Die Serie „my motocycle“ von Julien Hübsch (geb. 1995 in Esch) umfasst fünfzehn Werke, die er vor etwa einem Jahr im Rahmen seines Studiums an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig begonnen und einige Monate später in Mainz fertiggestellt hat. Es handelt sich um kleine Gemälde (35 x 25 cm), die mit schwarzem Gummi überzogen sind. Die Art und Weise, wie das Material gefaltet und festgenagelt wird, ist jedes Mal anders und lässt mehr oder weniger von der leuchtend gelben Rückseite durchscheinen. Die Werke VII, IX und XIII der Serie wurden mit dem Großherzog-Adolphe-Preis ausgezeichnet. Dieser mit 5.000 Euro dotierte Preis wird alle zwei Jahre für „das beste Kunstwerk“ verliehen, das auf der Ausstellung des Cercle artistique Luxembourg (CAL) präsentiert wird. Der Künstler, der derzeit ein Stipendium an der Cité internationale des arts in Paris absolviert, zeigt sich überrascht über diese Auszeichnung, von der er glaubte, sie sei „eher für Künstler in der Mitte oder am Ende ihrer Karriere bestimmt“. Mit 28 Jahren ist er tatsächlich der jüngste Preisträger dieser Auszeichnung. Darauf wies die Jury in ihrer Erklärung ausdrücklich hin: „Trotz seines jungen Alters hat die Jury eine echte Kohärenz und große Reife in seinem Werk festgestellt.“
Diese Reife geht einher mit dem Ehrgeiz – oder vielmehr dem Willen –, einen eigenen Weg einzuschlagen und einen „ehrlichen und kompromisslosen“ Weg zu finden. Nach einem bereits vielbeachteten Debüt in der luxemburgischen Kunstszene (Generation Art, Biennale für zeitgenössische Kunst in Strassen, Young Luxembourgish Artists, Hariko) beschließt Julien Hübsch, ganz von vorne anzufangen. „Ich wollte nicht derjenige sein, der für die dekorativen Bedürfnisse luxemburgischer Häuser malt.“ Ohne sich dabei allzu weit von seinem Heimatland zu entfernen, entschied er sich für Mainz und den Kurs „Expanded Painting“ von Shannon Bool an der Kunsthochschule. Das entsprach seiner Sichtweise auf seine Kunst: „Meine Sprache ist nach wie vor die der Malerei, aber unter Einsatz anderer Mittel, die größer sind und stärker mit der Umgebung und der Installation verbunden sind.“ Der Künstler schätzt auch die überschaubare Größe dieser Stadt, in der die Studierenden weniger Druck verspüren als in Berlin oder Paris. Diese Ausbildung, die er in Leipzig vervollständigte, ermöglichte es ihm, „die Kunst zu machen, die ich machen wollte.“ Ein Werdegang, der es ihm auch ermöglichte, in seine Heimatstadt Minett zurückzukehren. „Ich habe ein paar Jahre gebraucht, um zu verstehen, dass es in Ordnung ist, über Luxemburg und die Stahlindustrie zu sprechen. Nicht auf nostalgische oder romantische Weise, sondern mit meinem zeitgenössischen Vokabular.“
Julien Hübsch wählt in der Regel Rohmaterialien aus, die er auf Baustellen oder im städtischen Raum findet und die er umgestaltet, umfunktioniert und neu erschafft. Diese Materialien spielen eine zentrale Rolle und dienen als Ausgangspunkt für seine Werke, die sich in verschiedenen Formen präsentieren: Installationen, Assemblagen, erweiterte Malereien und Skulpturen. Das Interesse des Künstlers gilt vor allem den Veränderungen, die Materialien durchlaufen, wenn sie in neue Kontexte gestellt werden. Er bearbeitet diese Materialien so, wie er im Rahmen einer grafischen Untersuchung Farbe oder Holz verwenden würde. Das Ergebnis der Komposition erweist sich in der Regel als recht radikal in der Reduktion von Farben und Formen. Diese Werke fungieren als Zitate der Stadt, als Ausschnitte aus diesen architektonischen Momenten.
Was das Material betrifft, bildet die Serie „my motocycle“ keine Ausnahme: Der Gummi stammt von einem Schlauch, den er im Hof seiner Werkstatt in Leipzig gefunden hat, „ein Fragment meiner Umgebung, dieses Ortes, an dem viele Kunststudenten leben“. Die Bezugnahme erstreckt sich diesmal über einen weiteren Aspekt hinaus, der über die städtische Umgebung hinausgeht: Unter den „Haufen von Sachen, mit denen man alles Mögliche machen könnte“, wurde die Wahl dieses Gummistücks von einem Interesse am filmischen Universum von Kenneth Anger geleitet. Dieser amerikanische Regisseur, der im vergangenen Mai verstorben ist, vermischt in seinen experimentellen Kurzfilmen Surrealismus, Homoerotik, psychotrope Substanzen und Okkultismus. Insbesondere „Scorpio Rising“ (1964) konzentriert sich auf die aufkommende Figur des Bikers (Easy Rider kam 1969 in die Kinos). Der Film wechselt zwischen Christus-Bildern aus Low-Budget-Religionsfilmen und Aufnahmen von Motorradfahrern in schwarzem Leder oder Nazi-Figuren hin und her. „Ich habe mich für die Codes und die sehr zeitgenössischen Themen rund um queere Männlichkeit interessiert. Das weiche, geschmeidige Material, das ich verwendet habe, erinnert vielleicht an Leder, die Nieten verleihen dem Ganzen einen gefährlichen und sexy Touch.“
Mehr noch als die Verwendung von Fundstücken und Industriematerialien beinhaltet die Arbeit von Julien Hübsch oft die Wiederverwendung und das Recycling von Elementen aus seinen früheren Projekten. Sein Ansatz ist weniger ökologischer als vielmehr konzeptioneller Natur. Es geht darum, sich bewusst zu machen, wie das Material behandelt wird und welche Spuren frühere Verwendungen hinterlassen haben. Er nennt eine Reihe von Ausstellungen, für die er sich aus der Umgebung der Schmelz bedient und dieselben Objekte, Fliesen, Dokumente, Abfälle, Planen, Steine und Hölzer überarbeitet hat, indem er sie in neue Kontexte stellte: im Bâtiment IV im Jahr 2020, im CAW in Walferdange im Jahr darauf, dann erneut in der Cueva oder in Mainz… Jedes Mal wird je nach Ort eine neue Recherche durchgeführt, die Ideen werden überarbeitet, die Gedanken im Sinne von Anpassung und Flexibilität neu gestaltet: „Die Ausstellung entspricht einem bestimmten Moment und einer endgültigen Gestaltung für diesen Raum. Ist die Ausstellung beendet, wird das Werk wieder zum Material. Die Möglichkeiten sind dann unendlich. “
Die Verwendung von Materialien, die hauptsächlich im öffentlichen Raum gesammelt wurden, und deren Bearbeitung erinnern unweigerlich an die rohe Ästhetik urbaner Interventionen wie Graffiti, Vandalismus, Proteste und illegale Kunstaktionen. Manchmal wird der Begriff „Post-Vandalismus“ verwendet, der 2019 vom Künstler Stephen Burke geprägt wurde und diesen von der urbanen Kunst abgrenzt. Er arbeitet mit denselben Werkzeugen und im selben Kontext, doch anstatt Schichten auf die Wände aufzutragen, interessiert sich Julien Hübsch für die alltäglichen, vom Menschen hinterlassenen Spuren. Das angestrebte ästhetische Ergebnis entsteht eher durch Weglassen, Entfernen, Neuzusammensetzen und Auslöschen. Er entzieht den Objekten ihre Funktionalität oder bearbeitet die Materialien in seinem Atelier so um, dass sie unbrauchbar werden. „Indem man etwas entfernt, verleiht man ihm mehr Kraft.“
Die Arbeit, die der Künstler derzeit in Paris im Rahmen eines Forschungs- und Schaffensaufenthalts durchführt, geht in diese Richtung. Sein Projekt „walls/ origins/ replacements“ befasst sich mit der Geschichte des Graffitis, nicht nur im Hinblick auf die Technik des Sprühens, sondern auch hinsichtlich der Bedeutung des öffentlichen Raums als Spielwiese. Seine Recherchen führen ihn zu Gérard Zlotykamien (mit dem Spitznamen „Zloty“), der als Pionier der urbanen Kunst in Frankreich gilt und bereits 1963 als Erster Sprühfarbe an Wänden einsetzte. Durch eine glückliche Fügung tauchte diese Persönlichkeit in diesem Herbst innerhalb weniger Wochen mehrmals auf: Der Achtzigjährige stellt im Palais de Tokyo (im Rahmen des Lasco-Projekts) aus, die Galerie Mathgoth widmet ihm eine Retrospektive und eine Monografie erscheint. Dies gibt Julien Hübsch die Gelegenheit, diesen „niedlichen Großvater, der sehr genau weiß, was er wert ist“ kennenzulernen und seine Arbeit gezielter auf diese Figur auszurichten. So spürt er rund vierzig Orte auf, an denen Zloty seine „Éphémères“ gemalt hatte. Es folgt ein langer kreativer Transformationsprozess. Der Künstler fotografiert die Wände, die zwangsläufig neu gestrichen wurden und an denen mehrere Jahrzehnte später nichts mehr von den Spuren der Graffitis zu erkennen ist. Er bearbeitet diese Bilder digital nach, indem er ihnen systematisch einen Schwarz-Weiß-Filter mit starken Kontrasten und starker Körnung anwendet, inspiriert von den Fotografien von Daido Moriyama. Schließlich druckt er sie auf gelbes Papier und schafft so etwa 80 Karten, die zwischen Dokumentation und Experimentieren angesiedelt sind.
An diesem Mittwoch öffnete Julien Hübsch im Rahmen der wöchentlichen Veranstaltungsreihe „Ateliers ouverts: Pratiques ralenties“ die Türen seines Pariser Ateliers. Eine Gelegenheit, dem Publikum und den anderen Künstler*innen in Residenz seine aktuellen Arbeiten zu zeigen. Neben seinen gelben Tafeln hat er Gegenstände und Materialien gesammelt und überarbeitet, die er auf seinen Wegen gefunden hat. „Um mir die Orte anzusehen, an denen Zloty gesprüht hatte, nahm ich dieselbe U-Bahn, kam an derselben Baustelle und derselben Bar vorbei: Die Spuren, die ich mitnehme, treten in einen Dialog mit den Dokumenten.“
Der Künstleraufenthalt zieht immer mehr Künstler an, und Hübsch gehört dazu. „So kann ich mich auf einen Forschungsbereich konzentrieren, auf ein Projekt, das für sich allein steht.“ Er hat sich für ein weiteres Residenzprogramm im nächsten Jahr in Montreal beworben und hofft, nach Paris zurückzukehren, um sich mit den Spuren der Olympischen Spiele auseinanderzusetzen. Der Beginn des nächsten Jahres wird projektreich sein: eine Ausstellung in der Galerie Reuter Bausch im Januar, eine weitere im Kunstzentrum von Dudelange im Februar (wo er voraussichtlich die Ergebnisse seiner Pariser Recherchen zeigen wird) und später eine Einzelausstellung in der Galerie Schlassgoart. Dabei spielt er weiterhin Gitarre und singt für seine beiden Musikprojekte „The Choppy Bumpy Peaches“ und „Sheebaba“. Bislang legte er Wert darauf, den bildenden Künstler vom Musiker zu trennen, „um beiden Bereichen eine Chance zu geben, ohne zu viel Druck“. Die beiden Facetten des Künstlers scheinen nun miteinander in Einklang zu kommen, nachdem er beispielsweise während der „Nuit des Musées“ im Casino Luxembourg aufgetreten ist. Kein Wunder also, dass der Sound von Sheebaba als „Artschool-Wave“ beschrieben wird und die Konzerte den Charakter einer Performance haben. Der Post-Vandale verwischt die Grenzen, um dort wieder aufzutauchen, wo man ihn nicht erwartet.
