Suzanne und die alten Leute

Manche Gemälde wirken wie regelrechte Versprecher. Dies gilt umso mehr, wenn ihr Titel auf seltsame Weise zwischen zwei gegensätzlichen Bedeutungen schwankt, wie es bei dem Gemälde der Fall ist, das die Ausstellung „Suzanne Valadon“ eröffnet. Eine Welt für sich im Centre Pompidou-Metz. Es handelt sich um „L’été“ (1909), auch bekannt als „Adam und Eva“. Auf der einen Seite die Leidenschaft des Heidentums: die nackten Körper eines Mannes und einer Frau, die sich im Rausch der Jahreszeit wiegen. Auf der anderen Seite die ursprüngliche biblische Szene, die den Ausschluss aus dem Paradies symbolisiert: Die Frau pflückt den ikonischen Apfel, den der Mann hier mit der rechten Hand zurückzuhalten versucht. In der Rolle der Sünderin erkennt man Suzanne Valadon selbst, die sowohl als Malerin als auch als Modell fungiert, an der Seite ihres jungen Lebensgefährten André Utter (1886–1948), der zwanzig Jahre jünger ist als sie. Mit diesem Gemälde wird Suzanne Valadon zu einer der ersten Frauen, die einen nackten Mann von vorne malt – eine so skandalöse Ausnahme, dass das Geschlechtsteil des Mannes später brav mit einem Feigenblatt bedeckt wurde. Sie wiederholte dies in dem monumentalen Werk „Das Auswerfen des Netzes“ (1914), einer fernen Anspielung auf Frédéric Bazilles „Der Fischer mit der Handline“ (1868). Suzanne Valadon lernte André Utter 1909 kennen, im Jahr der Entstehung von „Der Sommer“ und ihrer Trennung von Miquel Utrillo. Eine Trennung, die sie freudig vollzog.

Daneben ist „L’été, L’Avenir dévoilé“ (1912) zu sehen, ein Gemälde, das 1912 auf dem Salon d’Automne ausgestellt wurde und charakteristisch für diese Schaffensphase ist, die durch die Darstellung großer weiblicher Akte geprägt war. Die nackte Frau wirkt wie schwerelos, sie liegt auf einem purpurfarbenen Sofa und lauscht aufmerksam der Erzählung einer Kartenlegerin. Der von Valadon verwendete Stil erinnert an den Einfluss der Nabi-Bewegung und noch stärker an deren Inspirationsquelle, Paul Gauguin, von dem sie auch die raue Art der Körperdarstellung übernimmt. Die von ihr gewählte Verzerrung der Perspektive unterstreicht den magischen Charakter der Szene: Die aufgedeckten Karten schweben in der Luft und entfalten sich wie ein Fächer. Die Sorgfalt, die sie sowohl der Anordnung der Falten als auch den dekorativen Motiven im Innenraum widmet, ist ein Aspekt, den sie in ihren Werken weiterverfolgen wird. Ebenso wie die dicken Konturlinien, die ihre Figuren stets umrahmen.

Die Malerei wurde fortan zu einer ganz besonderen Familienangelegenheit, da André Utter, mit dem sie nach Montmartre zog, ein Freund ihres Sohnes Maurice Utrillo (1883–1955) war. Beide sind Maler, die von Suzanne in die Kunst eingeführt und ausgebildet wurden, die bereits seit Ende des 19. Jahrhunderts unter Kunsthändlern einen gewissen Ruf genießt. Degas sammelte sogar gerne ihre Zeichnungen, vor allem von Frauen in ihrem Alltag, die er nach seinen eigenen Worten besonders wegen ihrer „geschmeidigen und zugleich strengen Linienführung“ schätzte. Mehrere Gruppenporträts halten diese einzigartige familiäre Lebensweise fest, an der neben dem „verfluchten Trio“ aus Utrillo und Utter auch Suzannes Mutter Madeleine teilhat, eine Wäscherin aus dem Limousin, die nach Paris gekommen war. So auch dieses ironische „Familienporträt“ (1912), das viel besser als Worte die Meinungsverschiedenheiten und Enttäuschungen innerhalb des Haushalts zum Ausdruck bringt, aber auch den grausamen Lauf der Zeit. Die alte Madeleine scheint bereits auf dem Weg ins Jenseits zu sein, mit leerem Blick, wie erstarrt neben ihrem Enkel Maurice, der auf einem Stuhl zusammengesunken ist, den Blick in sich selbst gerichtet, mit melancholischer Miene. Hinter ihnen sieht das Paar nicht besser aus: Utter sieht sich bereits anderswo, voller Zuversicht auf eine Zukunft, die allein ihm gehört, während Suzanne mutig dem Blick des Publikums begegnet, eine Hand offen auf der Brust, ganz im Stil von Parmesans „L’Antea“ (1524). Der Sommer scheint schon weit weg zu sein.

Ursprünglich strebte Suzanne eine Karriere im Zirkus an, doch ein schwerer Sturz zwang sie dazu, diesen Traum endgültig aufzugeben. Dank ihrer Tätigkeit als Modell verschaffte sie sich bereits im Alter von fünfzehn Jahren Zugang zu den meisten Ateliers der Hauptstadt. Ihre großen blauen Augen strahlen auf den Gemälden der größten Künstler jener Zeit, von denen einige in dieser Ausstellung versammelt sind. Bei Lautrec (dessen Geliebte sie war) erscheint Suzanne nackt, mit nonchalantem Schmollmund, als sie sich noch Maria nannte („La grosse Maria“, 1884); bei Renoir trägt die junge Frau ein prächtiges Ballkleid und ist am Arm ihres Tanzpartners in Gedanken versunken („Danse à la ville“, 1883). Sie posierte auch für „Le Bois sacré“ (1886–1889) von Puvis de Chavannes. Niemand weiß jedoch, dass sie ihre Zeit damit verbringt, Skizzenbücher zu füllen. Valadon wählt Edgar Degas aus, um diese zum ersten Mal zu zeigen. Sofort beeindruckt von ihrer Qualität – zumal Suzanne Autodidaktin ist –, ermutigt er sie, weiterzumachen, und wird ihr stets seine Aufmerksamkeit schenken.

In Erwartung der dem Psychoanalytiker Jacques Lacan gewidmeten Ausstellung im Jahr 2024, in der man sich erneut mit Courbets „L’origine du monde“ beschäftigen kann, setzt sich die Ausstellung „Valadon“ für eine uneingeschränkte Darstellbarkeit des Körpers ohne jegliche Scham ein und lässt so eine feministische Tradition der Aktdarstellung entstehen, die von den Porträts Valadons über die von Alice Neel bis hin zu den jüngsten intimen Aufnahmen von Nan Goldin reicht.