Straßenkunst im Museum

Eine Ausstellung der Graffitikunst zu widmen, beruht auf einem doppelten Paradoxon. Das erste besteht darin, eine vergängliche Ausdrucksform, die mit dem öffentlichen Raum verbunden ist, in einem Museum zu präsentieren. Das zweite liegt in der Feststellung, dass es sich um eine Kunstform handelt, die zwar sehr populär, in ihrer Geschichte jedoch weitgehend unbekannt ist. Genau diese historiografische Lücke will die bemerkenswerte Ausstellung „Aérosol. Eine Geschichte der Graffitikunst“ schließen, die vom Musée des beaux-arts de Nancy organisiert wird. Ihr Zeitrahmen erstreckt sich über mehr als zwanzig Jahre, von 1960 bis 1985 – eine fruchtbare Periode, in der diese Kunstform in Frankreich entstand und nach und nach von den Kulturinstitutionen anerkannt wurde.

Der erste Teil der Ausstellung beginnt mit einem materialistischen Ansatz. Er befasst sich mit der Entwicklung eines Objekts, der Sprühdose, der Camille Gendron ihre Dissertation gewidmet hat. Die Forscherin hebt die technischen und ästhetischen Besonderheiten seiner Verwendung im Kontext der Kunstgeschichte hervor. Die Sprühdose führt nämlich zu einer anderen Beziehung sowohl zum Trägermaterial als auch zur Geste und zum erzielten Ergebnis: das Verschwinden der Kontur zugunsten hybrider Oberflächen, Tröpfcheneffekte und Spritzspuren, die für dieses Werkzeug charakteristisch sind. Parallel zur von Aurélien Harmignies zusammengestellten Sammlung von Sprühdosen und Verschlusskappen zeichnet eine Zeitleiste die Geschichte des Aerosols nach. Das 1926 vom Norweger Erik Rotheim erfundene Spray diente zunächst als Insektizid für die US-Armee. In den 1950er- und 1960er-Jahren kam es vor allem zur Verbreitung des Produkts und seiner vielfältigen kommerziellen Verwendungszwecke, insbesondere in der Autolackierung und bei Armaturen. Im Laufe der 1960er-Jahre tauchten die ersten Ausdrucksformen des Graffitis als Straßenkunst auf.

Die Ausstellung thematisiert die damit verbundenen politischen Forderungen (Algerien, Vietnamkrieg, später feministische und schwule Kämpfe in den 1970er Jahren), die die Mauern zu Seiten eines Buches machen, das allen offensteht. Die ersten fotografierten Demonstrationen stammen aus dem Jahr 1962. Sie stehen im Zusammenhang mit der Unabhängigkeit Algeriens und den von der OAS begangenen Gewalttaten. So ist auf einer mit Werbeplakaten bedeckten Wand in Paris zu lesen: „OAS S.S. PAPON MÖRDER“. Im Rahmen der Arbeiterstreiks von 1969 ragt eine große Schablone mit einem Totenkopf empor, die durch ihre verzweifelte Klarheit erschreckt: „Wähle und stirb, du armer Mistkerl“, ist darauf zu lesen. Der Mai ’68 verschaffte dieser Art öffentlicher Proteste große Sichtbarkeit, wobei einige Slogans berühmt blieben („Es ist verboten zu verbieten“ oder auch „Gegen Polizeigewalt: Gewalt auf der Straße“). Die Situationisten stehen durch das von Guy Debord und Gil J. Wolman theoretisierte Verfahren der „Détournement“ an der Spitze der politischen Nutzung von Sprühdosen. Man muss unweigerlich schmunzeln, wenn man den schuljungenhaften Spruch von René Vienet entdeckt: „Godard, der dümmste der pro-chinesischen Schweizer!“ Ebenfalls im Mai ’68 griff die Presse solche Slogans auf und trug so dazu bei, diese neue Technik weiter zu popularisieren.

Der nächste Raum lässt die Stadtmauern erbeben. Er zeigt, wie Musikgruppen aus der Rock- und Punkszene die rohe Ästhetik der Do-it-yourself-Kultur für sich entdeckt haben. Zahlreiche Bands griffen auf ihren Plakaten und Plattencovern auf Schablonen und Sprühdosen zurück. Manche gehen sogar so weit, Schablonenvorlagen in die Hüllen ihrer Alben zu legen. Ihre vielsagenden Namen spiegeln den Geist einer lebensfrohen, aber zutiefst desillusionierten Epoche wider: Marquis de Sade, Trust, La souris déglinguée, Oberkampf, Diesel, Chaos, Nitrate, Social Negative, Vomix, Les Araignées du soir oder auch die Trotskids… Ein Werbeplakat von Oberkampf fordert die Zuschauer dazu auf, sich das Graffiti zu eigen zu machen („Schreib, was du denkst, an die Wände!“). Diese Musikgruppen nutzen die Wände, um für ihre Existenz und ihren alternativen Lebensstil zu werben: kahlrasierte Köpfe mit Irokesenschnitt, schwarze Perfectos und Bomberjacken, schmutzige Jeans, die von Hosenträgern gehalten werden. Durch diese Gruppenporträts kommen ein kollektives Bewusstsein und die Notwendigkeit zum Ausdruck, im Hier und Jetzt zu leben, da keine erstrebenswerte Zukunft in Sicht ist… Ende der 1970er Jahre tauchten an den Wänden auch Protestformen gegen den Bau des Centre Pompidou auf. So zum Beispiel dieses auf einer Bilderschiene reproduzierte Graffiti: „Das alte Beaubourg steht in einem Viertel, das trauriger nicht sein könnte. Schnapp dir Sprühdosen und besprühe alles, schreib, was du denkst, an die Wände. Stell dir mal vor, die Straßen von Paris wären so besprüht – sie wären viel weniger traurig. Wände voller Graffiti würden deine Augen erfreuen.“

Der Überblick befasst sich schließlich mit den verschiedenen Formen der künstlerischen Legitimation, die seit den 1980er Jahren entstanden sind. Während die Sprühdose früher ein rudimentäres Mittel darstellte, um einen marginalen Lebensstil und eine politische Haltung zu bekräftigen, wird sie nun zum Vorrecht von Künstlern, die eine Ausbildung an der Kunsthochschule absolviert haben. So etwa bei Jacques Villeglé und seinen zerrissenen Plakaten in der Pariser Metro oder bei Ben und seinen mit der Sprühdose verfassten Bonmots. Weniger bekannt als diese, aber ebenso bedeutend ist das Werk von Gérard Zlotykamien, einem der Pioniere der Straßenkunst in Frankreich, der bereits 1963 der institutionellen Welt der Galerien den Rücken kehrte, um im Freien zu arbeiten. In allen Ecken von Paris malt Zlotykamien seine „Ephemera“, zerbrechliche menschliche Silhouetten, die vom Trauma der Shoah gequält werden. Anfang der 1980er Jahre treten Künstler mit raffinierten und poetischen Werken in Erscheinung, wie beispielsweise die mit Aphorismen versehenen Schablonen von Miss.Tic, einer der wenigen weiblichen Figuren in der sehr männlich geprägten Landschaft der Straßenkunst. Zu nennen sind auch Jef Aerosol, Blek le rat, ein Pionier der Schablonenkunst, der die Wände mit Rattenfiguren bedeckt, sowie Marie Rouffet, die mit der Wiederholung ein und desselben Motivs spielt. Bemerkenswert: Die meisten der hier gezeigten Werke werden von Schablonenentwürfen begleitet.

Die zweite Ebene der Ausstellung widmet sich vor allem dem Austausch und den Einflüssen zwischen den Vereinigten Staaten und Frankreich. Diese Annäherung erfolgt über das „Tagging“, eine in den 1960er Jahren entstandene Praxis, bei der man sein Pseudonym in der Stadt hinterlässt, um von Gleichgesinnten erkannt zu werden. Die Buchstaben des lateinischen Alphabets werden dabei so stark verzerrt, dass sie für Uneingeweihte unlesbar sind. Einer der ersten, der diese Kunstform in Frankreich praktizierte, war Brando, der diese Praxis nach seinen zahlreichen Reisen nach New York einführte (sein Vater ist Amerikaner). Zusammen mit Scam bildete er ein schlagkräftiges Duo innerhalb des Kollektivs „Bomb Squad 2“, dem viele weitere folgten (Spirit, Asphalt, Blitz, BBC…). Neben Fotos von komplett mit Graffiti verzierten New Yorker U-Bahn-Waggons entdeckt man dank der Archivarbeit des Zentrums Arcanes, das alles rund um die urbane Kunst dokumentiert und erfasst, Rekonstruktionen ganzer Stadtteile von Paris. So lassen sich die verschiedenen Schichten von Graffiti an den wichtigsten Spots der Hauptstadt nachvollziehen. Die großen Veranstaltungen, bei denen sich Breaker, DJs und andere eingefleischte Graffitikünstler treffen, wie das Festival „Fêtes et Forts“ in Aubervilliers oder die 1985 vom Kulturministerium ins Leben gerufene Veranstaltung „La ruée vers l’art“, zeugen von der Begeisterung für die urbane Kultur. Und von einer Institutionalisierung, die vierzig Jahre später durch die Ausstellung „Aérosol“ konkretisiert wird.