zu sehen waren.

Die Lebenswege verflechten sich, ebenso wie die Zeitachsen. Denn Roland Schauls stellt auf merkwürdige Weise eine Verbindung zwischen Kutter und Wercollier her. Nicht nur, dass sein Geburtshaus direkt neben dem so einzigartigen Haus von Kutter lag. Sondern er entdeckte auch zum ersten Mal ein Gemälde von Kutter in der Familie von Étienne Wercollier, dem Sohn des Bildhauers – und zwar nicht irgendeines, sondern das letzte Gemälde des Malers, das wahrscheinlich unvollendet blieb. Am Anfang von Schauls’ Karriere stand also offenbar diese ästhetische Ergriffenheit, die er als Kind beim Kontakt mit diesem Werk empfand. Das erklärte jedenfalls Roland Schauls gegenüber Christian Mosar in einem Interview, das anlässlich eines Auftrags für ein großformatiges Gemälde durch das Musée national d’histoire et d’art im Jahr 2014 geführt wurde.

Heute ist er siebzig Jahre alt und lebt in Stuttgart, wo er Ende der 1970er Jahre an der Akademie der Bildenden Künste studierte. hat Schauls weder Kutter vergessen – dessen Werke manchmal in seinen Gemälden zitiert werden – noch das Luxembourg, das in seinen Werken durch das Fenster wiederkehrt. So insbesondere der Grund, erkennbar an seinem Wasserlauf und seinen malerischen Gebäuden – eine typische Landschaft, die in seinen jüngsten Werken am häufigsten wiederkehrt, wie beispielsweise in „Der Coach ist nicht abgeneigt“ (2020–22), das in der Ausstellung zu sehen ist. Die Wiedergabe dieser Ansicht ist präzise, klar und besonders sorgfältig : Sie ist ganz darauf ausgerichtet, vom luxemburgischen Betrachter wiedererkannt zu werden. In einem Kreislauf entsteht so eine Identifikationsbeziehung zwischen der Leinwand und dem luxemburgischen Publikum. Es überrascht nicht, dass die lokale Kundschaft diese Art realistischer Details schätzt, wie der Verkauf dieses großformatigen Gemäldes trotz seines relativ hohen Preises (über 15.000 Euro, als Anhaltspunkt) belegt. Der Innenraum, von dem aus diese vertraute Vedute wahrgenommen wird, ist opulent und offenbart ein bürgerliches Interieur, in dem zwei Frauen ruhen: ein häuslicher Rahmen, der jedoch durch ein makaberes Detail gestört wird – eine karnevalistische Totenmaske als Symbol der Eitelkeit, die ganz allein die scheinbare Trägheit der Situation zu durchbrechen scheint. Und wie bei Kutter blicken die meisten Figuren den Betrachter direkt an: eine Konfrontation, die umso eindrucksvoller ist, als diese Figuren groß und imposant sind, fast in Lebensgröße.

Wenn es sich nicht um bürgerliche Interieurs handelt, entführt uns Schauls an den Strand oder an Seeufer, die von unwahrscheinlichen Bergen überragt werden. Der Maler behält dort seine leuchtenden, neo-fauvistischen Farbtöne bei und lässt seiner Fantasie freien Lauf, wie etwa bei den zahlreichen Schuhpaaren, die im Vordergrund von „Wird das noch ?“ oder „Eine neue Befreiung“, die beide im Jahr 2023 entstanden sind, oder bei dem Tukan, der in „Selbst mit Vogel“ (2021) neben dem Künstler thront. Man spürt den Willen des Malers, bisher getrennte Gattungen wie Porträt, Landschaft, Stillleben oder Genreszene zusammenzuführen. Besonders bemerkenswert ist jedoch der sich entfaltende Schaffensprozess, den man anhand besonders ausgefeilter Gemälde beobachten kann – Orte der Spontaneität und Kreativität, an denen die Acrylfarben mit den nervösen Strichen der Kohlezeichnung in Konflikt zu stehen scheinen. Die Arbeit in Serien – „Seit einigen Jahren schon male ich Serien, um der Falle zu entgehen, die ich als das ‚ultimative Gemälde‘ bezeichne“, erklärte Schauls gegenüber Mosar – ermöglicht es ihm, die Figur tiefgehend zu ergründen und ihre verschiedenen Entwicklungsstufen im Laufe der Jahre zu erfassen (daher tragen diese Gemälde manchmal zwei Datumsangaben, eine für den Beginn und eine für die Fertigstellung). In dieser Zwischenzeit, fügt Schauls hinzu, fügt er etwas hinzu, streicht etwas weg oder lässt die Leinwand ruhen. Der erzielte Effekt erinnert an eine Collage oder eine filmische Überblendung mit ihren bewusst lückenhaften figurativen Ellipsen. Wie eine ferne Erinnerung an jenes unvollendete Gemälde von Kutter, das er in seiner Kindheit entdeckt hatte ?

Das Einzige, was dieser schönen Ausstellung fehlt, ist die Präsentation der grafischen Arbeiten von Schauls; denn so hochwertig seine Gemälde auch sind, so zeugen seine Zeichnungen doch von einer unglaublichen Kraft und Virtuosität.